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出版者:上海古籍出版社

作者:胡奇光

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1995年

价格:7.40元

装帧:

isbn号码:9787532517169

丛书系列:

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《锦绣中华：探寻传统工艺的千年流光》 书籍简介 《锦绣中华：探寻传统工艺的千年流光》是一部深度聚焦于中华民族传统手工艺的百科全书式著作。本书以宏大的历史视野和细腻的田野调查视角，系统梳理了自新石器时代直至近现代，中国各地涌现出的，那些凝聚着匠人智慧与时代精神的精湛技艺。它不仅仅是一本技艺图录，更是一部关于“物”与“人”、“技”与“道”之间深刻互动的文化史诗。 本书的结构精心设计，旨在带领读者进行一场跨越地域与时间的工艺之旅。全书分为“大地之基”、“匠心之火”、“流光溢彩”、“问道传承”四大核心板块，每一板块下细分为多个单元，深入剖析了不同门类工艺的起源、演变、核心技术以及其背后的文化意蕴。 第一部分：大地之基——源于土地的材质与初始技艺 本部分着重探讨那些与自然环境息息相关，并构成中华工艺体系基石的原始材料与基础技术。我们首先深入探讨陶与瓷的演进历程，从仰韶彩陶的古朴到宋代五大名窑的温润内敛，再到景德镇青花瓷的辉煌巅峰，详细解析了从泥土选择、拉坯成型、釉料配制到烧制过程中的每一个关键科学原理和美学考量。书中收录了大量关于不同地域陶土化学成分分析的资料，并结合考古发现，重构了古代窑炉的结构与温度控制技术。 接着，本书将目光投向木作与竹编。对于木作，我们不仅研究了宫殿庙宇的宏伟结构，更细致地描摹了苏式榫卯的精妙绝伦，以及徽派木雕的繁复层次感。书中配有大量依照古代木工图样复原的三维结构图解，清晰展示了“不用一钉一铆”的力学智慧。在竹编部分，重点介绍了湘西竹编、闽南竹席等地域特色，剖析了竹材的预处理工艺（如蒸煮、防蛀）以及不同经纬密度对织物质感的决定性影响。 此外，本章还收录了关于矿石冶炼与金工的专题研究，尤其关注了早期青铜器的铸造技术（如失蜡法），以及玉石雕琢中钻孔、打磨工具的进步史，揭示了古代劳动者对材料特性的深刻理解与利用。 第二部分：匠心之火——针线之下的编织与纺染世界 这一板块是本书的重点之一，聚焦于与人体和生活最贴近的纺织与印染技艺。我们首先探究了丝绸的奥秘，从蚕的饲养、缫丝抽茧的精细操作，到提花机（如明代的花楼机）的复杂机械原理。书中详尽对比了蜀锦、宋锦、云锦的组织结构差异，特别是南京云锦所依赖的多层多色技术，并邀请了当代织锦大师，复盘了古代织工们如何实现如此高的工艺密度和色彩饱和度。 在染色方面，本书花费大量篇幅介绍了天然染料的提取与应用。从蓝草中提取靛蓝的“蓝靛坊”工艺，到苏木、茜草、五倍子等植物染料的固色技术，书中提供了详细的配方比例和操作步骤复原，并探讨了不同水质、温度对最终色泽的影响。例如，对中国传统扎染、蜡染（如白族段氏蜡染）的色彩固化原理进行了科学分析。 此外，本书还涵盖了精细的针绣艺术，涵盖了苏绣的“平、齐、光、洁、薄、润、雅、致”的审美标准，湘绣的绒绣特点，以及少数民族如苗绣中繁复的盘金绣、堆绣技法，展示了刺绣如何成为一种讲述家族历史、承载精神信仰的媒介。 第三部分：流光溢彩——装饰艺术的精妙与博弈 此部分探索了那些以装饰性为核心，并极大地丰富了生活美学的工艺门类。 漆器工艺是本章的亮点。我们追溯了商周髹漆的起源，重点剖析了唐宋元明清时期戗金、描金、螺钿镶嵌、剔红等高难度装饰技法的技术发展。书中对剔红工艺的“层层堆叠，刀刀见功力”进行了结构剖析，展示了完成一件大型剔红器皿所需的时间跨度和工艺流程的极端复杂性。同时，本书也探讨了漆器在不同地域的审美偏向，如福州脱胎漆器的轻盈与北京金漆镶嵌的华丽对比。 在珐琅与金属錾刻领域，本书对比了景泰蓝（掐丝珐琅）和画珐琅在烧制温度和色彩稳定性的差异。对于金属工艺，则深入研究了古代金银器的捶揲、鏨花、镂空技术，并特别记录了少数民族银饰（如云南大理白族银饰）中，通过錾刻和烧蓝工艺表现出的自然主义纹饰。 第四部分：问道传承——技艺的非物质性与当代困境 本书的最后一部分，从宏观角度反思了传统工艺的传承问题。它不再侧重于“如何做”，而是探讨“为何传”与“如何续”。我们考察了纸扎、皮影、年画等具有浓厚地域性和季节性的民间艺术，分析了它们在工业化和城镇化进程中所面临的生存挑战。 书中特别设置了“口述历史”章节，收录了多位老一辈匠人的访谈记录，记录了他们学习技艺的艰辛过程、师徒之间的约定与规矩，以及他们对于“匠人精神”的独特理解。这些访谈不仅是对技艺流程的补充说明，更是对一种生活方式和价值体系的珍贵记录。 最后，本书探讨了当代社会对传统工艺的“活化”尝试，分析了如何在新材料、新设计理念的介入下，使这些千年技艺在新时代焕发新的生命力，实现从“物”到“艺术品”的再提升。 《锦绣中华：探寻传统工艺的千年流光》旨在为非专业读者提供一个全面、深入的了解中国手工艺的窗口，同时也为研究者提供扎实的史料基础和技术参考。它是一部向无数默默无闻的匠人致敬的厚重之作，展现了中华民族在物质文明与精神文明交汇处所铸就的独特光芒。

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这部《对联艺术》的书籍，简直是文人墨客的案头至宝！我特地挑了一个周末，泡上一壶上好的碧螺春，才敢翻开这充满古韵的篇章。它不仅仅是一本教你如何写对联的工具书，更像是一扇通往中国传统文化深处的雅致小窗。开篇的章节，对“对仗”这一核心概念的阐释，可谓是深入浅出，将平仄、词性、结构等看似枯燥的规则，用生动的古代典故和趣味横生的例子串联起来，让人读来毫无晦涩之感。我尤其欣赏作者在讲解格律时所展现出的那种匠心独运——他并没有生硬地罗列规则，而是通过对比不同朝代对联风格的演变，展现了文字游戏背后的文化张力。比如，书中对唐宋时期名家名作的赏析，那种对仗工整、意境深远的文字功力，读完后让人不禁放下书卷，对着眼前的一草一木都想找个工整的词句来描摹。书中关于“立意”的论述更是精彩，高明的对联，绝非词藻的堆砌，而是思想的凝练。这本书，着实让我对“言简意赅”有了更深层次的理解，它引导我去思考，如何在有限的字数内，爆发出无限的意境和哲理。

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我通常对这类强调“技巧”的书籍敬而远之，总觉得它们会把美好的艺术搞得像数学公式一样刻板。但《对联艺术》这本书，却成功地打破了我的偏见。它没有急于教你如何凑齐一副对仗工整的句子，而是先用了很大篇幅来“破题”，探讨对联这种文体在中国文学史上的独特地位和它所承载的文化使命。作者的文笔非常老辣，行文间有一种不动声色的大家气度。他将对联比作语言的“双簧”，强调了其在声音、意义、结构上的三重平衡，这种比喻极其形象生动。书中关于“化用”与“创新”的讨论尤其发人深省，它鼓励读者在继承传统的同时，要敢于结合当下的时代背景进行创作，而不是做古人的拙劣模仿者。我翻阅到关于近现代名人所作对联的部分，发现其中有不少辛辣而又充满智慧的讽刺，显示了对联艺术在批判性表达上的巨大潜力。这本书的结构安排极其合理，从理论基石到实践技巧，再到艺术升华，层次分明，逻辑严密，真正做到了引人入胜。

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为了更好地理解书中的内容，我特意按照书中的建议，买了一本空白的“对联练习册”，准备跟着《对联艺术》的教程进行实战演练。这本书对“词性对应”的讲解，可以说是到了“吹毛求疵”的地步，每一个名词、动词、形容词的细微差别都被作者拿出来反复推敲，这让我这个文学功底不算扎实的人，第一次真正明白了为什么有些对联看起来对仗了，读起来却总觉得别扭。作者用大量的对比案例说明了“同类相对”的重要性，比如“山”对“水”，“花”对“月”，但更进一步，他展示了如何将抽象的概念（如“春风”）与具象的事物（如“老树”）进行巧妙的对仗，这需要极高的文学敏感度。书中有一个章节专门分析了对联中“数字”的使用，如何用“一”对“十”，如何用“三”对“五”，这些看似简单的数字游戏背后，蕴含着深厚的文化密码和哲学思想，让我大开眼界。这本书不仅仅是教授技法，更是在重塑读者的语感。

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这本书的价值，或许在于它唤醒了沉睡在我血液里对“对称美学”的原始渴望。我一直觉得，我们现代的语言表达常常过于松散和直白，缺乏一种内在的韵律感和结构美。《对联艺术》正好提供了一种对抗这种松散的良方。阅读过程中，我常常会停下来，仔细体会作者是如何在有限的空间里“雕琢”文字的。特别是关于“意境相连”的论述，更是让我感到震撼。一副好的对联，上下联之间应该像太极图一样，相互依存，缺一不可，而非简单的两句话并列。书中对“流水对”和“流水不着痕迹”的描绘，简直是文学上的最高境界的体现。我发现，学习对联的过程，其实是一个不断提炼自己思想、锤炼自己表达能力的过程，它强迫你必须把模糊的感受，转化为精确的词语。读完后，我对我们传统节日中的楹联、匾额，乃至日常生活中见到的广告语，都会不由自主地进行一番“品鉴”和“对仗”的审视，这本书已经悄然改变了我观察世界的方式，让我看到了隐藏在日常语言背后的秩序与和谐。

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拿到这本书的时候，我其实是抱着一种略带怀疑的态度，毕竟市面上关于传统文化、书法、诗词的书籍浩如烟海，真正能让人眼前一亮的实在不多。然而，《对联艺术》却给了我一个大大的惊喜。它最大的优点在于其“实用性”与“审美性”的完美结合。后半部分的内容，简直可以称得上是一部精美的“对联范例集锦”，但它绝非简单的收录，而是融入了作者深厚的点评和考据。那些关于民间春联、寿联、挽联的收集，展现了对联艺术如何渗透到普通百姓生活的方方面面，充满了人间烟火气，却又处处暗合古老的文学规范。我注意到书中对某些著名对联的“出处考证”做得极为细致，这对于我们这些喜欢刨根问底的读者来说，无疑是极大的福音。而且，作者在论述“意境”时，多次引用禅宗公案和道家思想，使得对联的境界从世俗的夸赞提升到了哲学的思辨层面，读后让人心神宁静，对人生的许多困惑似乎都有了新的理解角度。这本书的装帧设计也很有品味，纸张的质感让人爱不释手，阅读体验非常舒适，让人愿意反复摩挲。

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