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出版者:上海音乐出版社

作者:吴令仪

出品人:

页数:85

译者:

出版时间:2002-6

价格:30.00元

装帧:平装（带盘）

isbn号码:9787805539423

丛书系列:上音国内版钢琴基础练习曲

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好的，这是一份关于其他钢琴教材的详细介绍，旨在与《拜厄钢琴基础教程》的特点形成对比，但内容本身不涉及《拜厄》的具体内容。 --- 《哈农钢琴练指法》：手指的“健身房”与技术基石的构建 如果你正在寻找一本专注于纯粹技巧训练，旨在为钢琴演奏者打下坚实技术基础的教材，那么莱西·哈农（Charles-Louis Hanon）的《钢琴练指法》（Le Pianiste Virtuose）无疑是绕不开的经典之作。这本书的出版历史悠久，从问世之初就确立了其在钢琴教育领域中作为“手指健身房”的地位。 《哈农练指法》的核心理念在于通过系统化、重复性的练习，来发展手指的独立性、均匀性、力量以及灵活性。它并非一本教授乐理或曲目的教材，而是一套纯粹的、为提高演奏技巧而设计的技术练习手册。 结构与内容深度解析 《哈农》全书共包含六十条练习曲，每一条练习曲都聚焦于特定的技术难点或手指组合。这些练习曲看似简单，但其背后蕴含着对钢琴演奏者基本功的严苛要求。 第一部分：基础的锤炼（练习曲 1-20） 前二十条练习曲构成了整个体系的基石。它们主要关注的是： 1. 手指的独立性（Independence）： 强调每一个手指，特别是相对较弱的无名指和小指，能够以与其他手指相同甚至更强的力度独立运动。这部分练习通常要求以恒定的、均匀的速度演奏，任何一个手指的滞后都会立刻暴露出来。 2. 手指的均匀性（Evenness）： 钢琴演奏的优美之处很大程度上依赖于音符之间时值的精准控制和音量的平衡。哈农的练习要求在极高的速度下，依然能保持每个音符的清晰度和力度一致性，避免“黑白不分”的现象。 3. 手腕与手臂的放松： 尽管练习主要集中在手指上，但哈农明确指出，所有练习都必须在手臂和手腕完全放松的状态下进行。僵硬的手指往往是紧张手臂的直接后果，因此，这些练习也间接训练了演奏者如何保持身体的松弛。 第二部分：跨越与交替的挑战（练习曲 21-40） 随着练习的深入，难度逐渐提升，开始引入更复杂的指法运动和跨度： 1. 十六分音符跑动的精确性： 这部分开始大量使用快速的十六分音符琶音和音阶型跑动，要求手掌肌肉能够迅速适应大范围的位移，同时保持手指触键的准确性。 2. 琶音与和弦分解的预演： 许多练习曲的指型结构，实质上是快速琶音或分解和弦在固定指位上的重复练习。它们为日后学习肖邦练习曲或李斯特作品中出现的大幅度琶音储备了必要的肌肉记忆。 3. 双手的协调与对比： 在这部分，双手开始进行更为复杂的对位和交织运动，要求双手能够同时处理不同的节奏型或力度对比，这对于培养“分心”的演奏能力至关重要。 第三部分：技巧的升华与应用（练习曲 41-60） 最后一部分的练习被设计为更具“炫技”色彩，它们是将基础技术推向专业水准的关键： 1. 八度与和弦的强化： 包含大量八度和弦的快速重复练习，这不仅锻炼了手指的跨度，更重要的是训练了腕部和前臂在快速、有力的击键中如何瞬间放松以避免疲劳和痉挛。 2. 颤音与装饰音的准备： 部分练习侧重于手指快速的交替运动，这直接为日后演奏巴洛克或古典时期乐曲中复杂的颤音和装饰音型打下了坚实的基础。 3. 速度极限的探索： 最终目标是突破个人速度的限制。哈农强调，练习的最终目的是能够在不同的速度范围内——从慢速的精确控制到极速的爆发力——都能保持技术水准的稳定。 学习方法的关键洞察 与许多注重“演奏”的教材不同，《哈农》强调的是“慢练精到，循序渐进”。 节拍器的绝对权威性： 练习时，节拍器是唯一的标准。演奏者必须以固定的、精确的速度（例如每分钟六十个四分音符）开始，严格遵守节拍器的每一次滴答。 “弹出”而非“按压”： 正确的技术要求手指如同小锤子一样，有力地、快速地“弹”起键盘，而不是沉重地“压”下去。这种触键方式对于获得清晰的音色至关重要。 指尖的集中与圆润： 练习时要求用指尖最坚硬的部分触键，保证音色集中、颗粒感强。 对演奏风格的影响 虽然《哈农》本身不包含任何音乐性表达，但它被认为是所有致力于达到高难度演奏水平的钢琴家（无论其主修的风格是古典、浪漫还是近现代）都必须经历的“铁匠铺”。它确保了演奏者在面对任何复杂乐谱时，身体的反应都能建立在坚如磐石的技术基础之上，从而使得演奏者的注意力可以完全集中于音乐的诠释与情感的表达，而非为手指的运作而分心。掌握了《哈农》所要求的技术精准度，意味着演奏者在技术上获得了“自由”。 --- 《巴斯蒂安钢琴教程》（Bastien Piano Basics）：从零开始的全面音乐启蒙 对于初学者，尤其是儿童和渴望系统入门的成人学习者来说，如果需要一套涵盖乐理、读谱、演奏技巧和音乐素养的综合性教材，那么《巴斯蒂安钢琴教程》（Bastien Piano Basics）系列提供了一种截然不同的、结构化的学习路径。 《巴斯蒂安教程》的设计哲学是“整体性教学”，即在学习弹奏的同时，同步引入音乐理论和视奏训练，确保学生在学习过程中建立起完整的音乐概念。 教程的系统化与分级设计 《巴斯蒂安》系列通常以“基础篇”（Primer）开始，随后是五至六个主要级别（Level 1到Level 6/5），并且常常辅以专门的乐理书、技巧书和复习书，形成一个庞大的学习体系。 1. 奠定乐理基石： 与其他可能侧重于早期指法训练的教材不同，《巴斯蒂安》在最初的几页就开始向学生介绍五线谱、音高概念、节奏符号（如全音符、二分音符）以及中央 C 的位置。它使用清晰的图示和色彩编码来帮助年轻的学习者理解抽象的音乐概念。乐理知识不是作为附加项，而是作为弹奏的基础被引入的。 2. 循序渐进的曲目选择： 曲目的选择是《巴斯蒂安》的强项。初期的曲目多为简单、悦耳的短小练习，这些练习往往是根据新引入的乐理概念（例如只使用 C 大调的几个音，或只包含二分音符和四分音符的节奏）量身定制的。 早期重点： 极度关注五线谱的左右手对应阅读。学生在很早阶段就能接触到双手同时在谱号上不同位置演奏的简单旋律。 中级发展： 随着级别的提升，曲目开始引入更多的调性（如G大调、F大调），节奏型也变得复杂，包括附点音符和简单的切分节奏。这些曲目往往具有清晰的旋律线条和伴奏结构，旨在培养学生的“音乐感”和“演奏的完整性”。 3. 技巧的融入与平衡： 虽然《巴斯蒂安》不像纯粹的技术书那样专注于手指的机械训练，但它通过专门设计的练习曲穿插在主要的乐曲之间，确保了基本技巧的稳步发展： 指法位置的转换： 练习曲会引导学生在五指位置之间平稳地移动手掌。 力度（Dynamics）的早期训练： 教程非常强调力度记号（p 弱、f 强）的运用，要求学生在弹奏不同乐曲时，不仅要弹出正确的音高和节奏，还要表现出不同的音乐情绪。 对学生综合能力的要求 学习《巴斯蒂安教程》的学生，需要同步发展以下几种能力： 1. 视谱能力： 由于教材覆盖范围广，学生需要快速识别和准确弹奏谱面上的新符号。 2. 节奏稳定性： 大量使用节拍器配合的练习，确保学生建立稳定的内在节拍感。 3. 音乐表现力： 教程鼓励学生不仅要“弹对”，还要“弹得好听”，即关注乐句的连贯性和情感表达，这是其区别于纯技术练习册的关键点。 总结视角 《巴斯蒂安钢琴教程》提供的是一条为期多年的、结构严谨的音乐教育路径。它旨在培养一位全面的钢琴学习者——一位不仅手指灵活，更懂得如何阅读乐谱、理解音乐结构并运用基本理论来指导演奏的音乐人。它适合希望系统学习钢琴演奏的初学者，为他们后续探索更复杂的经典文献打下坚实的理论和实践基础。 --- 《布格缪勒 25 首简易而优美的练习曲》：音乐性的技术探索 如果说有些教材旨在打磨纯粹的机械技巧，而另一些则致力于构建音乐理论框架，那么让·路易·尼科尔·布格缪勒（Johann Friedrich Burgmüller）的《25 首简易而优美的练习曲》（25 Études faciles et progressives, Op. 100）则位于技术与艺术的完美交汇点。这套练习曲，通常被称为“布氏25课”，是钢琴学习中承上启下的重要桥梁。 承上启下的地位 《布格缪勒练习曲》通常被安排在学生已经掌握了基础的五指位置和基础乐理知识之后，即通常在完成了初级教材（如拜厄或巴斯蒂安的早期级别）之后开始学习。它的目标是用艺术性的音乐作品来包装和训练技术难点，使学习过程不再枯燥。 与《拜厄》的纯技术练习模式不同，每一首《布格缪勒》练习曲都具有清晰的音乐主题、结构和标题（例如“雪花”、“骑兵进行曲”、“骤雨”）。学习者必须在解决技术问题的同时，思考如何将这些音乐性元素表现出来。 核心技术点的艺术化呈现 这25首练习曲的难度是渐进的，每一首通常聚焦于一到两个主要的演奏技巧，但都以优美、易于理解的音乐形式呈现： 1. 节奏与速度的精准控制： 《骤雨》（La Valse - 华尔兹节奏）： 强调三拍子的稳定律动感和流畅的连奏，要求左手保持稳定且有弹性的伴奏型，同时右手旋律要连贯。 《骑士之歌》（Chant du chevalier）： 练习右手流畅的八度或和弦进行，同时左手需要保持简洁而稳定的基础节奏。 2. 连奏与断奏的对比： 《流言》（La Candeur）： 纯粹的流畅性练习，要求极度平稳的连奏，任何不均匀的音符都会破坏其“纯真”的音乐气质。 《节选的练习曲》： 常常要求在同一段落内，左手需要保持低音的连贯性，而右手需要在清晰的断奏和柔和的连奏之间快速切换。 3. 跨越与和声的初步探索： 《澄清》（Clarté）： 这首练习曲着重于右手高低音区的快速交替和琶音的清晰度，要求学生训练目光的快速转移和手指的敏捷性。 《和谐的灵魂》（L'Harmonie des âmes）： 这一首和类似练习开始更深入地触及和声的色彩变化。学生需要学习如何处理复杂的三和弦进行，并通过音量的细微差别（揉弦）来凸显和声的色彩，这是一种对“触键感”的深度要求。 音乐诠释的导入 《布格缪勒练习曲》对演奏者的最大价值在于，它要求学习者思考“为什么”要这么弹，而不仅仅是“如何”弹。 分句与乐句处理： 每一首练习曲都包含明显的乐句划分，演奏者必须学习如何构建乐句的起承转合，在哪里呼吸，在哪里加强或减弱。 标题与意境的结合： 练习曲的标题赋予了演奏者一个具体的想象空间。例如，在弹奏《雪花》时，音色必须轻盈、飘忽不定；而在弹奏《进行曲》时，则需要果断、清晰的力度。这训练了演奏者将技术转化为艺术语言的能力。 总结 《布格缪勒25首练习曲》是钢琴学习者从基础技术向专业演奏过渡的必经之路。它以优美动听的音乐为载体，系统地解决了演奏中遇到的各种技术挑战——从指法均匀、节奏稳定，到和声色彩的初步把握。学习者通过它们，可以在不牺牲音乐享受的前提下，稳步提升自己的演奏水准。

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这本书的另一个出色之处，在于它对音乐语法的解释。对于初学者来说，乐谱上的符号往往是冰冷的指令，看不出情感。但是，在这套教程中，你会发现对力度记号（如 *p* 和 *f*）的运用和过渡，讲解得极其细腻。它不是简单告诉你“轻一点”或“大声点”，而是会结合那个时期的音乐风格，告诉你为什么在这个地方需要渐强，渐强的目的是为了突出哪个旋律声部。我记得有一段练习，要求快速的换指，配套的文字说明就特别强调了手腕的“弹性”和“释放”，而不是蛮力去按压琴键。这种强调“音乐性”而非仅仅是“技术性”的教学方式，极大地提升了我对音乐的理解深度。学着学着，我不再只是一个机械的弹奏者，而是开始思考作曲家想表达什么。这套书培养的，是一种对音乐的“敬畏心”和“洞察力”，这远比学会弹奏一首难度适中的曲子要重要得多。它让你明白，钢琴不仅仅是黑白键的组合，更是一种声音的雕塑艺术。

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如果要给一个建议，那就是千万不要跳着练。这套书的价值就在于它的“整体性”和“系统性”。很多学习者喜欢直接跳到后面难度稍大的练习，结果往往是基础不牢，弹出来的声音听起来就是“散”的，缺乏凝聚力。这本书的精髓在于它对“连贯性”的训练。比如，从两个手指的配合，到三个手指的独立，再到整个手掌的协调运作，每一步都是水到渠成的，是前一步练习的自然延伸。我个人体会最深的是，这本书极大地改善了我对踏板的理解。它不是等到很后面才介绍踏板，而是在适当的时机，用最简单的例子告诉你，踏板如何帮助连接那些手指难以触及的声部，如何营造出优美的混响效果。这种“润物细无声”的教学法，让我对钢琴这件乐器的理解，从二维的五线谱，拓宽到了三维的声音空间感。它真正做到了，用最少、最精炼的内容，覆盖了钢琴演奏所需的最核心的底层逻辑。

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坦白说，初次接触这本教程时，可能会觉得节奏有点慢，进度似乎不如那些“热门”教材来得快。但请相信我，这是为了保证你走得更远。它用近乎偏执的重复和变化，来确保每一个技术点都被你彻底吸收。比如，某一个指法练习，可能会在接下来的十几个练习中，以不同的节奏、不同的力度、不同的和声背景出现，让你从四面八方来“攻击”这个技术难点，直到它内化成你的本能反应。我特别喜欢它在练习曲选择上的用心，那些曲子虽然听起来简单，但每一首都蕴含着一个清晰的教学目的，没有一首是“凑数”的。它们大多源自古典时期的精粹，旋律优美，结构完整，这使得学习过程本身就是一种审美享受。当你完成一整套下来，你会发现自己的手指不再僵硬，反应速度明显提升，而且对节奏的把握也更加精准到位。它就像武术中的扎马步，虽然枯燥，却是内功的基础。

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这本书的封面设计得非常经典，那种带着点年代感的米白色纸张，摸上去很有质感，不像现在很多教材那种光溜溜的塑料感。我刚拿到手的时候，首先被它那种沉静的书卷气吸引住了。里面的字体排版很舒服，不像有些教程把音符挤得密密麻麻，让人一看就心生畏惧。这套书的编排逻辑非常清晰，从最基础的手型、指位开始，循序渐进地引入乐理概念，简直是为零基础的初学者量身定做的“新手村地图”。我记得我以前学琴时，很多老师都会推荐这本，说它是打基础的“黄金标准”。翻开第一页，看到那些关于正确坐姿和放松手腕的插图，虽然简单，但处处透露出严谨。我特别欣赏它对每个小练习的解释都非常到位，不仅仅是告诉你“弹这个音”，更告诉你“为什么要这样弹，弹出来的效果应该是怎样的”。这种深入浅出的引导，让初学者在枯燥的基础练习中，也能找到乐趣和方向感，而不是盲目地重复动作。这种对基础功的极致打磨，在如今这个追求快速出成果的时代，显得尤为珍贵。它教会你的，不是一两首曲子，而是一种看待和处理音乐的底层思维方式。

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说实话，我过去尝试过好几本号称“速成”的钢琴教材，结果都是半途而废，原因很简单：它们太注重“快速演奏”，却忽略了“内在逻辑”。这本书则完全不同，它更像一位耐心而严格的私人导师。我印象最深的是关于音阶和琶音的练习部分，它不是简单地堆砌音阶，而是把不同调性的指法变化、手腕的起伏、手指的独立性训练，巧妙地融入到每一个练习曲中。比如，当你练习C大调时，它会同时强调手指的均匀度和触键的深度，让你在不知不觉中把技术和音乐感受结合起来。我发现，当我坚持练习其中的一些小段落后，再去尝试一些新的曲目时，那种“卡顿感”明显减少了，仿佛有一层无形的屏障被冲破了。这种扎实感是那些只教你识谱和简单指法的书给不了的。它用最朴素的方式，把钢琴演奏中最核心的“肌肉记忆”和“听觉反馈”建立起来。很多业余学习者最终放弃，就是因为基础不稳，高楼建不起来，而这本书恰恰就是那块最坚实的基石，让你有信心往上盖。

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