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出版者:

作者:徐书城

出品人:

页数:208

译者:

出版时间:1991-10-1

价格:9.80

装帧:平装(无盘)

isbn号码:9787506008686

丛书系列:

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《浮生绘卷：光影下的东方神韵》 这不仅仅是一本关于绘画的书，更是一场穿越时空的视觉盛宴，一次对东方古典美学深沉的凝望。在《浮生绘卷》中，我们不探讨技法，不剖析构图，而是将焦点置于那流转于宣纸与丝绸之上的生命气息，那融汇于丹青水墨之间的东方精神。 翻开此书，您将跟随一位经验丰富的鉴赏家，潜入古代画家的精神世界。我们不聚焦于某位大师的生平，也不纠缠于某幅名作的创作年代。相反，我们以一种更贴近心灵的方式，感受那些穿越千年，依然能够触动我们灵魂的笔触。想象一下，当宋徽宗笔下的瘦金体勾勒出花鸟的灵动，那不仅仅是字，更是他内心对自然精致生命的赞叹；当元代文人画家的墨竹，在纸上疏影横斜，那便是他们遗世独立，心有山林的情怀。 本书将带您一同品味“意境”二字在东方绘画中的精髓。何谓“计白当黑”，为何留白处最显功力？我们将通过对山水画中云雾缭绕的朦胧美，花鸟画中含苞待放的生动姿，以及人物画中寥寥数笔勾勒出的神韵，来体悟东方艺术家如何在有限的画布上，创造出无限的想象空间。我们不是在讲解“如何画”，而是在感受“为何要这样画”，以及“画中传达了怎样的情感与哲学”。 我们还会深入探讨东方绘画中独特的“气韵生动”理论。不同于西方写实的精准，东方绘画更注重捕捉事物内在的生命力与精神气质。一幅画，并非仅仅是形体的复制，而是画家心绪、情感与哲学思考的载体。我们将通过对不同时期、不同风格作品的精选解读，让您体会到唐代仕女画的雍容华贵，宋代山水画的幽远深邃，元代文人画的清逸洒脱，明清时期市民绘画的鲜活热闹，这些不同时代、不同阶层的人物与情感，如何在笔墨间得以生动地再现。 《浮生绘卷》也包含了一部分对色彩使用的独特见解。在西方绘画中，色彩往往是塑造立体感和情绪的重要工具，而在东方绘画中，色彩的运用则更为内敛与象征。我们探讨为何青绿山水能营造出仙境般的缥缈，为何设色花鸟能传递出吉祥与喜悦，又为何水墨丹青更能表达文人的高洁与孤寂。您会发现，东方的色彩，不仅仅是视觉上的享受，更是心灵的低语，是情绪的隐喻。 本书的每一章节，都仿佛是一次与古老灵魂的对话。我们将引领您进入一个没有繁复技法讲解的纯粹审美空间。您可以选择一幅钟情的画作，静静地凝视，让自己的思绪随着笔墨的起伏而流淌。我们相信，真正的美，不在于技巧的炫耀，而在于它能否唤醒观者内心深处的情感共鸣。 《浮生绘卷》适合所有对东方文化、古典艺术抱有好奇与热爱的读者。无论您是否是绘画爱好者，都能在这本书中找到属于自己的那份宁静与启迪。它是一扇窗，让您得以窥见东方艺术的深邃宇宙；它是一面镜，映照出我们内心深处对美的渴望与追求。让我们一起，在这光影流转的浮生绘卷中，寻觅那份穿越时空的东方神韵。

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最近的生活节奏实在太快了，每天都在被各种信息轰炸，内心渴望一种能够慢下来、沉淀下来的体验。《绘画美学》这本书，从名字上就给了我这种感觉。我设想这本书会是一场宁静的对话，作者用温柔而有力的笔触，引导我重新审视身边那些被我们忽略的美好。我希望书中能探讨那些关于“意境”的营造，东方绘画中的留白之美，如何在画面中传递出一种“此时无声胜有声”的韵味？又或者，西方绘画中的光影运用，是如何塑造出人物的灵魂和场景的氛围？我尤其希望能了解不同绘画流派在美学追求上的差异，印象派的光影捕捉，现实主义的细致描绘，还是抽象派的情感宣泄，它们各自的美学逻辑是什么？这本书如果能让我从一个被动的观赏者，转变为一个主动的品鉴者，理解到绘画不仅仅是技巧的展现，更是一种精神的表达，那我将感到非常满足。

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我是一名对艺术史略有了解的爱好者，对那些抽象的美学概念一直有些模糊不清。《绘画美学》这本书，我希望它能成为我的“启蒙导师”，帮助我理清那些杂乱的思路。我希望书中能够清晰地梳理出绘画美学发展的脉络，从古希腊的比例到文艺复兴的透视，再到现代艺术的颠覆，不同时期、不同流派的美学追求有哪些共性与差异？我特别希望能深入了解“形式美”和“内容美”在绘画中的关系，它们是如何相互作用，共同构筑起一幅完整的艺术作品的？书中是否会分析一些具体的绘画元素，例如线条、色彩、构图、空间等，在美学上的作用和意义？我希望这本书能够提供一种系统性的框架，让我能够站在一个更高的维度去理解绘画，而不仅仅是停留在感性的欣赏层面。

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这本书的封面就带着一种宁静而深邃的气息，米白色的底色上，几笔淡墨勾勒出的山水意境，让人还没翻开书页，就仿佛置身于一个悠远的艺术世界。拿到《绘画美学》的时候，我正好在为自己的艺术创作寻找新的灵感。最近一直感到瓶颈，对那些技巧性的东西研究得越多，反而越觉得少了些什么，那种触及灵魂的感动，那种对美学的真正理解。我期待这本书能带我走出这种困境，不是教我如何下笔，而是告诉我，什么样的画面能够打动人心，什么样的色彩组合能唤醒情感，什么样的构图能传递出思想。我尤其对书中可能涉及的西方古典绘画与东方写意山水在美学上的异同很感兴趣，它们各自是如何定义“美”的？又是如何通过不同的媒材和技法来呈现这种美的？我希望书中能有对大师作品的深入剖析，不仅仅是表面的技巧，而是深入到创作背后的哲学思考和情感表达，让我能够站在巨人的肩膀上，去理解那些穿越时空的艺术魅力。

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我最近在学习一些基础的绘画技巧，但总觉得少了点“灵魂”的东西。我希望《绘画美学》这本书，能够填补我在这方面的空白。我期待书中能够深入剖析那些伟大的绘画作品，不仅仅是它们的技法，更是它们背后所传达的美学思想。比如，伦勃朗的光影运用，如何赋予了人物深沉的生命力？莫奈的色彩表达，如何捕捉到了瞬间的光影变幻？我想了解，究竟是什么样的美学原则，让这些作品流传千古，并依然能打动我们。我更希望书中能够探讨一些关于“和谐”与“冲突”在绘画中的运用，如何在画面中创造出视觉的张力，又如何让整个画面达到一种统一的美感？如果书中能够结合一些哲学、文学、音乐等其他艺术形式来阐述绘画美学，那一定会带来更广阔的视野和更深刻的理解。

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作为一个对艺术充满好奇，但又自认非专业人士的读者，我翻开《绘画美学》时，更多的是带着一种探索未知的兴奋。我希望这本书能像一位经验丰富的向导，带领我穿越艺术史的迷宫，不至于让我迷失在各种理论和术语中。我更期待的是一种娓娓道来的叙述，将那些看似高深的绘画美学原理，用生动有趣、易于理解的方式呈现出来。比如，关于色彩心理学的运用，书中是否会解释为什么某些颜色会让人感到愉悦，而另一些颜色则会引发压抑？又或者，在构图方面，书中是否会揭示那些经典画作为何能够产生如此强的视觉冲击力，是黄金分割的神秘力量，还是大师们对平衡与节奏的独到把握？我希望这本书能教会我如何“看懂”一幅画，不仅仅是欣赏它的表面之美，更能体会到其中蕴含的作者情感、时代背景以及对生命和自然的感悟。如果书中能配上精美的插图，并且对这些插图进行详细的讲解，那将是极大的福音。

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