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出版者:THAMES & HUDSON

作者:WEILL,ALAIN

出品人:

页数:160

译者:

出版时间:20040401

价格:NT$ 382

装帧:

isbn号码:9780500301166

丛书系列:

图书标签:

• 图形学
• 计算机图形学
• 图像处理
• 视觉效果
• 渲染
• OpenGL
• DirectX
• 游戏开发
• 设计
• 动画

《视界：光影的语言与创意的编织》 本书并非一本关于图形学或数字图像处理的学术著作，也无关乎任何特定书籍的介绍。相反，《视界》是一次深入探索视觉传达力量的旅程，一次对人类感知世界、表达情感以及构建意义方式的细致梳理。我们生活在一个被视觉信息淹没的时代，从古老的洞穴壁画到瞬息万变的社交媒体动态，人类对“看”的依赖和对“画”的创造从未停止。这本书旨在揭示隐藏在这些视觉表象背后的原理，以及它们如何潜移默化地塑造我们的思维、影响我们的决策，并最终定义我们对现实的理解。 《视界》将从人类视觉系统的生理基础出发，但绝不止于此。我们会剖析眼睛如何捕捉光线，大脑如何解析色彩、形状和空间，以及这些基本机制如何构建起我们丰富多彩的感知世界。然而，这本书的真正核心在于“创意”——那种将平凡元素转化为非凡体验的魔力。我们将深入研究构图的艺术，探讨线条、点、面如何引导观众的目光，制造张力，传递情绪。色彩的心理学将被详细阐述，分析不同色调如何唤起特定的情感反应，它们在品牌营销、艺术创作乃至日常生活中扮演的角色。 本书将带领读者穿越历史的长河，回顾视觉表达的演变。从古代文明的象征符号、宗教艺术的叙事方式，到文艺复兴时期透视法的革命性突破，再到现代主义对形式和抽象的探索，我们见证了人类如何不断地挑战和拓展视觉语言的可能性。我们将考察印刷术的兴起如何改变了信息的传播方式，摄影的出现如何重塑了我们对真实性的认知，而数字时代的到来又如何催生了全新的视觉媒介和创作范式。 《视界》的独特之处在于其跨学科的视角。我们不会局限于单一的领域，而是将目光投向艺术史、设计理论、心理学、符号学，甚至人类学。通过借鉴不同领域的洞见，我们将揭示视觉创作中普遍存在的规律和策略。例如，我们将讨论“格式塔心理学”原则如何在平面设计中被巧妙运用，以创造清晰、易于理解的视觉信息；分析叙事结构如何影响观众对图像内容的解读；探讨光影对比如何制造戏剧性，引发观众的情感共鸣。 本书还包含大量引人入胜的案例研究。我们将分析那些令人印象深刻的广告海报、标志性电影的视觉风格、触动人心的摄影作品，以及在建筑、时尚、产品设计等领域的杰出范例。通过解构这些成功的视觉作品，读者将能学习到它们背后的设计思维、创意过程以及它们之所以能够产生强大影响力的原因。我们会深入探究设计师和艺术家是如何通过对视觉元素的精妙运用，来传达品牌理念、讲述故事、引发思考，甚至改变世界的。 《视界》强调实践的重要性。在理论探讨之外，本书将提供一系列启发性的练习和思考题，鼓励读者将所学知识应用于自己的创作和观察中。无论你是对艺术设计充满热情，还是希望提升自己在日常沟通中的视觉表达能力，亦或是仅仅想更深入地理解我们所处的视觉化世界，《视界》都将为你提供宝贵的视角和实用的工具。 这本书是一扇窗，让我们得以窥见视觉创作的深邃世界。它不是关于“做什么”的技术手册，而是关于“为什么”和“如何”的深度解析。它旨在激发读者的好奇心，培养读者的审美能力，并鼓励读者成为更具创造力、更具洞察力的视觉表达者。在《视界》中，你将学会如何“看”得更深，“想”得更广，并最终用视觉的力量去编织属于自己的精彩。

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我对这本书的整体评价是，它更像是一次昂贵的“概念艺术品”展示，而非一本实用的参考书或深入的研究专著。它的价值似乎在于它所引发的讨论，而不是它本身所包含的论据。书中对于“符号的消解”的探讨，最终以符号自身的消解告终，这或许是作者的某种高明之处，但对我这样的务实派读者而言，这无疑是灾难性的。我读完后没有获得任何新的工具，没有掌握任何新的理论框架，甚至连对“图形”这个词汇的理解都没有变得更加清晰。相反，我产生了一种强烈的“认知疲劳”，感觉自己被卷入了一场无休止的、没有明确终点的智力游戏。如果目标是挑战读者的认知边界并展示作者的博学，那么它无疑是成功的；但如果目标是作为一本关于图形领域的严肃论著来构建知识体系，那么它完全是失败的，因为它回避了清晰性、系统性和实用性这些核心要求，最终留给读者的，只是一堆闪烁着光芒却无法点燃任何事物的碎玻璃。

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这本书的排版和视觉呈现本身也构成了一种挑战，这对于一本讨论“图形”的书来说，简直是一种讽刺。内部插图——如果可以称之为插图的话——少得可怜，而且那些为数不多的图例也显得极其模糊，像是用老旧的扫描仪处理过的黑白素描，几乎无法提供任何实质性的视觉辅助。更令人费解的是，作者似乎认为任何图示都是对纯粹思想的污染，因此宁愿用冗长的文字去描绘一个本可以用一张简单的流程图或示意图来清晰表达的概念。这种对视觉辅助的极度排斥，使得书中许多关于结构、联系和演变的论述，在读者的脑海中始终无法形成一个稳定的图像。我试图在脑海中为他描述的那些复杂的互动模型构建一个模型，但由于缺乏任何可靠的视觉锚点，我的想象力很快就迷失在文字的海洋里。整本书读下来，感觉像是在用耳朵听一篇关于建筑设计的讲座，而演讲者坚决不许你去看任何蓝图。

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这本书的叙事节奏，用“断裂”来形容都显得过于客气了，简直就是一部被无数次剪辑打乱的蒙太奇电影。作者似乎对线性叙事抱有深刻的仇视，章节之间的跳跃毫无预警，上一个段落还在讨论文艺复兴时期的透视法，下一个瞬间就跳跃到了赛博朋克美学的社会批判，中间完全缺乏必要的过渡桥梁。这种结构上的混乱，使得我作为一个渴望系统化知识的读者感到极度挫败。我试着用逻辑去梳理这些散落的珍珠，但它们似乎更倾向于黏附在自己随机的位置上，拒绝被串联成一条有意义的项链。书中充满了大量的脚注，这些脚注本身又引入了更多的次要论点和未经验证的引述，使得主文本的阅读体验雪上加霜。我花了大量时间试图搞清楚，作者引用的那些晦涩的符号学理论，究竟是如何服务于他最终想要表达的“图形”的本质的。遗憾的是，这种联系始终是模糊不清的，更像是一种作者强加给读者的联想练习，而非清晰的知识传授。这本书需要的不是批判性思维，而是超凡的耐心和对模糊性的极度宽容。

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这本书，恕我直言，简直是一场思维的迷宫探险，而且是那种没有地图的探险。我本以为会读到一些关于视觉传达或者设计原理的扎实论述，毕竟书名听起来颇具指向性，但实际内容却像是一场意识流的马拉松。作者似乎沉迷于探讨“存在”与“表象”之间的哲学鸿沟，用大量晦涩难懂的比喻来描述一个本应是具体、直观的领域。例如，书中用了一整章去分析一个不存在的“零度色彩”的形而上学意义，那段文字读起来，感觉像是在听一位醉酒的诗人吟诵古代的咒语。我的笔记本上画满了问号，因为书中的论证链条常常在关键时刻断裂，留下读者在逻辑的悬崖边上抓耳挠腮。如果我想要的是一本严肃的、能指导我实践的专业书籍，这本书无疑是南辕北辙的。它更像是一份深度加密的私人日记，充满了只有作者自己才能理解的符号和隐喻。我甚至开始怀疑，作者是否真的对“图形”这个概念有清晰的界定，或者他只是借用了这个词汇来包装他内心深处对宇宙终极奥秘的徒劳追寻。阅读体验是极其消耗精力的，读完某一章节后，我常常需要暂停数小时，去回忆我到底读了些什么，以及这些内容和我最初的期望有多么遥远。

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如果说一本好的技术或理论书籍应该提供清晰的框架和可操作的洞察，那么这本书就像是一张过于精美但完全无法辨认的地图。它的语言风格华丽到近乎矫揉造作，充斥着大量不必要的形容词和陈旧的修辞手法，仿佛作者正在努力模仿十九世纪的散文大家，却忘记了现代读者的专注力已经大大缩短。每一句话都似乎被精心雕琢过，力求达到某种文学上的“高度”，但其后果却是牺牲了信息传递的效率。我反复阅读了关于“空间折叠”的那几页，试图从中提取出任何可以应用于实际设计流程的步骤或原则，结果一无所获。那里面的描述更多是关于一种“感受”或“顿悟”，而不是一套可以学习和重复的方法论。这让我不禁怀疑，作者是否真正理解他所探讨的主题，还是仅仅在展示他词汇的丰富性。对于一个希望提升技能或深化理解的读者来说，这本书提供的“养分”极其稀薄，更多的是一种智力上的“饱腹感”，但这种饱腹感很快就会被饥饿感取代，因为你根本没有摄取到真正有用的东西。

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