中國美術年表 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:東大

作者:

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:19980000

价格:NT$ 450

装帧:

isbn号码:9789571917009

丛书系列:

图书标签:

• 艺术史
• 中国美术史
• 美术史
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• 中国艺术
• 艺术年表
• 美术年表
• 文化艺术
• 历史
• 绘画
• 雕塑

《中國美術年表》是一部系统梳理中国绘画、雕塑、书法、建筑、工艺等各艺术门类发展脉络的著作。其内容以时间为轴，将数千年来中国艺术的重要事件、代表人物、艺术思潮、风格演变以及代表作品一一呈现，为读者构建了一幅宏大而精细的中国艺术史画卷。 本书的编纂旨在为研究者、学生以及对中国艺术感兴趣的广大读者提供一个清晰、准确、详实的参考工具。它不仅记录了各个时代艺术的辉煌成就，更深入探讨了不同历史时期艺术创作的社会背景、哲学思想、文化交流以及技术革新对艺术发展的深刻影响。 在内容上，《中國美術年表》涵盖了从新石器时代早期萌芽到清末民初的各个重要阶段。 史前时期：追溯早期人类如何通过岩画、陶器纹饰等形式表达对自然和生命的理解，展现原始艺术的质朴与生命力。 夏商周时期：重点梳理青铜艺术的鼎盛，分析其在宗教祭祀、政治权力以及审美意识中的多重意义，以及早期玉器、陶器等工艺的发展。 春秋战国时期：记录诸子百家思想对艺术的渗透，漆器、青铜器工艺的精进，以及楚地艺术的独特魅力，如曾侯乙墓出土文物等。 秦汉时期：深入介绍秦汉帝国雄浑壮阔的艺术风格，如兵马俑的写实主义、汉画像石的叙事性和装饰性、早期绘画的雏形（如帛画）以及陵墓建筑的宏大规模。 魏晋南北朝时期：详述佛教艺术的传入与发展，如敦煌石窟、云冈石窟、龙门石窟的造像艺术，以及玄学思潮对人物画风格的影响，如顾恺之、曹不兴等画家的贡献。 隋唐时期：着重描绘大唐盛世的开放、多元与辉煌。绘画方面，介绍阎立本、吴道子、张萱、周昉等大家的作品风格；雕塑方面，佛教造像技术达到高峰，唐三彩展现了雍容华贵的世俗生活气息；书法方面，颜真卿、柳公权等楷书大家崛起。建筑方面，佛寺、宫殿规模宏大，布局严谨。 宋代：细致展现宋代文人艺术的兴盛，绘画方面，山水画、花鸟画 đạt đến đỉnh cao，如范宽、郭熙、李唐、马远、夏圭、宋徽宗等，以及文人画的理论建树。书法方面，宋四家（苏轼、黄庭坚、米芾、蔡襄）各具特色。陶瓷工艺方面，五大名窑（汝、官、哥、钧、定）代表了中国陶瓷史的最高成就。 元代：分析蒙古族统治下艺术的融合与发展，赵孟頫在继承传统与革新的贡献，以及文人画的进一步发展。青花瓷的出现标志着陶瓷工艺的新里程。 明代：梳理宫廷绘画、文人画、民间艺术的多元发展。唐寅、仇英、文徵明、沈周等吴门画派代表人物的作品，以及景德镇瓷器（如永乐、宣德青花）的精美绝伦。建筑方面，紫禁城的营建展现了明代皇家建筑的宏伟。 清代：关注宫廷绘画（如郎世宁）、扬州画派、海派等不同流派的特点，以及王时敏、王鉴等“清初四王”在山水画上的继承与发展。陶瓷方面，粉彩、珐琅彩等工艺精益求精。书法方面，碑学兴起，为书法艺术注入新的活力。 《中國美術年表》的编排极为严谨，力求科学性和实用性。每个条目都包含清晰的时代背景、关键人物、代表作品及其艺术特点。对于重要的艺术事件，如重要展览、理论著作的问世、重大考古发现等，也进行了详细的记录和介绍。 本书的价值不仅在于其丰富的信息量，更在于其对艺术史发展逻辑的梳理和呈现。它帮助读者理解艺术风格是如何在历史长河中演变、继承、创新与转化的，以及不同时代、不同地域的艺术如何相互影响、彼此促进。通过阅读《中國美術年表》，读者可以系统地了解中国艺术的独特魅力和深厚底蕴，认识到中国艺术在世界艺术史上的重要地位。 这本书为从事中国艺术史研究的学者提供了宝贵的资料和可靠的依据，为艺术院校的师生提供了系统的学习框架，也为每一个热爱中国文化和艺术的读者打开了一扇深入了解中国美学世界的窗口。它是一部集学术性、知识性、资料性于一体的中国艺术史重要参考巨著。

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我花费了好几个下午的时间，沉浸在这本巨著的阅读体验中，不得不说，作者在梳理庞杂史料时的那种抽丝剥茧的能力，简直令人叹为观止。我尤其欣赏它叙事节奏的把握，它并非简单地罗列时间点，而是巧妙地将重大的历史事件、艺术流派的兴衰，与具体艺术家的生平活动穿插叙述，形成了一个立体的时间网络。这种结构安排使得原本可能枯燥的年表，读起来居然有了史诗般的连贯性。书中对于一些关键转折点的论述，角度非常新颖，它没有固守传统的评价框架，而是引入了当时社会思潮、甚至经济基础对艺术创作的影响的考量，使得对某个时期艺术面貌的理解更加深入和多元。我感觉自己仿佛是跟随一位经验丰富的向导，穿越了漫长的时间长廊，每一步都踩在了关键的历史节点上，而不是被一堆冰冷的数据淹没。这种深度的挖掘和有机的组织，是真正体现了作者深厚学养的标志。

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我必须赞扬一下这本书在知识结构上的宏观视野。它没有将目光局限于某个特定的地域或画种，而是展现出一种将中国美术史置于更广阔的文化交流背景下进行审视的格局。在许多时间点上，作者会不着痕迹地提及外部文化对本土艺术的影响与互动，这种跨学科、跨地域的视野，使得中国美术史不再是一个孤立的体系，而是与周边文化乃至世界艺术思潮相互渗透的动态过程。这种全局性的视角，对于理解某些看似突兀的风格变化，提供了极佳的解释框架。阅读下来，我感觉自己对“中国艺术”的理解被极大地拓宽了，不再仅仅局限于传统的山水、花鸟范畴，而是看到了它在不同历史时期所展现出的适应性、创造力以及对外部信息的消化能力。这种高屋建瓴的梳理，让整部作品的份量和深度都得到了质的飞跃。

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这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，那种沉稳又不失典雅的气质，让人一上手就感觉不是一般的工具书。封面选用的材质，带着一种细腻的纹理，触摸起来非常舒服，边缘处理得一丝不苟，看得出出版社在制作上的用心。特别是字体排版的选择，那种古朴又不失现代感的字体搭配，让我想起了一些上世纪中叶艺术史学家的著作，带着一种历史的厚重感。内页的纸张选用也很有讲究，墨色印染得非常清晰，即便是大篇幅的文字也丝毫不觉得累赘。我特意翻阅了几页，即便是那些复杂的年代标记和人名索引，也都排列得井井有条，阅读起来毫无阻碍。从书籍的整体观感来说，它不仅仅是一部资料汇编，更像是一件精心制作的艺术品，光是放在书架上，都能提升整个空间的格调。这种对细节的执着，让人对书的内容也自然而然地抱有了极高的期待，仿佛握在手中的就是一部凝练了无数心血的学术结晶。

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这本书的行文风格给我的感受是极其独特的，它不像某些严肃的学术专著那样板着面孔，而是带着一种温和而坚定的引导性。作者的笔触老辣，在处理那些充满争议或记载模糊的艺术史节点时，展现出了极高的学术克制力。他倾向于呈现不同的学说观点，而不是武断地下结论，这为读者留下了广阔的思考空间。例如，在描述某个风格转型期的作品归属问题时，作者不会直接盖棺定论，而是会列出支持和反对意见，并简要说明其背后的逻辑依据。这种“对话式”的叙述，极大地增强了阅读的参与感，使得我作为一个读者，不再是被动的接受者，而是主动参与到历史的“再探讨”过程中。这种成熟的学者风范，让阅读体验充满了启发性和辩证性，远超我预期的知识传授范畴。

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作为一名长期关注古代艺术史研究的业余爱好者，我最关心的始终是资料的准确性和引用的权威性。坦白说，在开始阅读之前，我内心是存有一丝疑虑的，毕竟要涵盖如此宏大的时间跨度，保持绝对的精确性是极具挑战性的。然而，这本书在每一个关键人物或重要展览的记录上，都展现出了令人信服的考据功底。它不仅仅记录了“发生”，更似乎尽力去还原了“如何发生”，比如某些作品的首次展出记录，或者某个流派在特定地域萌芽的早期迹象，都有着旁人难以触及的细微之处。这种对细节近乎偏执的追求，极大地提升了本书作为参考工具的价值。它不是那种浮光掠影的概览，而是扎根于一手材料的扎实构建，让人在查阅特定年代信息时，能够建立起强烈的信任感，知道自己所获取的，是经过多方交叉验证的可靠信息。

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大概都是傅抱石的吧，翻了民國叢書本。

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