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出版者:北京美术摄影出版社

作者:李德君

出品人:

页数:45

译者:

出版时间:2005-4

价格:15.00元

装帧:

isbn号码:9787805013107

丛书系列:

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• 绘画技法
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《国画山水意境探微：从写意到写实的水墨融合之路》 作者： 萧云鹤 出版社： 翰墨轩文化出版 装帧： 精装，含高清彩图与技法解析图 定价： 380.00 元 --- 内容概要 《国画山水意境探微：从写意到写实的水墨融合之路》并非一部关注特定物象（如花鸟、走兽）的技法专著，而是一部深入探讨中国传统山水画核心——“意境”的理论与实践结合的深度研究性画册。本书旨在为中国画学习者、研究者以及所有热爱传统艺术的读者，提供一套系统梳理自唐宋至近现代山水画发展脉络，并着重剖析如何在当代语境下构建和表达“意境”的理论框架与实践路径。 全书共分六大部分，近四十万字，辅以数百幅历代名家真迹高清图例及作者的独到解析。 --- 第一部分：山水之源——意境的哲学基础与历史演变 (约 8 万字) 本部分深入剖析中国山水画之所以成为“画科之首”的文化基因。 1.1 气韵生动与道家哲学： 探讨“气”与“韵”在山水画中的本体论地位，追溯《老子》、《庄子》对山水“自然无为”审美观的奠基作用。重点分析了谢赫“六法”中“气韵生动”在山水画中的具体体现，区别于花鸟画中对生命力的捕捉。 1.2 唐宋格局的奠定： 详细梳理了李思训的“青绿山水”如何奠定空间叙事的基础，以及荆浩、关仝、董源等“北派”与“南派”对“气势”与“温润”的不同侧重。特别引入了宋代范宽的“高远”、郭熙的“平远”、李唐的“深远”三种视点，阐释其如何构建多层次的观者体验。 1.3 元四家的精神回归： 深入解析“元四家”（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）如何将山水画从“描摹自然”转向“抒发胸臆”。本书详尽比对四家在笔墨语言上的差异，强调倪瓒的“逸笔草草，不求形似”如何成为后世文人画的审美制高点。 --- 第二部分：笔墨语言的结构性分析——点、线、面的交响 (约 10 万字) 本章聚焦于构成山水画的物质基础——笔墨技法，但重点不在于“如何用笔”，而在于“笔墨如何承载意境”。 2.1 皴法的功能性分类与意境表达： 系统梳理披麻皴、斧劈皴、荷叶皴、解索皴等主流皴法的地域性与情感倾向。例如，分析披麻皴在表现江南水汽氤氲的柔性意境，与斧劈皴在塑造北方山体雄强气势之间的关系。书中配有大量微观细节图，解析墨色的浓淡干湿如何决定皴法的“筋骨”。 2.2 墨分五色的层次构建： 探讨焦、浓、重、淡、清五色墨在山水画中营造空间层次的关键作用。着重分析“墨晕”在表现雾霭、云烟、水汽等“无形之物”中的技法实现，并提出“以墨代色”的原则在水墨山水中如何实现色彩的心理暗示。 2.3 计白当黑：留白的空间哲学： 区别于其他画科的留白，《山水意境探微》强调山水画中留白（虚处）是对“空灵”与“无限可能”的哲学表达。通过分析夏圭、马远“一角半边”的构图，阐释“边框”之外的无限空间如何被观者想象力所填充，形成“可游、可居、可赏”的意境。 --- 第三部分：意境的构建——取景、构图与情景交融 (约 9 万字) 此部分是全书的核心，探讨画家如何将主观情感注入客观景物，完成意境的“转译”过程。 3.1 卧游与移步换景的构图法则： 详细解析中国山水画的“三远法”并非简单的透视学，而是一种心理导向的观画路径。分析如何通过高远表现崇高，通过平远营造开阔，通过深远引导视线深入“画中山水”的内部结构。书中通过大量的分镜图解，演示如何引导观众的视线在画幅内完成一次“登山之旅”。 3.2 题跋、印章与意境的互文性： 探讨文字（诗词、题跋）与图像在共同构建叙事的重要性。分析清代王时敏等在“四王”体系中如何通过对前人笔墨的“集古”来表达对古典意境的追慕与继承。探讨印章作为构图的一部分，如何起到视觉平衡和意境点睛的作用。 3.3 时代精神与意境的当代转向： 考察近现代画家如黄宾虹的“黑密厚重”如何从传统笔墨中提炼出新的时代焦虑与浑厚感，以及张大千的泼墨泼彩在打破传统空间限制后，如何探索现代主义语境下的“自然精神”。 --- 第四部分：从写意到写实——水墨融合的探索 (约 8 万字) 本章旨在探讨传统水墨技法在处理写实性题材时的表现力，以及如何避免陷入纯粹的写生记录。 4.1 写生基础的“内化”： 强调深入自然写生是获取笔墨语言“真性情”的必要步骤，但写生必须服务于“意”。分析如何将写生中的光影、肌理，转化为中国画的笔墨语言，而非简单地用墨水复制自然照片。 4.2 笔墨的弹性与对复杂光影的处理： 探讨在处理如雪景、晨曦、夕照等需要复杂光影氛围的题材时，如何运用破墨、积墨等技法，在不依赖传统设色（青绿、浅绛）的前提下，营造出丰富且具温度感的画面。 4.3 线条在写实山水中的角色转变： 在工笔山水或界画中，线条承担了结构的主要责任。本节分析线条如何在保持文人画“骨力”的同时，准确描绘岩石、树木的结构，实现形式美与内在生命力的统一。 --- 第五部分：案头创作与实践方法论 (约 5 万字) 提供一套可操作的创作练习流程。 5.1 循序渐进的“点线面”练习法： 提供针对性的笔墨操练，如专项练习特定角度的云海画法、如何在一张画中自然过渡不同浓度的墨色等。 5.2 “意在笔先”的构思流程： 强调在动笔前，画家应如何通过冥想、速写确定画面的情感基调（是“雄壮”还是“幽静”），并以此指导后续的笔墨选择。 5.3 经典母题的个性化重构： 以“瀑布”、“寒江独钓”、“云雾缭绕的山峰”等经典山水母题为例，展示不同画家如何通过调整笔墨和构图，赋予同一题材截然不同的“意境”。 --- 总结：山水画的当代使命 (约 1 万字) 在信息爆炸、视觉快餐化的时代，山水画所蕴含的“慢观”、“内省”与“天人合一”的精神，比以往任何时候都更具价值。本书倡导的不是复古，而是在继承传统“意境”表达精髓的基础上，以当代人的视角和技法，继续探索人与自然和谐共处的审美理想。 --- 推荐人群： 钻研中国山水画多年，渴望突破瓶颈、深入理解“意境”内涵的进阶学习者。 艺术史专业学生及研究者，需要系统梳理中国山水画理论脉络的学者。 对东方哲学和传统美学有浓厚兴趣，希望通过视觉艺术了解中国文化深层精神的爱好者。 本书特点： 理论深度远超技法罗列： 将山水画置于中国哲学、美学史的宏大背景下考察。 图例解析细致入微： 选取历代最具代表性的作品，结合现代审美视角进行深度剖析。 注重“心法”阐述： 强调艺术家的主观能动性与创作心境对最终意境的决定性影响。

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这本书的结构安排简直是教科书级别的严谨与巧妙。它并非按照“先画头、再画身、后画脚”这种线性顺序展开，而是根据鸡的不同生命阶段和姿态进行了系统性的分类教学。比如，“雄鸡的威武姿态”、“母鸡的慈爱哺育”、“幼鸡的懵懂探索”，每一个主题都被视为一个独立的研究课题。我特别喜欢其中关于“动态捕捉”的部分，作者提供了一系列高清晰度的照片作为参考，并详细解析了在不同运动瞬间，鸡的身体结构是如何发生微妙变化的，以及画家应该如何取舍、夸张或简化这些动态元素。这对于我这种希望画出“活的”动物而非“标本”的爱好者来说，是至关重要的。而且，书中对材料的选择也有独到的见解，比如针对不同产地的宣纸如何影响墨色的晕染效果，这种对载体材质的关注，体现了作者对创作媒介的深刻理解，让人感觉不仅仅是在学画，更是在学习一门综合的艺术语言。

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哇，刚翻开这本《李德君画鸡技法》没多久，就被作者那种对笔触的掌控力和对画面意境的营造深深吸引住了。这本书的排版设计非常讲究，每一页的留白都恰到好处，让人在学习技法的同时，也能感受到一种宁静致远的东方美学。最让我惊喜的是，它不仅仅是简单地罗列步骤，而是深入探讨了如何捕捉鸡这种动物的神韵。比如，书中对“眼神”的处理，作者强调了通过眼部的细微变化来传达鸡的傲气或者警觉，这完全超出了我之前对绘画教程的想象。我记得有一章专门讲了如何用墨的浓淡干湿来表现鸡冠的不同质感，从湿润的胶质感，到干燥的绒毛感，每一种都讲解得细致入微，配图也极其精准，简直就是一本行走的“墨法宝典”。我试着按照书里的方法去画了一只斗鸡，虽然技巧上还远远不及作者，但那种神采飞扬的感觉已经初见端倪，这让我对接下来的学习充满了信心。这本书的价值，真的在于它提供了一种从“技”到“道”的思考路径，让人明白，画鸡的精髓，在于理解生命的动态美，而不仅仅是模仿外形。

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如果用一个词来形容这本书给我的感受，那就是“通透”。它把一个看似简单的绘画主题——画鸡，剖析得如此细致而又层次分明，让人佩服。我尤其欣赏它在“色彩运用”上的讲解，即便是以水墨为主的画作，也对赭石、花青等矿物颜料的少量点缀运用得炉火纯青。作者用非常直白的语言解释了这些颜色在不同光照条件下，如何为画面增添立体感和生气。比如，书中特别提到，在画鸡爪的鳞片时，用极淡的藤黄轻轻扫过，就能模拟出阳光照射下的反光效果，这个技巧极其精妙，而且极易上手。对于初学者来说，它提供了坚实的技术地基；对于有一定基础的人来说，它提供了突破瓶颈的灵感源泉。这本书的知识密度非常高，我感觉自己不是在读一本关于“画鸡”的书，而是在学习一套系统、完整、充满东方智慧的视觉表达体系，非常值得反复研读。

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我一直认为，好的艺术书籍不应该只停留在技法层面，更应该提供一种看待世界的独特视角。《李德君画鸡技法》在这方面做得非常出色。它不仅仅是一本教你如何用笔墨去描绘公鸡的场景，它更像是带我们走进了李德君先生的内心世界。书中穿插的那些关于“气韵生动”的哲学思辨，以及如何从中国传统文化中汲取灵感，例如将鸡的形象与梅兰竹菊的君子精神进行关联，这些深层次的解读极大地拓宽了我的艺术视野。我记得有一段论述，提到画鸡需要对“时令”有敏锐的感知，比如春日破晓的鸡鸣和秋日黄昏的归巢，其神态是截然不同的。这种将自然节律融入绘画的理念，让我对传统绘画的“天人合一”观有了更直观的认识。这本书更像是一次心灵的洗礼，让我学会用更具人文关怀的眼光去观察身边的普通事物。

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说实话，我是一个对传统国画接触不多的人，一开始对“技法”这种字眼有些望而却步，总觉得会是枯燥的理论和重复的练习。但是《李德君画鸡技法》完全颠覆了我的认知。这本书的叙事方式非常生动活泼，更像是一位经验丰富的前辈在旁边耳提面命，而不是冰冷的教材。我特别欣赏它对“写意”与“写实”之间平衡的探讨。作者没有一味地追求栩栩如生，而是巧妙地融入了个人的情感和理解。比如，书中有一段分析李先生如何用几笔极其简练的线条勾勒出小鸡绒毛的蓬松感，那种“少即是多”的智慧，让人醍醐灌顶。更让人印象深刻的是，作者在讲述过程中，穿插了许多关于李德君先生早年学艺的心路历程和对自然观察的感悟，这些“花边”内容非但没有拖沓，反而让技术讲解变得有血有肉，极富感染力。读完后，我不再仅仅是想“怎么画”，而是开始思考“为什么要这样画”，这才是真正有深度的艺术启蒙。

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