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出版者:JOHN WILEY

作者:Ching, Francis D. K.

出品人:

页数:208

译者:

出版时间:1989-9

价格:344.00元

装帧:

isbn号码:9780471289685

丛书系列:

图书标签:

• 建筑
• 绘画
• 素描
• 速写
• 艺术
• 技巧
• 教程
• 创意
• 设计
• 插画
• 手绘

《Drawing》这本书，就如同一扇开启奇妙视觉世界的门扉，它并非一本讲述故事的书，也非一本深入探讨某个科学理论的书。它所呈现的，是一场关于“如何看见”的旅程，一次关于“如何表达”的探索。 想象一下，你眼前是一片生机勃勃的景象：一棵古老的橡树，它的枝干遒劲有力，每一片叶子都沐浴着阳光，在微风中轻轻摇曳。又或是，一位孩童，他的眼神中充满了好奇与纯真，嘴角扬起的微笑如同春日里初绽的花朵。这些在我们日常生活中再平常不过的画面，却蕴含着无穷的细节和生命力。而《Drawing》这本书，便是为你揭示捕捉这些瞬间的奥秘，将内心的感受、眼睛所见的真实，转化为线条与形体，赋予它们生命。 本书的精髓，在于它循序渐进地引导读者去观察。它并非让你死记硬背多少种画法，而是教会你如何“看”。你会了解到，一棵树并非只是一个绿色的轮廓，而是由无数错综复杂的枝干、纹理各异的树皮、以及光影交织的叶片组成。你会学会如何区分不同的纹理，如何感知物体的体积感，如何捕捉光线在物体表面留下的痕迹。这是一种对世界的细致入微的审视，一种发现隐藏在平凡之下的不凡的眼光。 随着观察的深入，书本会引导你进入“如何表达”的阶段。这里没有华丽的辞藻，只有直接而有效的技法。你将学习到如何运用不同的线条来描绘不同的质感：粗犷的线条可以表现力量，细腻的线条可以展现柔美；断续的线条可以营造节奏，连续的线条可以勾勒轮廓。你会探索如何运用明暗关系来塑造物体的立体感，让二维的纸面上的图像跃然纸上。阴影的深浅，高光的明暗，都将成为你表达情感的画笔。 本书并非局限于某种特定的绘画风格或媒介。无论是铅笔的素雅，炭笔的醇厚，还是彩铅的绚烂，它都为你提供了基础的视角和方法。它鼓励你尝试，鼓励你犯错，更鼓励你在错误中学习。因为绘画本身就是一个不断尝试、不断修正的过程，就像一个孩子学习走路，跌倒了再爬起来，每一次的尝试都让你离目标更近一步。 《Drawing》的内容，就像是为你搭建了一个坚实的地基。在这个地基之上，你可以自由地建造你心中的任何画面。你可以描绘你对大自然的敬畏，对人性的赞美，对生活的热爱。你可以用画笔记录下那些转瞬即逝的情绪，那些深藏心底的故事。它为你提供的是一种语言，一种不需言语就能沟通心灵的语言。 这本书所传达的，是一种关于耐心和专注的力量。在快节奏的现代生活中，我们常常忽略了慢下来的美好。而绘画，恰恰提供了一个让你沉浸其中的空间。当你的目光聚焦在纸上的每一条线条，你的思绪会逐渐沉静，只剩下你与作品之间的对话。这种专注，不仅能让你在绘画中获得乐趣，更能让你在日常生活中学会更加沉静地面对挑战。 《Drawing》并不要求你成为一位艺术家，它只是希望你能通过绘画，重新认识和连接这个世界。它让你有机会用自己的方式去理解和表达，去感受创造的乐趣，去体验将心中所想化为可见之物的满足。它是一本关于发现、关于学习、关于表达的书，它将陪伴你走过一段充满惊喜的视觉探索之旅。

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这本书的封面设计实在太抓人眼球了，那种**抽象线条的碰撞**和**大胆的色彩运用**，一下子就让我对里面的内容充满了好奇。我本来以为这会是一本专注于传统素描技法的教学书，毕竟“Drawing”这个标题很直白，但翻开内页后，才发现我完全低估了它的深度。它更像是一本关于**视觉思维和感知重塑的哲学导论**。作者没有急于展示复杂的透视原理或光影处理，反而将大量的篇幅放在了“如何去看待世界”这个永恒的命题上。我特别喜欢其中一个章节，探讨了**负空间**如何构建主体，那种对“不存在之物”的强调，让我对构图有了全新的理解。它不是教你如何画得像，而是引导你探索**线条背后隐藏的意图和情绪**。书里穿插了许多不同艺术家的案例，从早期的几何抽象到后来的涂鸦艺术，跨度极大，显示出作者深厚的艺术史功底。阅读过程中，我不断地被提醒，绘画不仅仅是工具的使用，更是一种**与画布进行对话**的过程，那种沉浸式的体验感，让我在合上书本后，看周围的一切都带上了一种审视的、分析的眼光。这本书无疑拓宽了我对“绘画”这个概念的边界认知。

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这本书的排版设计简直是一场视觉盛宴，充满了**设计师的匠心**。它的留白不是简单的空白，而是一种**有目的的呼吸空间**，引导读者的视线在密集的文字和突如其来的、大面积的、可能是无意义的（但极具美感的）黑白图像之间跳跃。我注意到，书中对字体选择的考量也十分精妙，那些用来阐述**动态和速度**概念的段落，使用的字体仿佛带着强烈的运动轨迹，而谈及**静止与永恒**时，字体的结构又变得沉稳而厚重。这种将内容与形式完美融合的做法，在我读过的所有艺术书籍中都属罕见。它不是一本单调的文本载体，它本身就是**一件精心设计的作品**。我记得有一个地方，作者引用了一句关于“视觉噪音”的论述，而紧随其后的页面，却没有任何文字，只有一个**极其精细的、似乎是误印或故意留下的墨点**，这种**元叙事的手法**让我拍案叫绝。它强迫你不要被动接受信息，而是要积极地去“解码”这本书所传达的全部信息，包括那些**被故意省略的部分**。

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读完这本书，我感觉自己像是在参加了一场**高强度的思维马拉松**，而不是一次轻松的阅读体验。作者的文风极具**学者气质和批判精神**，他毫不留情地解构了当代艺术教育中许多被奉为圭臬的“真理”。他挑战了“线条必须是明确的”这种根深蒂固的观念，转而探讨**“模糊性”在表达中的力量**，尤其是在处理复杂人性或不可言喻的瞬间时。书中引用的理论支撑非常扎实，涉及了符号学、现象学乃至一些**后现代解构理论**，使得这本书的讨论层次远超普通绘画教程的范畴。我必须承认，有些地方的论证逻辑过于跳跃，需要反复阅读才能跟上作者的思路，这需要读者具备一定的**学术背景或极强的逻辑推演能力**。但一旦跟上，那种**拨开迷雾见真相**的智力上的愉悦感是无与伦比的。它迫使你跳出“手艺人”的思维定式，以一个**知识体系的构建者**的角度去审视自己的创作行为。

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老实说，我买这本书的时候是带着一点点功利性的目的，希望能快速掌握一些**提高我作品完成度**的技巧，尤其是在处理复杂场景时的布局问题。然而，这本书的切入点是如此的**非主流和概念化**，让我一开始有点摸不着头脑。它更像是一本**艺术批评与个人感悟的集合**，而不是一本“How-to”指南。比如，它花了整整三章的篇幅来讨论“犹豫的线条”的价值，对比了那些果断、精准的下笔，探讨了笔触中断和重叠所蕴含的**叙事张力**。这种探讨的深度，对于追求效率的现代读者来说，可能略显**拖沓和晦涩**。我尝试跟着书中的一些“练习”去实践，但那些练习更像是**冥想的引导词**，要求你停下来，而不是快速地画完一张图。我花了很长时间才明白，这本书的核心目标不是让你“画出东西”，而是让你**“理解为什么想画那个东西”**。对于一个急性子的学习者来说，需要极大的耐心去消化这种**慢节奏的哲学渗透**。不过，当我静下心来，开始品味作者对于“过程大于结果”的执着时，那种被训练出的**观察的敏锐度**，确实在不知不觉中改变了我对草稿的态度。

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这本书最让我感到惊喜的是它对**“材料与身体的关系”**这一主题的深入挖掘。它没有停留在讨论铅笔的硬度或炭笔的细腻度这些表层，而是将注意力放在了**握笔者的手腕、肘部乃至整个躯干**如何参与到线条的生成中。作者描述了不同姿态下画出的线条所携带的**生理信息**，比如疲惫时的松弛感，或是专注时的肌肉紧绷带来的笔触的“锐利度”。书中有一个章节专门讨论了**“站姿绘画”**与**“卧姿创作”**在心理和物理层面上的差异，这对我这个习惯久坐的人来说，简直是醍醐灌顶。它让我意识到，我的绘画姿态无形中限制了我的表达范围。这种将**运动科学与美学**结合的视角，非常新颖且具有极强的**实践指导意义**（尽管实践的方式是改变身体状态而非具体的绘画技巧）。阅读过程中，我甚至能感受到作者在书写这些内容时，身体也处于某种特定的状态，文字的节奏感中似乎也带着**体感的韵律**，这使得阅读体验非常独特，充满了**身体性的共鸣**。

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title不能漏 drawing: a creative process. 10分满分的10分

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