脉动数码摄影

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出版者:沪科文献
作者:英腾图
出品人:
页数:222
译者:
出版时间:2005-4
价格:42.00元
装帧:平装
isbn号码:9787543925298
丛书系列:
图书标签:
  • 摄影
  • 数码摄影
  • 摄影技巧
  • 构图
  • 光线
  • 后期
  • 色彩
  • 创意摄影
  • 摄影入门
  • 摄影教程
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具体描述

这是数码摄影爱好者不可错过的一本书,丰富的图片配合深入浅出的讲解会使你快速上手并逐步进入数码摄影的全新世界。随着阅读的深入我们惊奇地发现它不仅仅是一本技术指南而且详尽涉及了从相机选购到照片市场的丰富相关信息,专家的建议为读者提供了相关领域各种合理解决方案,这些不但为初学者入门提供了一条捷径也为有志走上专业数码领域的读者打下了坚实基础。

  本书不但可以作为初学者的入门指南,更是一本内容详实的拍摄手册。配合大量精彩的图片,本书深入浅出地为您讲解了数码摄影的相关知识,在助您提高拍摄技能的同时还对摄影的基础知识进行了深入的探讨。全书各章节浅显易,分别为您提供了摄影技巧、图像编辑、数码暗室设置等方面的专家建议。大量实际拍摄的技术指南及后期制作的高级技术不但能使您拍出满意的作品,更能帮您将照片制作为具有专业水准的图像。不管您是刚刚起步的初学者,还是具有一定经验的中级摄友,本收都可以助您一臂之力!

影像的边界:构建与解构的当代摄影艺术 图书信息: 书名: 影像的边界:构建与解构的当代摄影艺术 作者: [此处留空,或虚构一位与“脉动数码摄影”无关的作者] 页数: 约 550 页 开本: 16 开 定价: 128.00 元 ISBN: [虚构的,与原书无关的ISBN] --- 导言:从瞬间到结构——当代摄影的哲学转向 《影像的边界》并非一本关于技术操作手册,亦非聚焦于某一时期的风格复古研究。它是一次深入当代摄影艺术本体论的哲学漫游,探讨自上世纪七十年代以来,摄影如何从一个记录现实的工具,蜕变为一个主动构建、质疑并解构我们所处世界的媒介。 本书的核心论点在于:当代摄影已经跨越了“按动快门”的物理限制,进入了一个由观念、媒介转换和权力批判所主导的“后图像时代”。我们不再问“这张照片拍得像不像”,而是追问“这张照片是如何被建构的,它试图隐瞒或揭示了什么结构性的真相”。 全书结构围绕“边界”展开——摄影与时间、摄影与物质、摄影与权力、摄影与自我身份的边界,以及媒介自身边界的模糊与重塑。 --- 第一部分:解构凝视——摄影与主体性危机 (约 150 字) 本部分聚焦于“凝视”(The Gaze)的批判性转向。我们首先回顾了约翰·伯格(John Berger)对经典再现模式的挑战,继而深入探讨了福柯意义上的“全景敞视主义”在当代社会中的视觉体现。 重点章节: 1. “被观看的观看者”: 分析赛博空间中,主体如何既是观看者又是被观看的对象,以及这种双重角色对身份认同的侵蚀。 2. 肖像的终结与标签的诞生: 考察当代艺术如何拒绝捕捉“本质性的瞬间”,转而关注身份标签的流动性与表演性。例如,对纪实人像中“被拍摄者同意权”的深度伦理审视。 --- 第二部分:物质性的反叛——超越光敏材料的媒介实验 (约 350 字) 摄影的“物质性”一直是其区别于绘画的关键。然而,当代摄影对这一物质性的挑战达到了前所未有的深度。本部分探讨了艺术实践中对传统显影、冲印过程的颠覆,以及对非传统材料的引入。 重点章节: 1. 化学的炼金术与后印刷时代: 探讨艺术家如何重新激活或故意破坏银盐晶体的化学过程,将“失败”和“腐蚀”纳入美学范畴。深入研究了氰版印刷(Cyanotype)、铂钯印刷(Platinum/Palladium Print)等古老工艺在当代语境下的回归,它们所承载的“时间重量”如何对抗数码的瞬时性。 2. 索引、档案与失序的知识库: 详细剖析了档案摄影(Archival Photography)的挪用策略。这部分区分了仅仅是引用历史图像与真正意义上的“档案重组”。我们探讨了沃霍尔(Warhol)式的平面化处理,以及策展人如何通过重新排序文件,制造出新的历史叙事断裂。 3. 摄影的拓扑学:从平面到体量: 这是一个关于“图像不再是墙上的矩形”的章节。分析了将照片作为材料嵌入雕塑、装置、甚至建筑结构中的实践。图像的平面性被打破,它获得了物理的体积和在空间中的权力。探讨了利用全息技术、光绘技术(Light Painting)等制造“非光敏”图像的尝试。 4. 虚拟固化与数据的幻影: 面对日益增长的数字文件,本章质疑“备份”本身的可靠性。研究了艺术家如何通过故意的数据损坏、像素化干扰来表达对无限存储的焦虑,将数字的“虚无性”转化为可视的视觉元素。 --- 第三部分:景观的重构——空间、权力与批判性地理学 (约 400 字) 摄影自诞生起就与地理测绘和殖民扩张紧密相连。本部分转向摄影如何参与到对现代城市空间、自然景观以及权力地图的批判性建构中。 重点章节: 1. “反风景”的诞生: 区别于传统的田园牧歌式风景摄影,本章聚焦于后工业景观、污染地带和被遗弃的基础设施。分析了诸如爱德华·伯汀斯基(Edward Burtynsky)式的宏大尺度的“人类世”影像,如何既展现了人类的改造力,又暗示了其最终的衰败。 2. 测绘的政治学: 探讨地图学与摄影图像结合时所暴露的偏见。从早期空中侦察照片的军事用途,到当代无人机(Drone)视角对隐私的侵入,本章批判性地审视了“高处俯瞰”这一视角所隐含的控制欲和疏离感。 3. 建筑的幽灵与时间的叠加: 关注那些记录了建筑历史与社会记忆的摄影项目。探讨如何通过长时间曝光、多次曝光或对废弃空间的深入探索,使历史的“幽灵”在当前的物理空间中显现出来,从而质疑现代主义规划的“永恒性”。 --- 第四部分:叙事的断裂——多重身份与后人类叙事 (约 450 字) 本部分触及当代艺术中最具活力的领域之一:身份政治与超越人类中心的叙事。摄影不再服务于单一的、线性的故事,而是成为碎片化、多重且常常是矛盾的个体经验的载体。 重点章节: 1. “自拍”的升华与陷阱: 本章超越了对自拍的肤浅批判,将其视为一种主动的“自我媒介化”行为。分析艺术家如何利用自拍的程式化语言,解构了主流媒体对“理想身体”的预设,转而探索性别流动性、残障美学和身体政治。 2. 表演性与“做作的真实”: 深入研究那些刻意摆拍、高度介入和舞台化的纪实风格。讨论了摄影师如何成为叙事的一部分,甚至成为虚构情境的共同创作者。这挑战了“客观记录”的最后一丝残余幻想。 3. 非人类的视角与共生: 这是最具前瞻性的章节。研究将镜头转向动物、植物、微生物甚至无生命系统(如算法)的艺术实践。摄影不再仅仅是人类观察自然的工具,它试图模仿或进入其他物种的感知框架,探讨在生态危机下,人类中心主义叙事的瓦解。 4. “无时间”的照片:永恒的回响与即时的碎片: 总结全书的哲学思考。在数码图像爆炸的时代,如何定义一张“重要的”照片?本书认为,当代摄影的价值不在于捕捉时间,而在于其能够将“时间的多个维度——历史的厚度、当下的焦虑和未来的不确定性——压缩进一个静止的画面中,迫使观看者进行结构性的反思”。 --- 结语:图像的伦理与观看的责任 (约 150 字) 《影像的边界》最终导向一个伦理学的追问:当图像的构建权日益去中心化,当现实与虚构的界限被彻底模糊,观看者应承担怎样的批判性责任?本书旨在为专业人士、艺术学者和对当代视觉文化抱有深切关注的读者,提供一个审视、分析和参与“后图像对话”的坚实框架。它不是提供答案,而是提供更锐利的问题,推动我们超越对“好看”的迷恋,直面影像背后的权力结构与存在危机。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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老实说,我是一个对技术细节非常挑剔的人,市面上很多声称“全面”的摄影书籍,往往在后期处理软件的应用上显得力不从心或者说过于敷衍。然而,这本书在数字暗房的部分,简直是为我量身定做的“瑞士军刀”。它没有陷入特定软件版本的操作泥潭,而是着重讲解了色彩管理、曲线调整以及蒙版技术背后的逻辑思维。作者对“数字负片”概念的阐述非常到位,强调了原始数据的可塑性以及对高光和阴影细节的保留。我印象最深的是关于“局部增减反差”的那一节,作者通过一系列精妙的实例,展示了如何用非破坏性的方式,精确地引导观者的视线,而不是简单粗暴地加深阴影或拉高亮度。更赞的是,它还探讨了不同色彩空间(如sRGB到Adobe RGB再到ProPhoto RGB)在打印和网络发布中的转换策略,这对于追求作品一致性的摄影师来说,是极其宝贵的知识。读完这部分内容,我感觉自己对Photoshop和Lightroom的使用效率和深度都有了一个质的飞跃。

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这本书的摄影理论阐述得非常透彻,尤其是在光影捕捉和构图法则方面,简直是教科书级别的存在。作者不仅仅是罗列了各种规则,更是深入挖掘了每一种规则背后的科学原理和美学基础。比如,关于景深控制的那一章,我原以为自己对大光圈和小光圈的理解已经足够深入了,但读完之后才发现,之前很多操作都停留在“感觉对了就行”的层面。书里用清晰的图示和严谨的数学模型,把焦距、光圈值、传感器尺寸三者之间的复杂关系梳理得井井有条,让我彻底明白了为什么在特定场景下,某些镜头组合会产生比想象中更强烈的空间压缩感或背景虚化效果。更让我惊喜的是,它并没有止步于器材的参数讲解,而是巧妙地将这些技术知识融入到了实际的创作案例中。那些案例的选取极其考究,涵盖了从静物特写到宏大风景的各种题材,每一步的曝光决策、白平衡调整的细微差别,都被作者像剥洋葱一样层层剖析,让人有一种茅塞顿开的感觉。这本书的价值就在于,它不仅仅是教你如何“拍出清晰的照片”,更是引导你思考“如何通过技术手段去实现心中的画面”。对于那些渴望从“会按快门”迈向“懂得控制影像”的进阶爱好者来说,这无疑是一剂强效的知识催化剂。

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我必须说,这本书的排版设计和视觉呈现简直是一场视觉盛宴,完全不像我预想中那种干巴巴的技术手册。装帧质感极佳,纸张的选用和印刷的色彩还原度都达到了一个非常高的水准。随便翻开任意一页,都能被那些精美的样片所吸引,它们不仅仅是用来佐证文字内容的“插图”,更像是独立的艺术品存在。特别是在讲解高动态范围(HDR)处理的那几个跨页大图,那种光影过渡的细腻和平滑感,即便是通过印刷品呈现,也依然能感受到原片的震撼力。我常常在咖啡馆里捧着它阅读,不是因为我需要立刻查阅某个技术点,而是那种沉浸式的阅读体验本身就是一种享受。作者在介绍器材保养和存储建议的部分,也展现出一种对摄影师工作流的深切理解,比如关于存储卡的可靠性测试对比、不同光照环境下镜头镀膜特性的观察记录等等,这些都是教科书上鲜少提及,但却关乎实际拍摄成败的关键细节。这本书的实体书,本身就体现了一种对“影像载体”的尊重,值得摄影发烧友们收藏。

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这本书最打动我的是它对“摄影精神”的探讨,这部分内容非常写意,却又充满了力量。它不像很多工具书那样冰冷,而是充满了对观察世界的热情和对瞬间的敬畏。作者在穿插的随笔或访谈片段中,反复强调了“等待”和“理解”的重要性。他描述了自己为了捕捉一个完美瞬间,如何在恶劣天气中坚守数小时的经历,以及这种等待如何加深了他与拍摄对象之间的情感联结。这种对创作心境的描摹,极大地触动了那些在追求技术之余感到迷茫的创作者。它提醒我们,器材和技术是工具,而真正的核心,是你如何去看待这个世界,你想要通过镜头传达什么样的情绪和故事。它将严肃的摄影技艺提升到了哲学思辨的高度,让我在翻阅技术章节时,也能时常停下来进行反思。这本书不仅能提升我的技术水平,更能滋养我的艺术灵魂,让我在面对空旷的取景框时,不再只有技术上的选择,更有情感上的冲动。

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这本书的章节结构安排堪称一绝,它采用了螺旋上升的学习路径,而不是线性的堆砌知识点。我一开始担心自己基础不牢,但发现它巧妙地在介绍完基础的曝光三角后,立刻就引入了如何利用这些基础去模拟胶片时代的视觉效果,这种“知其然,亦知其所以然”的教学方式,极大地提高了我的学习兴趣和记忆持久性。比如,当它介绍完闪光灯离机布光的基础原理后,紧接着就用一个复杂的棚拍人像案例来印证,而且在案例分析中,作者还主动暴露了自己犯下的错误以及如何通过修正来达到理想效果。这种坦诚的态度,让人倍感亲切,也更容易接受。全书的语言风格在严谨和幽默之间拿捏得恰到好处,没有那种高高在上的说教感,更像是一位经验丰富的导师在旁边手把手指导。我个人尤其喜欢它在最后几章对“专题摄影”的深入解析,那部分内容帮助我开始构建自己的长期摄影项目思路,极大地拓宽了我对“摄影作品集”的认知边界。

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