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出版者:湖南文艺出版社

作者:曾国明

出品人:

页数:225

译者:

出版时间:2002-5-1

价格:28.80元

装帧:平装（带盘）

isbn号码:9787540428198

丛书系列:

图书标签:

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进阶吉他演奏技巧深度解析：从指板的秘密到舞台表现力 本书旨在为已经掌握基础吉他演奏技巧的音乐人提供一套系统、深入的学习路径。它不仅仅是一本技巧手册，更是一部探索现代吉他艺术的深度指南，专注于拓宽演奏者的技术边界、深化音乐理解，并最终提升舞台表现力。 --- 第一部分：指板的无限可能——高级和声与调式构建 本部分彻底超越了开放和弦与基础封闭和弦的范畴，将重点放在如何将指板转化为一个动态的、充满逻辑的音乐地图。 第一章：音程关系的几何学与指板布局优化 超越CAGED系统： 深入剖析五声音阶与布鲁斯音阶在指板上的交织模式，不仅仅是记忆形状，而是理解音程（如大三度、增四度）如何定义和声色彩。 和弦内音的视觉化： 如何在任何把位快速定位和弦的根音、三音、七音，以及副属音（9th, 11th, 13th）。通过绘制“和弦骨架图”，实现对指板的“垂直切割”。 平行把位移动法则： 建立一套无需参考开放和弦的独立把位概念。讨论如何利用“三音-七音对”作为导航锚点，实现平滑的把位转换，尤其是在高速乐句中。 第二章：复杂和声的构建与应用 拓展和弦的色彩学： 详尽解析Maj711 (Lydian sound), Min7b5 (Locrian/半减七和弦的爵士应用), Diminished 7th和弦的四向转位和功能替代。 和声功能分析与替换： 深入探讨Tritone Substitution（增四度替代）在爵士乐中的实际应用，以及如何使用挂留和弦（Sus2/Sus4）来制造张力和释放。 和弦内音的旋律化： 学习如何将和弦的组成音转化为具有旋律性的乐句，而不是仅仅作为伴奏的背景。重点分析如何使用和弦的“色彩音”（如11, b13）来点亮主旋律。 第三章：调式体系的精细化运用 七种调式的深度挖掘： 不再停留在多利亚（Dorian）和自然小调的简单对等上。探讨混合利迪亚（Mixolydian）在放克（Funk）中的律动作用，以及弗里吉亚（Phrygian）在金属乐中的张力营造。 旋律音阶与和声的匹配： 建立一套“优先匹配表”，指导演奏者在复杂的和声进行中（如II-V-I）选择最合适的调式音阶片段。 外音（Bebop Scales）的引入： 学习如何将经过音（Passing Tones）系统性地融入音阶结构中，以填充乐句的空隙，并赋予其强烈的爵士推进感。 --- 第二部分：演奏的精确度与音色雕琢 本部分关注演奏者的物理技巧与听觉控制，旨在将“能弹奏”提升至“能完美控制”的层面。 第四章：速度、精准与左手控制 交替拨弦的进阶： 探讨超越严格上下拨弦的策略。引入“扫描式拨弦”（Sweep Picking）的精确练习方法，重点在于控制每个音符的清晰度和音量平衡。 连奏（Legato）的深度解析： 区分“击勾”（Hammer-on）和“击拔”（Pull-off）在音色上的细微差别。如何通过调整左手指甲和指尖压力，使连奏听起来如同“歌唱”一般，而非生硬的敲击。 压弦（Bending）的听觉校准： 建立“听力反馈训练”系统，确保每一次压弦都能精准命中目标音高（如半音、全音、或更细微的四分之三音）。分析不同手指（食指、中指、无名指）驱动压弦的力度分配。 第五章：右手的律动与触感（Touch） 拨片角度与音色塑形： 详尽讲解拨片角度（从水平到垂直）如何直接影响音色的明亮度、攻击性（Attack）和延音。实战演练如何在同一乐句中切换拨片角度以实现音色变化。 指弹技巧的融合： 学习如何将拨片演奏与指弹（Fingerstyle）的元素结合，例如使用拇指拨奏低音线，同时用食指或中指扫弦或拨奏高音旋律。 颤音（Vibrato）的个性化： 颤音是吉他手的“签名”。本章分析手腕驱动、手指驱动和拇指驱动三种颤音方式的特点，指导读者发展出符合自己演奏风格的独特颤音“印记”。 第六章：效果器链的声学优化与音色设计 动态效果器的精妙运用： 不仅仅是压缩（Compressor），而是如何设定攻击（Attack）和释放（Release）时间，以“塑造”而非“压制”吉他的动态范围。 调制效果器的空间感： 深度解析镶边（Flanger）和合唱（Chorus）的“深度”与“速率”参数如何影响音色的宽度和运动感。 失真与过载的层次叠加： 讲解“串联”与“并联”不同失真效果器链的声学原理。如何使用低增益的过载（Overdrive）来“预热”信号，再叠加高增益的失真（Distortion）以获得清晰且厚重的音墙。 --- 第三部分：即兴创作与音乐表达力 本部分将技术融入音乐情境，重点培养演奏者在即兴和编曲中的逻辑思维与情感传达能力。 第七章：即兴的结构化思维 主题发展与动机提炼： 强调即兴不是音阶的堆砌，而是对核心音乐动机（Motif）的不断变形、扩展和再现。练习如何从一个两音的乐句发展出完整的八小节乐段。 对位与反向思维： 学习如何构建与主旋律形成对位关系的第二旋律线，以增加即兴的层次感。 “减法”的艺术： 探讨在演奏中“留白”的重要性。通过分析大师演奏中那些精心选择的停顿，理解空间如何增强音乐的戏剧张力。 第八章：特定风格的技法与语汇解析 布鲁斯与摇滚的融合： 分析如何将复杂的爵士和声（如Min7b5）融入标准的蓝调进行中，实现“升华”的布鲁斯效果。 金属乐的节奏型创新： 深入研究非对称节奏（如5/8或7/8拍）在现代金属乐中的应用，以及如何通过Palm Muting的精确控制来增强低音的冲击力。 放克（Funk）的律动核心： 专注于拨片与手指的“切断”技巧（Staccato/Ghost Notes），解析如何通过控制不发声的幽灵音符来构建精准的切分节奏。 第九章：舞台表现力的综合训练 监听系统的适应性： 教授如何在舞台返听系统（Monitor）不理想的情况下，通过调整演奏的触感和动态，确保自己的演奏在现场听起来是平衡和有力的。 情感叙事与动态弧线： 学习构建一个乐段的“动态弧线”——从弱（Pianissimo）到强（Fortissimo）的精心控制。分析音乐中的高潮点应该如何通过技术动作（如大幅度的推弦或扫弦）来强化。 乐器与身体的统一： 探讨舞台姿态、眼神交流以及与乐队其他成员的互动如何共同构成了成功的现场表演。如何让乐器成为你情感表达的自然延伸。 --- 本书提供的不是捷径，而是深入的蓝图。它要求读者具备扎实的现有基础，并愿意投入时间去理解吉他技术背后的音乐原理和声学逻辑，最终目标是帮助演奏者找到属于自己、无法被轻易模仿的独特声音。

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我接触过不少关于吉他效果器和音色构建的书，但很多都陷入了技术参数的泥潭，讲了一堆“失真”、“过载”、“混响”的专业术语，听起来玄乎得很，但真正上手调音却无从下手。这本书在这方面做得极其接地气。它没有堆砌那些冷冰冰的参数，而是把效果器看作是“声音调色板”来讲解。它会告诉你，如果你想模仿某位摇滚巨星的标志性音色，应该在哪些地方进行调整，以及这种调整背后的音乐逻辑是什么。例如，它会分析经典的“布鲁斯摇滚”音色和“重金属”音色在失真度和动态范围上的区别，并提供一套可操作的、从零开始设置音箱和单块效果器的步骤。这种“先听后学”的教学思路，极大地激发了我的创作欲。我不再是机械地跟着教程弹奏，而是开始主动去探索和设计自己的声音，这对于提升我的音乐表现力帮助太大了。

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这本吉他教材真是让人眼前一亮！我本来以为市面上那些花里胡哨的教程都大同小异，无非就是教你几个基础和弦然后就让你自己摸索。但这本书完全不是那种套路。它深入浅出地讲解了音阶的构成和在指板上的实际应用，尤其是对不同调式的转换讲解得非常透彻。我记得有一章专门讲了如何用音阶来即兴solo，里面给出的例子都不是那种僵硬的乐理公式，而是真正能用在乐曲里的片段。作者似乎非常理解初学者在面对指板迷宫时的那种无助感，所以他在讲解每一个技巧时，都会配上清晰的图示和实际的演奏建议，让人感觉就像身边有一位经验丰富的老乐手在手把手地指导。我尤其欣赏它在节奏感培养方面的独到之处，它不像很多书只关注“弹什么音”，更强调“怎么弹好听”，通过大量的律动练习，让我的扫弦和分解和弦立刻有了“摇滚范儿”。这种注重实战和音乐性的教学方法，对我这种想尽快上手玩乐队的琴友来说，简直是太及时雨了。

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说实话，我之前学吉他遇到最大的瓶颈就是“瓶颈期”——就是那种感觉自己技术停滞不前，不知道下一步该往哪里练的阶段。很多教材到了一定程度就戛然而止，留给学习者一个巨大的黑洞。但这本《摇滚吉他实用教材》的后续章节处理得非常高明。它没有简单地堆砌超高难度的速弹练习，而是将重点放在了“音乐编配”和“舞台表现力”上。它深入探讨了如何构建一个完整且富有张力的吉他Solo，包括前奏、发展、高潮和收尾的结构设计，以及如何与其他乐器（贝斯、鼓）进行有效的对话。这种从“技术层面”向“艺术层面”的过渡，让我看到了学习吉他的更广阔前景。它教我的不只是如何弹奏，更是如何“成为”一个摇滚吉他手，如何用吉他来表达观点和情感，这比单纯学会几百个和弦要有价值得多。

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这本书最让我惊艳的，是它对于“律动”和“感觉”的强调，这恰恰是很多传统教材缺失的部分。摇滚乐，说到底，是一种能量的释放和节奏的律动，光会弹准音符是远远不够的。这本书里有很多关于如何处理“切分音”、“摇摆节奏”以及“重音位置”的专门练习。它不是用复杂的数学公式来解释这些概念，而是通过一些生动有趣的练习曲和示范片段来让你“感受”到律动的变化。比如，它有一个环节是关于如何让你的Riff听起来更有“弹性”，而不是像机器人在打拍子。作者通过分析一些经典Riff的演奏录音，告诉我们演奏者在重音上的细微提前或延迟如何影响整体的摇滚张力。这种对“人性化演奏”的关注，让我从一个单纯的“乐谱执行者”，慢慢转变成了一个有自己 Groove 的演奏者，这对于长期发展至关重要。

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我得说，这本书的排版和设计简直是教科书级别的典范。通常很多技术书籍要么是内容堆砌，要么是设计得像老古董一样枯燥乏味。但这本《摇滚吉他实用教材》在视觉上就赢了一大截。它采用了非常现代的、充满活力的版式设计，色彩搭配也很到位，让人在翻阅时心情愉悦。更重要的是，它对乐谱的呈现方式进行了优化。它不仅仅是枯燥的五线谱和六线谱对照，而是巧妙地将一些高级技巧，比如推弦、闷音、滑音这些摇滚乐的灵魂技巧，用非常直观的符号和动作分解图来展示。我以前看其他书对推弦的力度把握总是一头雾水，但这本书里对“度数”和“手型”的描述，让我一下子就找到了感觉。那种对细节的极致追求，体现了作者对摇滚吉他演奏的深刻理解。随便翻开一页，都能感受到那种想要让你立刻拿起吉他、投入练习的冲动。对于追求效率和良好阅读体验的现代学习者来说，这本书的制作水平绝对是顶尖的。

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