具体描述
The period of musical history from c. 1750 to c. 1830, generally known as the "Classical" era, gave birth to a body of works that has come to be regarded as the indestructible foundation of the modern repertory of Western Music. It is the period of such masterpieces as Mozart's "The Magic Flute," Haydn's "The Creation" and Beethoven's "Choral Symphony"; of Gluck's innovative operas and the flamboyant ones of Rossini; and of fascinating and beautiful works of all kinds from such composers as C.P.E. Bach, Weber, and Schubert. But as Julian Rushton reminds us, there are many composers less celebrated today (Jommelli, Traetta, Hummel, Spontini, Mehel, to name a few) whose contribution is still being evaluated. Rushton illuminates all of these composers and their works within the cultural background of the Encyclopaedists, of Goethe and Schiller, of Neoclassicism and incipient Romanticism. 50 illus.
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读后感
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用户评价
这本书的开篇给我一种非常强烈的“音乐人类学”的震撼感。我过去听古典乐，总觉得它与我日常生活相隔甚远，是一种遥远、神圣的存在。这本书却将听觉体验拉回到了现实的泥土之中。它没有过多谈论那些著名的“大师”，而是将焦点投向了特定时期“音乐家是如何谋生的”以及“普通民众在哪些场合听到音乐”。比如，它详细描述了文艺复兴时期乐队的构成，以及他们如何在教堂的唱诗班和贵族的宴会上切换角色。作者的叙事风格极其生动，仿佛在重现历史场景，让你能“听”到那些被历史尘埃掩盖的，更具生活气息的音乐片段。我原本以为这会是一本枯燥的社会史著作，但作者的文字极富画面感，他描述的管风琴的轰鸣，或是小提琴在高音区那种略带嘶哑的质感，都让人身临其境。我读这本书，不是为了学习如何分析和声，而是为了理解古典音乐是如何融入社会肌理的。它让我明白，那些今天被奉为经典的“高雅艺术”，在当年可能只是贵族生活的一部分背景音。这本书对我最大的启发是，要真正欣赏古典音乐，必须先了解它产生的土壤。它没有直接教我听懂奏鸣曲，但它让我明白了，为什么奏鸣曲会在那个特定的时代被发明出来。这种由外向内的探索方式，比单纯的理论讲解要有趣得多。
评分这本书的纸质版本做得很精致，封面材质有一种类似皮革的触感，散发着一种老图书馆特有的干燥而略带霉味的芳香——虽然我是在新书店买的，但这种感觉可能是作者文字带来的心理投射吧。我一直是个“旋律至上”的听众，喜欢那些有明确主题、容易哼唱的曲子，比如莫扎特的安魂曲或者肖邦的夜曲。我期待这本书能帮我系统地“解码”那些结构复杂的奏鸣曲或协奏曲，教我如何在错综复杂的对位中抓住主线。然而，这本书的结构完全是碎片化的，它没有采用通用的体裁分类法，而是选择了一系列“关键的瞬间”进行深度剖析。比如，它用了一整章来分析贝多芬晚期弦乐四重奏中“不和谐音的自我解决”这一现象，描述之细致，简直像是在做音乐的解剖。作者的笔触非常冷静、客观，几乎没有使用任何带有感情色彩的形容词，全篇充斥着严密的逻辑推导和对乐谱细节的引用。这对于我这种更偏向感性体验的听众来说，阅读起来需要极大的专注力，我经常需要对照着我手机上的乐谱软件，才能跟上作者对某个小节内声部交织的描述。这本书无疑是学术界的瑰宝，它为你提供了分析的工具，但它不会为你提供倾听的慰藉。它更像是一本精密的工程手册，而不是一本浪漫的指南。
评分坦白讲，我购买这本书纯粹是出于一种“凑单”的心态，当时在网上看到它的销量不错，而且“古典音乐”这个标签总给人一种高雅和永恒的感觉，觉得放在书架上提升一下文化品味也未尝不可。拿到手后，我发现这本书的装帧风格极其朴素，甚至可以说有些“反潮流”，厚实的米白色纸张，没有花哨的插图，只有密密麻麻的文字和少数手绘的乐谱草图。我原本对古典音乐的认知停留在维也纳金色大厅的圣诞音乐会那种温馨愉悦的层面，希望这本书能帮我识别出不同乐器组的音色差异，理解交响乐团的构成。但这本书的重点似乎完全偏离了这些“基础知识”。它花了极大的篇幅去剖析特定历史时期（尤其是洛可可和巴洛克早期）的赞助人制度，以及宫廷政治如何直接塑造了音乐的题材和篇幅。作者的论述视角非常社会学和历史学，他似乎更关注“谁付钱，所以音乐听起来是什么样子”，而不是“这首曲子本身有多好听”。这让我这个只想放松听音乐的读者感到一丝困惑，因为我一直在寻找的“如何欣赏”的技巧，在这本书里被“历史背景”和“赞助人权力结构”所取代。不过，从另一个角度看，这种深入到文化根基的挖掘，确实拓宽了我的视野，让我意识到音乐的诞生从来不是真空中的艺术行为。
评分这本书的封面设计真是太引人注目了，那种深沉的墨蓝色背景，配上烫金的古典乐谱线条，一下子就抓住了我的眼球。我是在一家独立书店偶然翻到它的，当时正对着“古典音乐”这个标签发呆，寻找一些能让我心灵沉静下来的读物。拿到手里，沉甸甸的质感告诉我这不是一本轻飘飘的入门指南。我当时对古典音乐的了解仅限于耳熟能详的几首曲子，所以满心期待它能带我进入一个更深邃的世界。翻开扉页，扉页的设计也极其考究，是那种微微泛黄的纸张，散发着一种历史的厚重感。我原本以为会看到大量的作曲家生平和作品年表，毕竟书名如此直白，但出乎意料的是，开篇更多的是对“音乐的本质”以及“听众心理”的哲学探讨。作者的语言非常优美，像是在用散文而非学术论文的方式来引导你思考，比如他对巴赫赋格曲中那种数学般精确与神性之间张力的描述，简直让人拍案叫绝。虽然我还没完全读完，但仅从前几章的文笔和布局来看，这本书显然是为那些已经有一定音乐基础，或者愿意投入大量时间去钻研的人准备的。它不提供捷径，而是要求你慢下来，去感受每一个音符背后的意图，这对我来说，既是一种挑战，也是一种极大的享受。它没有直接给我一个清晰的曲目清单，反而像是一位睿智的长者在耳边低语，引导我重新审视自己聆听音乐的方式。这本书的排版也极为舒适，字里行间留白得当，让人在阅读时不会感到压迫，非常适合在午后阳光下，泡上一杯热茶，静静品读。
评分我是在一个关于现代艺术的论坛上被推荐这本书的，当时大家讨论的是如何将抽象的艺术形式转化为可感知的体验。有人提到了这本书，说它在探讨“声音的建筑学”方面达到了一个前所未有的高度。说实话，我对古典音乐的热情更多是来源于影视配乐，比如电影史诗场景中那些恢弘的弦乐，或者某个欧洲艺术电影中用到的晦涩的室内乐片段。我期待这本书能给我一个系统性的框架，让我明白为什么某些特定的和弦进行会产生那种强烈的戏剧张力。然而，这本书的切入点非常“反直觉”。它没有从奏鸣曲式或回旋曲式这些基础结构讲起，而是直接跳到了19世纪中后期，聚焦于瓦格纳对“无限旋律”的追求及其对后世作曲家的颠覆性影响。作者的论述风格极其强硬和个人化，充满了断言式的判断，读起来像是在听一场高水平的辩论，而不是在接受知识的灌输。比如，他对德彪西印象主义和古典结构主义之间微妙的拉扯，分析得入木三分，让我开始反思，我之前听到的那些“朦胧”的色彩感，背后其实隐藏着多么精密的结构计算。这本书的专业术语密度非常高，我时常需要停下来，查阅一些音乐学上的专有名词，这无疑增加了阅读的难度，但也让每一次突破理解的瞬间都充满了成就感。它更像是一部音乐思想史的精炼版本，而不是一本面向大众的“如何欣赏古典乐”的指南。
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