繪畫與視覺想像力

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出版者:遠流
作者:胡寶林
出品人:
页数:0
译者:
出版时间:1993年02月17日
价格:NT$ 180
装帧:
isbn号码:9789573220749
丛书系列:
图书标签:
  • 藝術教育
  • 教育
  • 兒童
  • 绘画
  • 视觉
  • 艺术
  • 想象力
  • 创意
  • 技巧
  • 构图
  • 色彩
  • 设计
  • 灵感
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具体描述

看與畫  創造力是人類智慧的泉源、文明的原動力。創造力與生俱來而又潛在,需要透過適當的教育啟發。發展天賦的創造力,應從嬰兒開始,因為兒童最好的學習時機並不是始於入學之後,而始於出生後的前四年。西方的現代心理教育學家已肯定了兒童在四歲以前的智力發展潛力,理論上可以到達一生的百分之五十。也就是說每個人的智力發展極限在四歲以後只剩下百分之五十的機會。中國俗語早就說過:「三歲孩童定八十。」  本文作者胡寶林把幼兒擁有的創造力形容為未來的「社會動力」,並為臺灣的兒童教育按了警鈴。他認為不尊重兒童就不是真愛,以模式教育兒童就扼殺了創造力,沒有創造力的社會就沒有足夠的民主參與動力。  這是一套透過創造力教育的兒童人格養成計畫,有些是作者從生活體驗中獨創的,有些是取材於國外的經驗。書中提供了為人父母者許多生活教育細節的戲劇化「奇招」,用以代替傳統的體罰和心罰的權威式教育法。胡寶林教授強調,父母親在協助兒童進行各種創造力活動時,最好能與生活結合,使兒童人格教育達到平衡發展。 作者簡介  胡寶林是一個多棲的藝術家和建築師,也是活躍的創造力教育專家,生於一九四五年無升學壓力的越南僑居地。其為瑞士聯邦工業大學建築碩士,蘇黎世F+F實驗藝術學院研究,旅歐期間除從事專業建築設計工作之外,一直都積極推廣有關兒童及青少年創造力教育的工作及寫作,著有詩集《去國》、畫集《無雲天》等。

《繪畫與視覺想像力》是一部引人入胜的著作,它深刻探讨了艺术创作的核心驱动力——视觉想象力的丰富内涵与实践方法。本书并非仅仅停留在对绘画技巧的教授,而是更进一步,深入挖掘了艺术家如何通过内心的 visual landscape (视觉景观) 来构思、组织和呈现作品,从而赋予画作生命与灵魂。 作者以其深厚的艺术功底和敏锐的洞察力,首先为读者勾勒出了视觉想象力的多重面向。它不仅仅是眼睛看到的东西的简单复刻,更是一种内在的、动态的、高度个性化的感知与创造过程。本书细致地剖析了想象力在艺术中的不同表现形式:它可以是捕捉瞬间光影的敏感度,可以是重塑现实结构的变形能力,可以是联觉体验的交织,更可以是潜意识的自由奔放。书中通过大量不同艺术流派和艺术家的案例,生动地阐释了这些想象力的不同侧面是如何在作品中得以体现的。例如,在谈论现实主义的绘画时,作者并非仅仅提及写实技巧,而是强调了艺术家如何通过高度集中的观察力,将日常景物中的细微变化和内在情感捕捉并放大,从而在看似平淡的画面中注入深刻的共鸣。而在探讨超现实主义时,则深入剖析了艺术家如何打破逻辑束缚,将梦境、潜意识中的奇思妙想与现实意象相结合,创造出令人惊叹的、充满象征意义的视觉叙事。 《繪畫與視覺想像力》的独到之处在于,它为读者提供了一套系统而实用的方法论,指导如何培养和激发自身的视觉想象力。本书认为,想象力的培养并非一蹴而就,而是一个循序渐进、持续练习的过程。作者首先强调了“观察”的重要性。然而,这里的观察并非被动地接收信息,而是主动地、带着问题和好奇心去审视世界。本书鼓励读者去“看见”而非“浏览”,去捕捉那些易被忽略的细节,去理解物体之间的形态关系、色彩的微妙变化以及光影的动态流动。书中提供了许多具体的练习方法,比如“碎片式观察法”,要求读者将复杂的场景分解成独立的元素进行分析;“情感联想法”,鼓励读者在观察事物时,主动联想到与之相关的个人情感和记忆,从而为画面注入更深层的情感维度。 此外,本书还深入探讨了“想象与记忆”之间的紧密联系。它指出,记忆是想象力的重要源泉,而我们对过去经历的视觉体验,无论是真实的还是想象的,都可能成为未来创作的素材。作者引导读者认识到,记忆并非是固定不变的,它会随着我们的经历和情感发生变化,这种可塑性正是想象力得以发挥的空间。书中通过一些艺术家的创作历程,展示了他们如何从个人经历、童年回忆,甚至是从文学、音乐中汲取灵感,并将这些抽象的情感和概念转化为具体的视觉语言。例如,书中可能会提及某位艺术家如何将童年时的一次深刻体验,通过象征性的色彩和变形的形体,呈现在画布上,唤起观者共同的情感体验。 《繪畫與視覺想像力》对“形式与色彩”在激发想象力中的作用也进行了深刻的论述。作者认为,形式和色彩不仅仅是绘画的工具,它们本身就蕴含着强大的情感和象征意义,能够直接触动观者的内心。本书详细讲解了如何运用线条的粗细、方向、曲直来表达不同的情绪和动态;如何通过色彩的冷暖、明暗、饱和度来营造氛围、引导情绪,甚至创造出超越现实的视觉效果。书中引用了大量的艺术史实例,分析了不同艺术家是如何巧妙地运用色彩和形式来构建他们的想象世界,以及这些选择如何影响了作品的最终解读。比如,对某幅使用鲜明对比色和大胆笔触的作品的分析,会揭示出艺术家是如何通过视觉的冲击力来唤起观者的兴奋和不安。 本书还着重强调了“情感与象征”在视觉想象力表达中的核心地位。作者认为,一件真正动人的艺术品,必然能够触动观者的情感,并引发其深层的思考。视觉想象力是实现这一目标的关键。它能够帮助艺术家将内在的情感和抽象的理念转化为具有普遍意义的象征符号。本书引导读者去思考,如何通过元素的组合、空间的安排、光影的处理来传达特定的情感,如何运用具有象征意义的物象来表达更深层的含义。例如,在探讨神话和宗教题材的绘画时,作者会分析艺术家如何利用既有的文化符号和象征体系,结合自身的想象力,来创造出既符合传统又具有创新意义的视觉呈现。 《繪畫與視覺想像力》并非一本枯燥的理论著作,而是充满了实践性的指导和启发。作者在书中穿插了大量的绘画练习和思考题,旨在引导读者将理论知识转化为实际的创作能力。这些练习涵盖了从基础的形体塑造、色彩搭配,到更高级的意象组合、叙事构建。例如,书中可能会提供一个“无主题创作”的练习,鼓励读者在没有任何预设的情况下,仅凭内心的涌动和脑海中的意象进行创作,以最大程度地激发其自由的想象力。同时,本书也鼓励读者进行跨领域的学习,比如从音乐、文学、哲学中汲取灵感,拓宽视觉想象力的边界。 总而言之,《繪畫與視覺想像力》是一部充满智慧和启迪的著作,它为所有对艺术创作感兴趣的读者提供了一扇通往内心视觉世界的大门。它不仅能帮助绘画爱好者提升技艺,更能启发每一位读者去发现和培养自己独特的视觉想象力,从而以更丰富、更深刻的视角去观察和理解这个世界,并在创作中找到属于自己的表达方式。本书的核心价值在于,它让我们明白,卓越的绘画作品不仅仅在于精湛的技法,更在于那份源自内心深处的、充满生命力的视觉想象。

作者简介

目录信息

緒論 認識兒童畫 第一章 淺談兒童畫 第一篇 了解兒童畫 第二章 兒童畫與繪畫藝術 第三章 兒童繪畫現象的分析 第二篇 兒童畫的指導 第四章 指導原則 第五章 兒童畫的媒材與指導 第三篇 兒童畫創作教育 第六章 自由創作遊戲 第七章 繪畫創作活動 第八章 美術設計教育 第九章 示範教案實例
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读后感

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用户评价

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读完这本关于古典音乐鉴赏的入门读物,我发现自己过去听交响乐时那种“听热闹”的状态被彻底修正了。这本书的作者有着一种非凡的能力,能将晦涩的乐理知识用极其生活化的语言娓娓道来,丝毫没有学术腔调的架子。他没有强迫读者去记忆复杂的和弦名称,而是引导我们去“感受”音乐的结构。例如,书中对奏鸣曲式中“呈示部”、“发展部”和“再现部”的比喻,就像在讲述一场精心编排的戏剧冲突与和解,每一个声部的进入、主题的变奏,都充满了内在的逻辑和情感张力。我特别欣赏作者对不同乐器音色的细腻区分,他描述木管乐器的温暖、铜管乐器的辉煌,以及弦乐组的细腻织体时,简直就像在描绘一幅油画。这本书的价值在于,它降低了古典音乐的门槛,让初听者不至于在庞大的编制面前望而却步,而是能带着明确的“聆听目标”进入音乐的世界,从而真正体会到人类情感在纯粹声音形式下的极致表达。

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这是一本关于早期印刷技术与知识传播史的专著,内容之详实,足以令历史爱好者们狂喜。作者的考据功力令人叹服,他不仅仅关注于古登堡的活字印刷术本身,更将视野拓展到了中世纪抄本的制作工艺、纸张的来源,乃至字体设计的演变对阅读效率的影响。我从未意识到,一个简单的排版方式的改变,是如何深刻地影响了人们对信息的接收和记忆方式的。书中描绘了手抄本时代知识的稀缺性与高贵性,与活字印刷术普及后知识的“民主化”之间的巨大张力,充满了社会史的洞察力。特别是关于“纠错”机制在不同技术背景下的差异分析,非常精彩——在手抄本时代,错误会以指数级放大,而在印刷时代,标准化的字体反而催生了对“规范”的集体认同。对于任何对书籍的物理形态、知识的权力结构感兴趣的读者来说,这本书提供了深厚而坚实的理论支撑和丰富的史料佐证。

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我最近涉猎的一本关于复杂系统理论与生态平衡的科普读物,给我的思维模式带来了巨大的冲击。这本书没有纠结于繁琐的数学模型,而是通过一系列引人入胜的案例——从蜂群的行为模式到亚马逊雨林的生物多样性维持机制——来阐释“涌现性”和“自组织”的概念。作者最成功的地方在于,他将微观个体的简单互动如何导致宏观层面出现意想不到的稳定结构或混沌状态,解释得清晰透彻。例如,书中对“临界点”的探讨,让我对环境变化有了全新的敬畏感,意识到渐进的压力积累到某个阈值后,系统会以非线性的方式瞬间崩溃或重组。这本书的叙事节奏非常流畅,它巧妙地在科学的严谨性和哲学的思辨性之间找到了平衡点。读完后,我不再将世界看作是孤立事件的堆砌,而是认识到万物之间都存在着深刻的、不可见的相互依赖网络,这极大地拓展了我对“联系”的理解维度。

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这本关于建筑美学的书简直是为我这种对空间构成有着天生好奇心的人量身定做的。作者没有落入那种枯燥的学院派理论说教,而是用一种极其生动和富有画面感的方式,带我们穿梭于不同历史时期的建筑杰作之中。我尤其喜欢他对光影在结构中扮演角色的那种细腻描摹,书中那些对自然光如何被巧妙地引导、折射,从而赋予冰冷的混凝土和石头以生命力的论述,简直让人拍案叫绝。它不仅仅是讲解“如何建造”,更深层次地探讨了“为何而建”——建筑如何回应人类的情感需求、社会结构乃至精神寄托。当我合上书卷,重新审视我周围的城市景观时,那种“看”的方式已经彻底改变了,我开始注意到那些以往被我忽略的比例、韵律和材料的张力。这本书的排版和图例也做得极为出色,每一张照片和手绘图都像是经过精心策展的艺术品,它们与文字的结合,产生了一种强大的共振效应,使得抽象的理论变得触手可及。对于任何想提升自己对环境感知力,或者对城市肌理抱有热忱的读者来说,这都是一本不可多得的指南。

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我必须说,我对这本关于当代电影叙事手法的解析感到非常震撼,它完全颠覆了我以往观看电影时的被动接受状态。作者的分析角度非常犀利,他没有满足于对剧情的简单复述,而是深入到了镜头语言的深层语境,特别是对“间隙”和“留白”的处理,简直是教科书级别的示范。书中详细剖析了几部经典非线性叙事作品,通过对剪辑点、蒙太奇的拆解,我终于明白了那些看似跳跃的画面是如何在潜意识层面构建起复杂的情感桥梁。最让我印象深刻的是关于“观众参与感”的论述,作者认为高明的叙事并非提供满分答案,而是留下关键的空白,诱导观影者主动填补,从而完成意义的构建。这使得观影体验不再是线性的信息接收,而是一场主动的心理博弈。对于想成为编剧或者导演的新人来说,这本书提供了极具操作性的思维框架;对于普通影迷,它则提供了一副全新的眼镜,让你在下一次走进电影院时,能看到隐藏在光影背后的宏大设计。

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