鐵道建築散步

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出版者:大塊
作者:李清志
出品人:
页数:0
译者:
出版时间:20040501
价格:NT$ 380
装帧:
isbn号码:9789867600462
丛书系列:
图书标签:
  • 建築
  • 鐵道
  • 建筑艺术等
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具体描述

「我相信斗篷、貓頭鷹、鐵道以及蒸汽火車頭,都是具有魔法的神奇事物。哈利波特便是到第九又四分之三月台,搭十一點的火車,才到得了魔法學校......」如果你不相信鐵道具有魔法,看完本書就會相信了。本書精彩介紹日本、歐洲等地極具特色的火車、電車,以及鐵道沿途代表性建築;每一條鐵道、每一個車站、每一種火車,都有令你驚豔之處,都能為你的世界開啟一道通往夢想的窗。

作者本身是位建築學者,又酷愛旅行和攝影,因此在這本以「鐵道」旅遊為主題的書中,時時可見傑出建築、設計的精彩解說和圖片,以及令人驚豔的藝術美。

北海道極具科幻味的先進列車「特級北斗」、長崎如賓士房車般豪華的「海鷗號」、滑鐵盧車站令人目眩神迷的月台頂棚、倫敦有著玻璃天窗的朱庇利地鐵......,每一站都有令人欣喜的邂逅。同時,作者偶而會將該景點有關的電影、文學作品中的情節帶入,閱讀的視覺和想像空間都十分豐富。是令人賞心悅目的「散步文學」寫作。

◎tone是一個以「大眾的藝術書」為主旨的新書系。以感性取代理性、以美感經驗取代知識傳遞。有作者的直觀感受和看法,是輕鬆的、有人味的。藝術並非存在於博物館的殿堂上,而就在我們的生活之中。

好的,这是一份关于一本假想图书的详细简介,其内容与《鐵道建築散步》无关: --- 《光影炼金术:古典摄影的百年技艺与美学流变》 导言:探寻凝固时光的暗箱魔法 自1839年达盖尔银版法的问世,摄影便以一种前所未有的力量介入了人类对世界的认知。它既是科学的结晶,也是艺术的宣言。然而,在数码影像主导的今日,我们常常遗忘了那些曾经支撑起摄影艺术黄金时代的物理与化学过程——那些需要耐心、精确计算以及对光线近乎宗教般敬畏的“暗箱魔法”。 《光影炼金术:古典摄影的百年技艺与美学流变》并非一本简单的器材指南,而是一部深入探索十九世纪中叶至二十世纪中叶,以湿版火棉、干版,直至早期彩色工艺为核心的摄影历史、技术脉络及其美学哲学的深度著作。本书旨在为现代摄影师、历史学者以及所有对“慢艺术”怀有敬意的读者,重构一个被遗忘的、充满化学气味与物质触感的影像世界。 本书结构严谨,分为四大核心部分,层层递进,揭示古典摄影从诞生之初的技术瓶颈到艺术巅峰的完整历程。 --- 第一部分:感光物质的诞生与早期探索 (1839-1870) 本部分聚焦于摄影史上最具革命性的起点。我们首先详细梳理了达盖尔(Daguerre)与塔尔博特(Talbot)各自开创的两种截然不同的道路:基于金属板的独一无二的银版法(Daguerreotype),以及基于纸基的负片-正片系统(Calotype)。 1.1 银版法的辉煌与局限: 深入分析了银版法那令人惊叹的细腻度、镜面般的反射质感,以及它对当时肖像摄影和风景记录的颠覆性影响。详细解析了曝光时间的漫长(常需数分钟乃至半小时)对被摄者姿态和心理状态的制约,并探讨了早期摄影师如何利用“固定器”等辅助工具来维持模特的静止。 1.2 塔尔博特的负片革命: 重点阐述了卡罗(Calotype)工艺,这种基于纸纤维的负片系统,虽然在清晰度上逊于银版,却奠定了现代摄影的“可复制性”基石。本书首次引入了对塔尔博特自出版物《摄影之诗》中手绘与照片结合的精细考证,揭示了早期摄影师在技术尚未成熟时如何运用拼贴与修饰手段进行图像的再创作。 1.3 湿版火棉的里程碑: 湿版火棉(Wet Plate Collodion)技术的出现是摄影史上一次伟大的技术飞跃。本章详尽描述了这一过程的复杂性:从调制硝化纤维素溶液,到现场涂布、碘化银感光,再到曝光后立即进行冲洗定影——所有操作都必须在几分钟内完成,且环境温度和湿度对结果有着决定性的影响。我们收录了数位十九世纪中叶欧洲和美国摄影师的笔记片段,生动再现了他们在野外工作室中,与时间、天气搏斗的真实场景。 --- 第二部分:玻璃时代的定型与美学标准的建立 (1870-1900) 随着干版技术(Dry Plate)的普及,摄影的“即时性”大大增强,摄影师从操作化学实验者,逐渐向纯粹的艺术创作者转型。 2.1 蛋白印相的质感: 本部分着重分析了蛋白印相(Albumen Print)——十九世纪最主要的照片输出形式。蛋白印相的特点是其独特的半光泽表面、丰富的中间调层次以及易于手绘上色的特性。书中通过高倍显微观察对比了蛋白印相在不同底版(如玻璃版、平版)上的细微差异,并解释了为何这种印相法能成为维多利亚时代肖像和旅游明信片的主流。 2.2 肖像的心理深度: 探讨了纳达尔(Nadar)、卡梅隆夫人(Julia Margaret Cameron)等大师如何利用玻璃底版技术的优势,结合早期布光理论,创造出具有强烈心理冲击力的肖像作品。卡梅隆夫人那“失焦的”、“梦幻般的”风格,在当时被视为对清晰度标准的挑战,但本书认为,这恰恰是她对人类精神世界的深刻捕捉。 2.3 建筑与纪实: 考察了纪实摄影的萌芽阶段,尤其是在南北战争、殖民扩张等重大历史事件中,玻璃底版如何被带到恶劣环境中进行记录。分析了正片(如凹版、碳精版)在耐光性、持久性上的突破,为博物馆级存档奠定了基础。 --- 第三部分:技术的标准化与摄影的民主化 (1900-1945) 二十世纪初,胶卷的普及和标准化学冲洗流程的建立,使得摄影技术“口袋化”,极大地扩展了普通民众参与摄影的可能性,同时也催生了新的艺术流派。 3.1 胶片革命与“拿即所见”: 尽管本书聚焦古典工艺,但我们必须探讨玻璃底版向柔性胶片过渡的意义。这促成了“抓拍”(Snapshot)的诞生,以及莱卡等小型相机的出现。重点分析了“直出派”(Straight Photography)的兴起,如亚当斯(Ansel Adams)早期的技术追求,他们力图用最纯粹的成像方式展现被摄物的本质,挑战了后期制作的传统。 3.2 碳精版:永恒的色彩与色调: 碳精版(Carbon Print)作为一种不受光照影响、具有极高稳定性的印相技术,在艺术摄影界占有重要地位。本书详细介绍了其复杂的三层或多层染色工艺,以及它如何被用来实现极其微妙、接近油画笔触的层次过渡,尤其是在自然风景和裸体艺术的表达上。 3.3 早期彩色工艺的尝试: 在彩色摄影成熟前,摄影师们进行了大量的实验,如奥托氏色版法(Autochrome Lumière)。本书通过分析现存的奥托氏版照片,揭示了这种基于淀粉颗粒的早期彩色技术所带来的独特的柔和光晕和颗粒感,这是一种数字时代无法复制的“有机色彩”。 --- 第四部分:工艺的退隐与复兴的哲学 最后一部分,本书探讨了二战后,随着经济和技术的发展,湿版、干版等工艺逐渐被更便捷的化学工艺和后来的电子技术取代,但它们并未完全消失。 4.1 慢摄影的当代价值: 分析了当代艺术家们重新拾起这些“笨重”工艺的动机。这不仅仅是怀旧,更是一种对摄影过程的重申——强调“制造”而非“捕获”的哲学。例如,湿版镜面银版(Glass Ambrotype)在当代艺术中的应用,它迫使创作者放慢速度,深入理解每一次曝光的物理意义。 4.2 物质性与数字的对话: 讨论了古典印相(如铂金钯金印相)的物质触感和稳定性,如何与稍纵即逝的数字屏幕形成对照。古典照片的物理存在感——纸张的纤维、药水的残留、印相边缘的“锈迹”——成为了对抗数字虚无感的一种有力武器。 结语:光与影的化学共舞 《光影炼金术》总结道,古典摄影的历史,就是一部人类不断尝试理解并驯服光线的历史。每一次对药水的调制、对曝光时间的测量、对显影液温度的控制,都是对时间维度的一次精妙干预。理解这些技艺,不仅能让我们更好地欣赏老照片的深度和厚度,也能为我们当下快速创作的影像注入一份珍贵的“物质性”与“敬畏心”。 --- 本书特色: 技术图解: 配有大量详尽的化学配方和操作步骤图解,力求复原历史现场。 珍稀图版: 首次系统性地收录了多家私人收藏的、不同印相工艺的对比样本高清图集。 口述历史: 穿插了对少数健在的古典摄影工匠的访谈,记录了第一手的操作经验。

作者简介

李清志

建築學者、專欄作家。美國密西根大學建築碩士。現任實踐大學空間設計系系主任。酷愛旅行、攝影、電影。著有《街道神話》、《台北Lost & Found》、《巴哈蓋房子》、《都市偵探學》、《建築電影院》......等書。

目录信息

读后感

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用户评价

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我是一个对战后现代主义建筑风格特别感兴趣的业余爱好者,我通常更关注宏伟的公共建筑或是前卫的住宅设计。这本摄影集却将我的注意力拉回到了那些“基建”层面,那些我们通常认为是“纯粹功能性”的构造物。这本书的成功之处在于,它成功地模糊了功能与美学之间的界限。你看到那些支撑起整个交通网络的桥墩、涵洞和隧道入口,它们的设计逻辑虽然是效率和承重,但在镜头下,却展现出一种惊人的几何力量和纪念碑式的庄严。特别是书中收录的几张黑白照片,对比度极高,光影的运用使得这些结构仿佛从二维平面中挣脱出来,具有了雕塑般的立体感。它让我重新审视了“实用主义”美学在特定历史条件下的爆发力。这不仅仅是一本关于建筑的书,它更是一本关于人类如何用最基本的材料去征服和塑造环境的史诗。

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购买这本书纯粹是出于好奇,因为我对“散步”这个词的意象很感兴趣,想象着这是一种非常闲适、随意的探索。读完后发现,这种“散步”是极具目的性的,但却是以一种漫不经心的方式来完成的。摄影师似乎总是在最不经意间捕捉到了最佳瞬间,比如清晨薄雾中依稀可见的远方站台,或是午后阳光穿过百叶窗投射在水泥地面上的光斑。它成功地捕捉到了一种“时间静止”的感觉,仿佛整个世界在那一刻都为这些铁与石的造物驻足。与那些追求炫酷角度和爆炸性色彩的摄影作品不同,这本书的色调是克制且内敛的,大多采用低饱和度的暖灰或冷蓝,非常符合它所描绘的主题——一种沉淀下来的、被岁月打磨过的质感。它像是一首低吟的叙事诗,不求震撼,但求触动内心深处对“根基”和“连接”的原始情感共鸣。

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我最近刚读完一本关于城市规划史的学术著作,相比之下,这本书的阅读体验简直是泥土与云端的区别。那本学术书充满了严谨的年代划分、设计规范和功能分析,读完后虽然知识量暴增,但总觉得少了点“人情味”。而这本收录了众多影像的作品,则完全走的是另一条路子,它关注的似乎是那些被主流历史叙事忽略的“基础设施的诗意”。比如,书中有一组照片连续捕捉了不同时段一座桥梁下的阴影变化,那种光影的流动感,细腻得让人屏息。它展示了一种对日常景观近乎偏执的关注,将那些我们每天匆匆走过、视为理所当然的结构,提升到了艺术品的高度。我发现自己开始留意自己通勤路上那些曾经被我无视的角落,思考它们是如何被建造、被使用,以及最终如何被遗忘。这本书的排版设计也极具匠心,留白恰到好处,使得每一张照片都有足够的呼吸空间,不会让人感到拥挤和压迫,这对于需要细细品味的摄影作品来说至关重要。

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这本摄影集简直是视觉上的享受,特别是对于那些对城市肌理和历史痕迹有着特殊情结的人来说。书中的每一张照片都像是一扇通往过去时间的窗户,那些斑驳的砖墙、锈迹斑斑的铁轨、以及那些静默矗立的信号塔,无不诉说着它们曾经承载过的喧嚣与辉煌。摄影师的构图极为讲究,他似乎深谙如何捕捉光影在粗粝材质上投下的戏剧性效果,即便是阴天拍摄的场景,也透着一股厚重而沉静的美感。我尤其喜欢其中几幅关于老式车站候车室的照片,那种木质的座椅、高高的拱形天花板,让人仿佛能闻到旧时光里煤灰混合着蒸汽的味道。翻阅这本书的过程,更像是一次缓慢的、沉浸式的历史漫步,而不是简单的翻看图册。它没有用冗长的文字去解释每一处建筑的来龙去脉,而是用镜头直接与观者对话,让观者自行去感受那份时间的重量和空间的张力。如果说硬核的建筑史让你感到枯燥,那么这本集子提供的是一种更为诗意和感性的切入点,让你在美的享受中,不自觉地吸收了关于时间流逝的哲学思考。

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坦白说,我本来以为这会是一本比较硬核的铁路迷才会感兴趣的书籍,毕竟“建筑”这个词听起来就有点严肃。然而,这本书的魅力恰恰在于它的“非专业性”——它更像是一位富有品味的旅行家留下的手札。书中对材料纹理的捕捉非常到位,你能清晰地看到不同年代混凝土的粗糙程度、铁轨的锈蚀深度,甚至是维护不善的木质站台上的细小裂纹。这种对细节的执着,营造出一种强烈的真实感,仿佛你能触摸到那些冰冷的金属和坚硬的石头。书中穿插的几篇短文(如果可以称之为短文的话),文字简练,更像是导览员在低语,点到为止,为画面提供了恰到好处的背景光。它没有试图定义“美”,而是展示了“存在”本身的美。对于那些寻求心灵栖息地的人来说,这本书提供了一种非常独特的逃离现实的方式,不需要远行,只需翻开书页,你就能置身于那些被时间遗忘的、充满坚韧生命力的结构之中。

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真心看不起来竖排的字

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第一次看台版书

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