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出版者:Thames & Hudson

作者:David W. Penney

出品人:

页数:224

译者:

出版时间:2004-6

价格:$ 22.54

装帧:Paperback

isbn号码:9780500203774

丛书系列:World of Art

图书标签:

• 北美印第安艺术
• 印第安艺术
• 北美艺术
• 艺术史
• 文化艺术
• 手工艺
• 民族艺术
• 原住民艺术
• 美国原住民
• 加拿大原住民

跨越时空的对话：北美原住民艺术的深邃回响 北美原住民艺术，是一个承载着数千年历史、多元文化和深刻精神世界的宏大命题。它并非单一的风格或主题，而是由北美大陆上无数个各具特色的原住民群体，在各自独特的自然环境、社会结构和信仰体系下，以各自的方式对生命、宇宙以及彼此进行的持续对话。这是一种源自土地，与自然万物紧密相连，并深深扎根于社群生活和精神信仰的艺术表达。 从繁茂的太平洋西北海岸到广阔的平原，从干旱的西南沙漠到寒冷的北极地区，每个地域的原住民社区都发展出了令人惊叹的艺术传统。这些传统体现在从宏伟的图腾柱、精美的珠绣服饰，到实用而充满象征意义的陶器、篮筐，再到神秘而仪式性的面具和雕塑等方方面面。它们不仅仅是装饰品，更是承载着历史记忆、传说故事、宇宙观念、社会地位和个人身份的载体。 在太平洋西北地区，图腾柱以其高耸的姿态和栩栩如生的动物造型，记录着氏族的起源、历史事件以及祖先的功绩。雕刻在红松木上的翱翔的鹰、潜游的鲸鱼、威严的熊，以及那些神话传说中的生物，它们不仅是艺术品，更是连接过去、现在和未来的精神桥梁。海达族、特林吉特族、夸夸嘉的赫族等民族的雕刻技艺精湛，色彩鲜艳，线条流畅，充满了生命力。他们对于动物形态的细致观察和对神话象征的深刻理解，赋予了这些作品独特的视觉冲击力和精神内涵。 转向内陆平原，马匹的出现彻底改变了原住民的生活方式，也深刻地影响了他们的艺术表达。马鞍、马具、盾牌、服装上的精美珠绣和兽皮绘制，成为展现个人成就、部落身份和勇气的画布。用贝珠、兽牙、羽毛等装饰的服装，色彩斑斓，图案复杂，讲述着勇士的故事、成功的狩猎经历以及对精神世界的敬畏。尤其是印第安战马文化，其艺术表现力在这些物品上得到了淋漓尽致的体现。 西南地区的普韦布洛印第安人，如祖尼族、霍皮族、纳瓦霍族等，以其精湛的陶器和地毯编织闻名于世。普韦布洛陶器，以其优雅的造型、细腻的纹饰和独特的烧制工艺，展现了原住民对自然材质的深刻理解和对美的追求。黑白相间的几何图案、寓意深远的动物和神灵形象，都凝聚着制作者的心血和智慧。而纳瓦霍地毯，则以其鲜艳的色彩、复杂的图案和坚固的质地，成为世界闻名的艺术品。这些地毯不仅仅是保暖的工具，更是承载着纳瓦霍人对宇宙秩序、自然力量和精神信仰的理解。 再往北，北极地区的原住民，如因纽特人，在极端严酷的环境中创造出了独特而令人惊叹的艺术。他们利用海象牙、鲸鱼骨、驯鹿角等天然材料，雕刻出栩栩如生的动物形象，以及反映日常生活、神话传说和精神世界的雕塑。这些作品往往简洁有力，线条流畅，充满了对自然力量的敬畏和对生命的深刻体悟。那些描绘北极熊、海豹、驯鹿的雕刻，以及那些象征着萨满力量和祖先精神的面具，都展现了因纽特人独特的艺术视角。 北美原住民艺术，其核心价值在于它与精神世界的紧密联系。许多艺术品并非仅仅为了观赏，而是服务于宗教仪式、庆典活动、部落会议以及个人成长过程中的重要仪式。面具是这种联系最直接的体现，它们是神灵、祖先或动物灵魂的载体，在舞蹈和仪式中，佩戴者通过面具与超自然世界沟通，传递信息，祈求祝福，或是驱除邪恶。这些面具的设计往往极其复杂，融合了象征性的色彩、形状和材质，力求在视觉上和精神上唤起观者的敬畏之心。 此外，艺术在北美原住民社会中扮演着重要的教育和传承角色。通过视觉叙事，古老的传说、历史事件、行为规范以及生存智慧得以代代相传。一件雕刻、一幅图画、一首歌曲，都可能蕴含着丰富的知识和教诲。这种“看”与“学”的融合，使得艺术成为一种活态的文化传承方式，确保了各个社区的独特身份和文化连续性。 然而，理解北美原住民艺术，也需要超越单纯的审美层面。我们需要认识到，这些艺术品是在特定的历史、社会和文化背景下被创造出来的。殖民主义的到来，对原住民社区和他们的艺术传统造成了巨大的冲击。许多传统技艺濒临失传，艺术品被掠夺，文化习俗遭到压制。尽管如此，北美原住民艺术展现出了惊人的韧性和生命力。许多艺术家在保留传统技艺的同时，也积极探索新的材料和表现形式，将传统精神与现代观念相结合，创作出既根植于历史，又面向未来的艺术作品。 可以说，北美原住民艺术是一部用视觉语言书写的厚重史诗，它讲述着关于起源、迁徙、适应、抗争和永恒的故事。它邀请我们去倾听那来自土地深处的呼唤，去感受那与万物生灵共生的智慧，去理解那在变化中保持不变的精神力量。这是一场跨越时空的对话，一个让我们得以窥见人类创造力与精神世界无限可能性的窗口。

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我向几位对人类学和早期美国历史感兴趣的朋友推荐了这本书，反响都出奇地好，原因在于它的知识体系构建得非常立体。它不仅仅展示了艺术作品，更构建了一个由地理、气候、宗教信仰和部落互动构成的复杂网络。作者在描述艺术品的流变时，巧妙地植入了关于贸易路线、民族迁徙和部落间联盟与冲突的信息，让你在欣赏一件精美头饰的同时，也无形中了解了数百年间大陆内部权力关系的微妙变化。这种“背景知识的自然渗入”是教科书式写作难以达到的效果。特别是关于北美西海岸部落在渔业丰收时举行的盛大宴会（Potlatch）艺术品记录部分，描绘了面具、歌谣和食物分配之间的相互作用，那种宏大、复杂的仪式场景被清晰地还原出来，让人仿佛置身其中。这本书的价值在于，它成功地将一个庞大的、多样的文化群体，通过其物质创造物这条线索，整合成了一部既宏大又充满个体细节的史诗。

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这本书对我最大的启发在于它对“功能性”和“审美性”之间关系的重新定义。我们习惯于将“艺术”与“纯粹的美学追求”挂钩，但这本书反复提醒我们，在北美原住民的语境中，这两者几乎是无法分割的。一件精美的贝壳串珠裙，其图案的复杂程度和色彩的搭配，不仅是身份的象征，也是对特定季节、特定仪式场合的精确反映。书中对不同地域纺织品纹样的分析尤为细致入微，比如平原部落的毯子与大湖区部落的瓦姆邦（Wampum）带，它们各自的编织密度、材料选择，都直接服务于其承载的政治、历史叙事功能。阅读过程中，我不断地去思考，我们现代人对“艺术品”的定义是否过于狭隘？这些被创造出来的物件，它们在完成了实用功能后，如何还能成为凝聚社群精神力量的核心载体？这种深度的人类学视角，使得原本可能枯燥的工艺介绍，变得充满了生命力和深刻的哲学意味。它迫使我重新审视自己家中那些“纯装饰性”的摆件，思考它们是否也遗失了某种与生活本质的连接。

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翻开这本书时，我立刻被它那种近乎粗粝的真实感所吸引。市面上很多关于原住民艺术的出版物往往过度“美化”或“浪漫化”了对象，试图将这些文化塑造成某种完美的、永恒的“他者”。但这本作品的视角显然更加锐利和诚恳。它毫不回避地探讨了殖民主义对艺术形式的冲击与重塑。例如，书中对十九世纪后期进入白人收藏体系的雕刻品所做的分析，就非常到位地指出了“商品化”如何改变了艺术品的原始功能和象征意义——原本用于部落仪式的物件，如何被简化成可以在市场上交易的“异国情调”符号。更让我印象深刻的是，它引入了大量当代艺术家的声音。通过穿插当代雕塑家和装置艺术家的访谈片段，书籍成功地构建了一条从传统到现代的动态时间线。这些现代艺术家的作品，有的直接回应了祖先的技艺，有的则用批判性的视角解构了既有的文化标签。这种跨越代际的对话，使得整本书的基调不再是怀旧的挽歌，而是一份充满生命力的文化宣言，让人感受到一种历经磨难后依然强劲的文化韧性。

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这本画册，坦率地说，远远超出了我对于一本关于“北美印第安艺术”主题书籍的期望。我原本以为会看到一系列按时间或地域分类的、相对平铺直叙的图像罗列，也许附带一些标准的学术注释。然而，这本书的编排方式简直像是一场精心策划的视觉漫步。作者的叙事功力非常了得，他们没有仅仅停留在描述一件陶器或一幅挂毯的技艺上，而是巧妙地将艺术品置于它们被创造出来的社会、精神和生态环境中去解读。举例来说，对于普韦布洛族（Pueblo）的彩陶，书中花了大量的篇幅去探讨其几何图案如何与当地的水文和天文现象产生深层关联，那种将日常生活的必需品提升到宇宙秩序象征的描绘，令人叹为观止。我特别欣赏其中关于口述历史与视觉表现之间张力的分析，它揭示了许多“纯粹的装饰性”元素背后蕴含的复杂谱系和伦理教诲。书中的摄影作品，色彩还原度极高，细节丰富到几乎可以触摸到材料本身的质感，尤其是一些早期十九世纪的植物染料和羽毛工艺品的特写，展现了材料科学和美学表达的完美结合。总而言之，它不是一本艺术史的教科书，更像是一部人类学和美学交织的、极具洞察力的田野调查报告。

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关于这本书的装帧和排版，我必须给予高度赞扬。在如今这个充斥着廉价印刷品的时代，这本书展现了一种对“物”本身的尊重。纸张的选择极佳，那种略带粗糙感、吸光性好的哑光纸，完美地承载了大量深色调的木雕和皮革制品图像，避免了商业画册中常见的油光发亮、细节丢失的问题。设计上的克制感也值得称道。大量的留白运用，不是为了简约，而是为了给每一件作品预留出“呼吸”的空间，让观者的目光能够沉浸其中，细细品味那些被忽视的边缘细节。例如，有一组关于西北海岸图腾柱（Totem Poles）的俯拍照片，其构图充满了现代主义的张力，而文字说明却保持了极度的简洁，几乎不带评判色彩，仅仅是提供最基础的语境信息。这种“少即是多”的设计哲学，恰恰是对那些复杂、多层次的艺术语言最好的致敬。阅读过程体验极佳，无论是手持翻阅，还是平摊在桌上学习，都有一种庄重且令人愉悦的触感。

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