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出版者:積木

作者:Parramon編

出品人:

页数:0

译者:黃聿君

出版时间:2004年08月02日

价格:NT$ 880

装帧:

isbn号码:9789867863454

丛书系列:

图书标签:

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好的，这是一份关于一本名为《设计原理与实践》的图书的详细简介，旨在与您提到的《素描全书》形成对比，内容详实，不含任何人工智能相关的表述。 --- 图书名称：《设计原理与实践：从概念到实现的全景指南》 图书简介 《设计原理与实践：从概念到实现的全景指南》并非一本关于视觉艺术技巧或传统素描训练的专著，而是一部深入剖析现代设计思维、方法论以及跨学科应用的高级参考手册。本书旨在填补理论知识与实际项目操作之间的鸿沟，为寻求系统化设计能力提升的设计师、产品经理、工程师乃至跨界创作者提供一套坚实的方法论框架。 本书的核心聚焦于“设计如何解决问题”，而非仅仅“设计看起来如何”。它将设计视为一种严谨的、迭代的、以用户为中心的认知过程。全书结构清晰，分为四大核心板块，层层递进，确保读者能够完整地掌握一个设计项目从诞生到落地的全流程。 第一部分：设计思维的基石——理解问题与用户 本部分是全书的理论基础，强调设计的起点永远是深刻的洞察。我们摒弃了“灵感突现”的浪漫化叙事，转而探讨如何结构化地获取和分析信息。 1. 设计的哲学与伦理边界： 首先界定现代设计的范畴，讨论设计的社会责任、可持续性原则以及在快速技术迭代背景下设计师应持有的伦理立场。这部分内容涵盖了从包豪斯思潮的演变到当代以人为本（HCD）哲学的演进历程，为读者建立一个宏观的认知坐标系。 2. 深度用户研究方法论： 详细介绍了定性与定量研究的结合策略。内容涵盖了民族志研究（Ethnography）的现场观察技巧、深度访谈（In-depth Interview）的话术设计与提问陷阱规避、问卷设计（Survey Design）的统计学基础与偏差控制，以及可用性测试（Usability Testing）的设计与执行流程。特别辟出一章讨论如何从原始数据中提炼出可操作的“洞察”（Insights），而非仅仅停留在“数据罗列”的层面。 3. 问题界定与机会识别： 这是将研究转化为行动的关键一步。本书引入问题的陈述模型（Problem Statement Modeling），教授读者如何使用“我们如何才能……”（How Might We, HMW）的句式，将模糊的需求转化为具体的、可衡量的设计挑战。同时，通过大量的案例分析，展示如何识别用户行为背后的深层动机和未被满足的“隐性需求”。 第二部分：概念生成与信息架构——构建解决方案的骨架 当问题被清晰界定后，本部分聚焦于如何构建解决问题的结构和逻辑。这与传统的视觉草图阶段有所不同，更侧重于“蓝图”的绘制。 1. 信息架构（IA）的构建： 深入探讨如何组织复杂信息，确保内容的逻辑性和可发现性。内容包括卡片分类法（Card Sorting）的实施细节、树状测试（Tree Testing）的分析方法，以及构建直观的网站地图（Sitemap）和内容模型（Content Modeling）。 2. 交互逻辑与流程建模： 侧重于用户在系统中的路径设计。详细讲解用户旅程地图（User Journey Mapping）和服务蓝图（Service Blueprinting）的绘制技巧，分析关键接触点（Touchpoints）的设计影响。此外，还包括对状态图（State Diagrams）和决策树（Decision Trees）的运用，以确保复杂系统的行为是可预测和一致的。 3. 原型设计的分层策略： 本部分区分了不同保真度（Fidelity）原型的目的和适用场景。从低保真度的线框图（Wireframing）（着重于结构）到高保真度的交互原型（着重于体验），本书提供了关于如何选择工具、如何记录交互规范的实操指导，强调原型是用来“测试假设”的工具，而非最终交付物。 第三部分：界面设计与视觉传达的系统化 本部分不再局限于个别元素的审美，而是探讨如何建立和维护一个具有一致性、可扩展性的视觉系统。 1. 设计系统的构建与维护： 介绍设计系统（Design Systems）的核心组件，如设计原则、设计语言、组件库（Tokenization）的建立流程。重点讨论原子设计（Atomic Design）的理论框架在实际项目中的落地应用，以及如何平衡设计灵活性与系统约束。 2. 视觉层次与可读性科学： 深入探讨排版（Typography）的细节，包括字体的选择标准、行高、字间距对信息负荷的影响。内容结合格式塔心理学（Gestalt Principles），分析图形、颜色、空间在引导用户注意力方面的作用。这部分内容提供了关于色彩理论在无障碍设计（Accessibility）中的应用标准（如WCAG）。 3. 动态与微交互设计（Motion & Micro-interactions）： 阐述运动在传达状态、提供反馈和增强情感联系中的作用。介绍关键帧动画（Keyframing）的基础概念，以及如何设计流畅、不突兀的过渡动画，提升产品的“精致感”。 第四部分：设计交付、评估与持续迭代 设计工作并未在交付UI稿后结束，本部分关注设计在实际工程环境中的落地和后续的优化闭环。 1. 设计到开发的协作： 提供一套高效的设计规范（Design Specification）文档模板，包括如何准确标注尺寸、间距、交互状态和异常情况。讨论如何在敏捷开发（Agile）环境中与前端和后端工程师进行高效沟通，减少“设计还原度”的损失。 2. 量化评估与A/B测试： 教授如何设定成功指标（Success Metrics），如转化率、任务完成时间、错误率等，并利用这些数据驱动设计决策。详细解析A/B测试的设计、执行和统计显著性判断，确保迭代是基于证据而非直觉。 3. 设计的前瞻性与未来趋势： 探讨新兴技术（如AI辅助设计、沉浸式界面）对设计实践的冲击与机遇，引导读者思考如何将设计思维应用于更宏大、更长期的产品愿景规划中。 《设计原理与实践》是一本面向“战略思考者”而非仅仅“执行者”的工具书。它要求读者投入时间去理解“为什么”这样做，而非仅仅学会“怎么做”。全书辅以大量复杂的系统图表、流程模型和行业最佳实践案例，旨在为读者打造一个坚实的设计方法论体系。

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坦白讲，我是一个极度缺乏耐心的人，过去尝试过几本号称“零基础速成”的绘画书，结果不是因为内容过于简化而很快感到无聊，就是因为步骤过于繁琐而中途放弃。这本书给我带来了完全不同的体验。它的结构设计非常巧妙，采用了“碎片化学习”的理念。每一章都围绕一个明确的小目标展开，比如“如何用三分钟画出侧脸的轮廓”、“如何只用斜线表现阴影的体积感”。这种短小精悍的模块化结构，非常适合我这种碎片时间较多的学习者。我不需要一次性抽出两小时来研究一个复杂的静物组合，而是可以在通勤的间隙，专注攻克一个“五官比例调整”的小技巧。书中大量使用了“对比练习”的模式，比如同一物体，先用非常用力/轻柔的线条画一遍，再用中等力度画一遍，直观地展示了线条张力对情绪传达的重要性。这种“即时反馈”的学习方式，大大增强了我的学习动力。此外，这本书的排版设计非常现代、干净，没有过多花哨的装饰，重点突出，让人阅读起来非常高效，真正做到了“有效学习，而非无效阅读”。

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作为一个对艺术史充满好奇的业余爱好者，我更关注的是不同历史时期绘画风格的演变，以及那些大师们在创作时所运用的“隐秘技巧”。这本书的风格和我的期待产生了奇妙的共振。它并没有简单地罗列经典作品，而是深入挖掘了从文艺复兴时期学者对“解剖学精确性”的追求，到印象派对“光线瞬间性”的捕捉，这些转变是如何影响了素描这种基础艺术形式的。其中有一章节专门探讨了铅笔的“硬度等级”对最终画面效果的微妙影响，以及不同媒介（如木炭、石墨、干湿媒介）在表现情感张力上的差异，这部分内容写得尤为精彩。作者的文字带着一种学者的严谨和艺术家的浪漫，不是干巴巴的理论陈述，而是结合了大量艺术史的佐证。例如，书中在讲解“动态平衡”时，引用了达芬奇的笔记片段作为例证，让人感觉不是在看一本技巧书，而是在翻阅一本跨越时空的艺术对话录。对于希望理解“为什么”大师们那样画，而不是仅仅模仿“如何”画的人来说，这本书提供了极其深厚的文化土壤和理论支撑。它让我对素描的理解从“画得像”提升到了“表达思想”的层面。

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这本关于人像速写的书，简直是为我这种想入门却又无从下手的新手量身定制的。我原本对绘画抱着一种敬畏感，总觉得素描是天赋型选手才能玩转的领域，但这本书彻底颠覆了我的看法。它没有上来就堆砌那些晦涩难懂的解剖学名词，而是像一个耐心十足的老师，从最基础的几何形体开始，教你如何“拆解”和“重构”一个复杂的面孔。最让我感到惊喜的是，它花了大量的篇幅讲解“光影”的运用，书里那些用不同排线方式表现明暗层次的示例图，清晰到我能直接在脑海中模拟出光线照射在物体上的效果。特别是对五官（眼睛、鼻子、嘴巴）的刻画，作者提供了不止一种处理方式，从极其写实到略带夸张的艺术化处理，应有尽有。我尝试着跟着书中的步骤，用HB铅笔去描摹那些简单的头骨结构，惊喜地发现，以前模糊不清的立体感，现在似乎有迹可循了。书中的纸张质量也非常好，即便是用稍微粗糙的炭笔去涂抹，也不会出现勾丝或者吃墨的问题，让人在练习时心情愉悦，完全没有“浪费好材料”的焦虑感。如果说有什么遗憾，那就是我希望能有更多关于不同年龄、不同性别角色动态速写的案例，但这或许是这本书的侧重点不在于此吧。总体来说，这是一本从理论到实践都极其扎实，能让人建立起稳固绘画基础的优秀入门读物。

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我是一位从事室内设计多年的资深人士，我对“结构”和“透视”的理解已经深入骨髓，然而在处理快速的概念草图时，我的表现力总感觉受限于传统的设计软件。因此，我一直在寻找一本能将精确的建筑结构感与随性的手绘表现力完美结合的指南。这本书虽然主题是“素描”，但它对空间感的捕捉和线条的力度控制的讲解，简直就是为我的需求量身定制的“设计速写圣经”。它没有过多纠缠于艺术院校那种严格的写生规范，而是将重点放在了如何快速捕捉场景的“神韵”和“氛围”。书中关于环境速写的部分，比如如何用几根关键的建筑线条确定一个房间的进深，以及如何利用环境光来烘托空间的层次感，让我茅塞顿开。我特别欣赏作者在处理复杂场景时所展现出的“取舍”艺术——哪些是需要精确描绘的结构点，哪些是可以通过模糊或简化来增强表现力的部分。书中的练习很多都模拟了实际工作中的场景，比如快速记录一个家具的设计细节，或者在现场捕捉一个建筑的立面特征。用这本书里的方法去练习，我发现自己的工作效率大大提高，现在我能用一支钢笔或一支自动铅笔，在十分钟内完成一份比过去用iPad Pro绘制的草图更具说服力的现场记录。这本书更像是一本关于“视觉思考”的方法论手册，而非仅仅是教人画画的工具书。

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我是一位专注于数字艺术和概念设计的插画师，我过去主要依赖数位板和软件进行创作，但偶尔会遇到瓶颈，总觉得数字绘画缺乏传统媒介那种自然的肌理和笔触的生命力。我购买这本书，是希望能将传统素描的“手感”和“随机性”重新融入我的数字工作流中。这本书的后期章节，详细讲解了如何模拟不同纸张纹理对手绘效果的影响，以及如何利用铅笔的“留白”来强调高光，这对我使用绘图软件中的“笔刷压力感应”功能启发巨大。我开始有意识地在我的数字草稿中，去思考“如果我用炭笔来画，这个高光应该留多大面积”，而不是仅仅依赖软件的自动高光工具。书中关于“材质表现”的篇幅尤其出色，比如如何区分金属的冷硬感和皮革的温润感，仅仅依靠线条的疏密和排线的角度，这种对基础的深入探讨，让我回到了创作的本源。它不仅是教我如何用铅笔画，更重要的是教我如何“观察”和“理解”物质世界的物理特性，这对于任何形式的视觉艺术创作都是宝贵的财富。这本书让我重新爱上了手绘的慢节奏和不可重复性，成功地成为了我连接传统与数字领域的桥梁。

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新加坡国立图书馆接触，淘宝台湾代购，握在手里的感动，书质量那是刚刚的

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绘画 艺术

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