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出版者:安徽美术出版社

作者:吕云所编

出品人:

页数:38

译者:

出版时间:2005-1

价格:15.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787539813578

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艺海拾贝：古典诗词鉴赏与创作指南 卷首语 浩渺文海，诗词如星，点缀中华文明的夜空。它们是情感的凝练，是哲思的结晶，更是历史的呼吸。本书旨在为渴望深入领略古典诗词之美、并尝试执笔摹写古人风骨的读者，提供一条清晰而富有启发性的路径。我们不求堆砌繁复的典故，而重在引导读者体悟诗词背后的生命律动与人文精神，使其成为我们精神世界的丰盈所在。 第一部：溯源与境遇——古典诗词的生命脉络 第一章：汉风唐韵的奠基石 诗歌的源头，是生活对情感的朴素表达。《诗经》的“风”、“雅”、“颂”，构建了中国诗歌最早的叙事和抒情模式。本章将深入剖析其四言为主的句式结构，以及周秦两代礼乐制度下，诗歌如何成为反映民生疾苦与政治兴衰的载体。我们将聚焦于《国风》中那些充满生命力的场景描绘，例如“蒹葭苍苍，白露为霜”所营造的迷离意境，并探讨其对后世“赋”与“比”手法的深远影响。 紧接着，我们步入汉魏六朝的变奏。汉乐府的质朴雄浑，与文人集团的“建安风骨”形成了鲜明对比。曹氏父子的悲愤，建安七子的哀婉，共同铸就了乱世文学的基调。这一时期，辞赋的地位虽高，但其注重铺陈的特点，也为后来的格律诗提供了形式上的参考。我们会细致区分赋、诗、歌在体裁上的差异，并探讨魏晋玄学对文学审美取向的微妙影响——从积极入世到清谈避世，心境的转移如何投射到字句之间。 第二章：盛唐气象：格律的成熟与格局的开阔 唐代是中国古典诗歌的巅峰，其核心在于近体诗（律诗和绝句）的成熟与定型。本章将详尽讲解格律的构造之美，包括平仄的运用、对仗的工整与巧妙，以及韵脚的转换对诗歌节奏感的影响。我们不把格律视为束缚，而是视为一种“游戏的规则”，在规则内激发无限的创造力。 重点分析“初唐”的过渡性探索，如何从齐梁的纤弱走向初唐的浑厚。随后，我们将进入盛唐的磅礴阶段。李白的“飘逸”源于其对浪漫主义和道家思想的融会贯通，其诗歌的魅力在于“不着痕迹处皆成妙境”。杜甫的“沉郁”则体现在他对社会现实的深刻关怀与史诗般的格局，分析其如何将个人命运融入时代洪流。此外，边塞诗派如高适、岑参，如何通过壮阔的地理景观和军旅生活，拓展了诗歌的题材边界，值得深入探讨。 第三章：中晚唐的内敛与转型 安史之乱后，诗歌的审美趣味开始转向内向和精致化。白居易的新乐府运动，意图“补察时政，泄导人情”，其语言的通俗易懂，是其广泛流传的关键。然而，我们更应关注晚唐的“唯美主义”倾向。 李商隐与杜牧，分别代表了唐诗在情感表达和意境营造上的两种极致。李商隐的“无题诗”探索了幽微复杂的情感世界，其象征和隐喻的手法极为高超，需要仔细辨析其用典的精妙；而杜牧则以清峻的笔触描绘了江南的婉约与历史的兴衰。本章还将简要介绍韩愈、柳宗元倡导的古文运动对诗歌表达力的影响，以及“晚唐体”对形式的极致雕琢。 第四章：宋词的兴起与文人情怀的拓展 宋代，词的地位超越了诗，成为主流的抒情载体。本章梳理了词的起源与柳永的市民化倾向，探讨了宋词如何从“艳科”走向文学殿堂的过程。我们将区分婉约派与豪放派的审美差异。 苏轼的旷达与哲理，使词的境界得以提升，他将诗的笔法引入词中，拓宽了题材范围；而辛弃疾的爱国情怀，则通过跌宕的结构和充满力量的语言，将词的战斗性推向高潮。对于格律相对自由的词牌，如小令、慢词，本章将着重分析“铺叙”与“白描”的结合，以及曲牌中蕴含的音乐节奏感对填词的约束与启发。 第二部：鉴赏之眼——审美原则与技法剖析 第五章：意象的构建与象征的运用 诗词的精髓在于“意象”的凝练。本章将系统梳理中国古典诗词中反复出现的经典意象群：月亮（思乡、永恒）、柳（离别、挽留）、梅（高洁、傲骨）、竹（虚心、气节）。我们将分析不同时代、不同作者如何赋予同一意象以新的内涵。 更进一步，我们将探讨象征手法的运用。例如，王维“明月松间照，清泉石上流”中，自然景物如何承载了禅宗的空灵境界。理解意象，是进入诗人心灵的第一道门槛。 第六章：声律的奥秘与节奏的掌控 诗词的音乐性是其生命所在。本章将详细拆解近体诗的声韵规则，平仄的相替与粘，如何营造出抑扬顿挫的韵律感。对于初学者，掌握基础的“一三五不论，二四六分明”等口诀，有助于避免平仄上的硬伤。 对于词，则需关注不同词牌的板眼结构。例如，慢词的长短句如何模拟人的气息起伏，长句的舒缓与短句的急促之间的对比，是如何强化情绪的转折。我们将通过朗读示范，让读者切身体会“诗中有乐，乐中有诗”的妙处。 第七章：神韵的捕捉：留白与含蓄之美 中国古典艺术极重“气韵生动”，诗词尤然。本章的主旨是探讨“言有尽而意无穷”的艺术境界。这涉及到对“留白”的理解——即作者刻意在关键之处的省略，给予读者最大的想象空间。 我们将对比直接抒情（如“感时花溅泪，恨别鸟惊心”）与间接烘托（如“枯藤老树昏鸦，小桥流水人家”）。后者通过一组静谧、萧瑟的画面，将词人的苍凉心境不动声色地传递出来。学习这种含蓄、克制的表达方式，是提升鉴赏层次的关键。 第三部：入局与成章——古典诗词的创作路径 第八章：从摹想到化用：积累与训练 创作的起点，必然是大量的输入与模仿。本章提供一套系统化的积累方法，而非简单地背诵。建议读者建立自己的“诗眼词库”，记录那些被反复使用的、效果极佳的词组或句式。 “化用”是创新的基础。我们讨论如何学习古人的句法结构，提取其“骨架”，然后填入属于自己的“血肉”。例如，学习杜甫的设问句式，将其用于现代情境的表达。本章将提供多组古代名句的结构拆解，供读者练习套用。 第九章：起承转合的谋篇布局 无论是五言绝句的四句结构，还是律诗的八句布局，都有其内在的逻辑。绝句通常遵循“起、承、转、合”的叙事或抒情线索，而律诗的颔联（对仗）和颈联（转换）则对结构平衡提出了更高要求。 我们将以具体诗作为案例，解析作者是如何在有限的篇幅内实现情感的递进或场景的切换。对于律诗的创作，本章会特别强调“首联对”与“尾联点睛”的重要性。 第十章：触景生情与物我合一的实践 最终的创作，源于“真情”与“实景”。本章引导读者将目光投向真实的生活体验。如何将日常的所见所闻，提炼成具有古典美感的意象？例如，如何将现代都市的“霓虹灯”转化为具有古典意境的“流光”或“焰色”。 我们强调“物我合一”的境界——观察景物时，你的心绪已经融入景物之中，景物也因此染上了你的情感色彩。本章将通过一系列写作练习，指导读者如何捕捉瞬间的感悟，并将其打磨成具有韵味的诗句，完成从“观者”到“创作者”的蜕变。 结语 古典诗词，是千载文脉的活水。掌握其法度，是为了更好地跳出法度，以古人的智慧观照今人的情怀。愿本书能成为你步入诗词艺术殿堂的可靠阶梯。

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这本书的视角非常独特，它没有拘泥于传统山水画中那些固定的“母题”或“范式”，而是更强调“意在笔先”的哲学思辨和个人情感的抒发。与其说它是一本技法书，不如说它是一本关于如何用视觉语言构建个人精神世界的指南。作者在阐述用线和墨的技巧时，总是巧妙地穿插中国传统美学中的“气韵生动”和“留白”的意境。例如，在讨论如何表现“云雾缭绕”时，书中提到的不是简单的留白处理，而是引导读者去思考云雾在山间流动的“动态感”和“呼吸感”，这需要对自然观察的深入和对内心世界的提炼。我读到关于“皴法”如何服务于山石的“体态”而非仅仅是“纹理”时，深受启发。它让我意识到，每一次落笔都不是重复前人的笔墨，而是在重塑一次对自然的感悟。这种由内而外的创作思路，极大地拓宽了我对国画的理解，它不再是单纯的模仿，而是一种精神的对话。这本书对于想要从“匠人”向“文人”转型的学习者来说，价值无可估量。

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这本书简直是为我这种想迈入国画大门但又摸不着头脑的新手量身定做的！它完全没有那种高高在上、让人望而生畏的学院派腔调。作者的讲解方式非常接地气，就像一个耐心十足的邻家大哥手把手教你拿毛笔一样自然。我特别喜欢它对基础笔法的拆解，比如“中锋”、“侧锋”这些听起来玄乎的术语，被分解成了每一个细微的动作，配上极其清晰的图示。我记得有一章专门讲了如何调墨的浓淡干湿，以前总觉得这是个天赋活儿，看了这本书才知道，原来不同的水量和用笔速度能产生如此丰富的肌理变化，简直是打开了新世界的大门。它没有急着让你去画复杂的山峰，而是让你先专注于控制笔锋的力度和出纸的角度，把“控笔”这个最根本的环节打磨得扎实。读完前几章，我感觉自己对笔墨的理解不再是停留在“画个黑线”的层面，而是开始体会到墨的“生命力”。那种深入浅出的叙述方式，让我这个连“提按顿挫”是什么意思都不太清楚的门外汉，也能很快抓住要领，建立起学习的信心。这种扎实的入门体验，是我在其他很多理论书籍中都没找到的宝贵财富。

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我必须得说，这本书的装帧和排版设计简直是业界良心，完全颠覆了我对传统国画教材那种陈旧、刻板的印象。内页纸张的质感处理得非常好，无论是印刷出来的墨色层次感还是线条的清晰度，都达到了极高的水准，这对于学习笔触细节来说至关重要。更值得称赞的是，作者非常注重“图文互证”的有效性。很多技法讲解的旁边，紧跟着的不是冗长的文字解释，而是几组由简到繁、由局部到整体的示范图。这些示范图的取景角度和放大细节都经过了精心设计，让人一眼就能明白其中的诀窍。我尤其欣赏它在介绍“点苔”技巧时所做的对比分析：同样是苔点，通过改变用笔的提拉方式和墨色的饱和度，能表现出不同季节和不同光照下的生命力。这种高度视觉化的教学模式，极大地提高了我的学习效率，省去了我反复揣摩和试错的时间。对于我们这些时间有限的现代学习者来说，这种高效的视觉传达方式，是比任何长篇大论都来得实在的帮助。

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这本书最让我感到惊喜的是它对“工具与材料”的重视程度，这一点在很多同类出版物中往往被轻描淡写地带过。作者花费了相当大的篇幅，详细介绍了不同地域、不同年代的“笔、墨、纸、砚”对最终画面效果的影响。例如，他细致地比较了安徽宣纸和江西皮纸在吸墨性和洇化程度上的差异，以及这种差异如何反过来要求画家调整运笔的速度。特别是关于墨锭的选择和研磨的细微差别，描述得犹如品鉴顶级茶叶一般考究，让人不禁想要立刻去尝试使用不同的材料进行创作。这种对物质基础的尊重，体现了作者对艺术创作完整性的深刻理解——优秀的技法必须依托于对材料特性的深刻认知。我以前总以为，只要技术到位，用什么笔墨都差不多，但读完这本书后才明白，材料本身就是表达的一部分。这种对“工匠精神”的强调，让我对未来的学习方向更加明确：不仅要练手，更要懂“材”。这本书真正做到了“知其然，更知其所以然”。

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这本书的叙事节奏把握得十分精准，它巧妙地平衡了“广度”与“深度”的关系。它并没有试图涵盖所有朝代的、所有流派的绘画技法，反而聚焦于中国山水画几条核心的主线脉络，然后对这些核心技法进行深挖。比如，它花了好大力气去剖析宋元以来对“界画”和“写意”两种极端风格的取舍与融合，而不是简单地罗列“董源如何画，巨然如何画”。这种结构让学习者能够建立起一个清晰的“知识地图”，知道自己目前处于哪个阶段，下一步应该往哪个方向深入。书中对不同时期画家们在面对相似题材时所采用的不同笔墨策略的比较分析，非常犀利和富有洞察力。它不是在赞美某位大家，而是在研究“为什么”他们会选择这样的笔墨。这种研究性的探讨，让我开始学着用批判性的眼光去看待传统范本，不再盲目照搬，而是学会去选择和改造最适合自己的语言体系。这种思维层面的训练，远比单纯的描摹有价值得多。

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