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出版者:W W Norton & Co Inc

作者:Stephen F. Eisenman,Thomas E. Crow,Brian Lukacher,Linda Nochlin,David Llewellyn Phillips,Frances K.

出品人:

页数:428

译者:

出版时间:2002-2

价格:450.00元

装帧:Pap

isbn号码:9780500283356

丛书系列:

图书标签:

• 艺术史
• 社会学
• 艺术史
• 19世纪艺术
• 绘画
• 雕塑
• 建筑
• 印象派
• 现实主义
• 浪漫主义
• 艺术评论
• 西方艺术

《十九世纪艺术》的精美画卷，将带您穿越一个充满变革与创造力的时代。本书并非简单罗列画作，而是深度剖析了十九世纪艺术发展的脉络、思想内核及其对后世的深远影响。 我们将从法国大革命的余波出发，探寻新古典主义在秩序与理性的呼唤中如何重塑古典美学，探讨雅克-路易·大卫的严谨线条如何映照时代的动荡。紧随其后，浪漫主义的火焰熊熊燃起，艺术家们挣脱学院派的束缚，以澎湃的情感、对自然的敬畏和对个体的关注，绘制出如德拉克洛瓦笔下狂野的色彩与戏剧性的叙事。您将了解到，这一时期，艺术不再仅仅是描摹现实，更是表达内心激情与哲学思考的载体。 随后，我们深入光影的世界，剖析写实主义的崛起。古斯塔夫·库尔贝以其对社会底层现实的直接描绘，挑战了传统的审美观念，将劳动者和日常场景提升至艺术表达的高度。我们将细致探讨写实主义如何反映工业革命带来的社会变迁，以及艺术家们如何通过艺术揭示被忽视的真相。 而印象派的出现，无疑是十九世纪艺术史上最耀眼的革命之一。莫奈、雷诺阿、德加等艺术家们对瞬间光影的捕捉，对户外写生的推崇，以及对色彩的全新运用，彻底改变了人们观看世界的方式。本书将深入解析印象派作品中笔触的运用、色彩的搭配以及对“可见”的感知，让您体会到那种“捕捉瞬间”的艺术魅力，并理解他们如何为后来的抽象艺术铺平道路。 除了绘画，本书同样不会忽视雕塑、建筑以及摄影的早期发展。米开朗琪罗的继承者们如何在雕塑领域继续发扬光大？哥特复兴、新古典主义和折衷主义风格如何在建筑中竞相绽放？摄影术的诞生又如何挑战了绘画的记录功能，并催生出新的艺术视角？这些方面都将得到细致的梳理与阐释。 我们将聚焦于时代背景下艺术家们的创作动机与社会环境的互动。无论是拿破仑时代的辉煌与失落，还是19世纪欧洲各国民族主义的兴起，亦或是科学技术的飞速发展，都深刻地影响着艺术家的思想和创作。您将看到，艺术如何在反映社会现实的同时，也积极参与到对社会问题的思考与批判之中。 本书还将深入探讨各个艺术流派之间的联系与演变。例如，从浪漫主义到写实主义的过渡，以及印象派对传统技法的颠覆，都将为您展现艺术发展的内在逻辑。我们还将讨论那些在艺术史上扮演着重要角色的女性艺术家，以及她们在男性主导的艺术界所面临的挑战与成就。 此外，您还会了解到，十九世纪的艺术并非局限于欧洲。从美国的哈德逊河画派对壮丽自然风光的描绘，到东方艺术对西方艺术家产生的启发，本书力求呈现一个更加多元和包容的艺术图景。 最后，本书将不止步于对十九世纪艺术的呈现，更会引导您思考这些艺术遗产对我们今天的影响。从现代艺术的萌芽，到我们对美的理解，十九世纪的艺术家们留下的印记无处不在。通过这本书，您将不仅获得对那个时代艺术的全面认知，更能培养一种独特的艺术鉴赏能力，以更深刻的视角去理解和欣赏我们身边的世界。这是一次穿越时空的艺术之旅，一次对人类创造力不懈探索的致敬。

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这本《十九世纪艺术》真是一部令人惊叹的百科全书式的著作，它以一种极其宏大且细致的视角，为我们勾勒出了那个风云变幻的时代艺术的全景图。我特别欣赏作者在处理不同艺术流派之间的张力与联系时所展现出的洞察力。比如，书中对浪漫主义那种狂野的、对个体情感的极致颂扬，与紧随其后的现实主义对社会底层生活毫不留情的描摹之间的过渡，分析得入木三分。它没有简单地将这些流派视为孤立的岛屿，而是将其置于一个连续的、相互作用的文化熔炉中去考察。尤其是关于巴比松画派如何受到工业革命后社会变迁的驱动，转而寻求田园牧歌式的庇护，这部分叙述极具说服力。作者巧妙地穿插了大量当时的艺术家书信和评论家的原始文本，使得论述不再是冰冷的学术分析，而更像是一场身临其境的对话。读到中间部分，我仿佛能闻到沙龙画廊里厚重的油彩味，感受到印象派画家们在户外光线下捕捉瞬间色彩时的那种兴奋与叛逆。总而言之，它成功地搭建了一个坚实的历史框架，让读者得以理解，十九世纪的艺术并非一蹴而就的风格更迭，而是一场深刻的、关乎“人是谁”以及“世界该如何被观看”的哲学思辨。

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这本书最让我感到震撼的，是它对“美学革命”背后社会经济驱动力的挖掘。它毫不留情地揭示了资产阶级审美趣味如何一步步主导了艺术的生产与消费，以及艺术赞助人体系的变化如何塑造了艺术家的命运。阅读过程中，我一直在思考，那些看似纯粹的艺术抉择，背后究竟隐藏了多少体制和金钱的影子。尤其是在分析了“学院派”的僵化与“先锋派”的抗争时，作者引用了大量关于艺术品市场价格波动的资料，将艺术史的书写从单纯的风格演变，提升到了社会经济史的高度。这使得我们看待那些“反叛者”的作品时，不再仅仅关注其形式上的创新，更能理解他们挣扎求生的不易。对我个人而言，理解了这种“体制与反体制”的博弈，再去看莫奈或塞尚的作品时，那种对既有秩序的挑战意味就更加清晰和有力了。它教导我们，艺术从来都不是生活在真空中的，它是时代脉搏最敏感的记录者。

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坦率地说，初次翻开这本书时，我有些被其密度给震慑住了。它不像市面上那些轻快的艺术普及读物，它更像是一份严谨的学术地图集，需要你投入大量的时间和精力去细细品味。但一旦沉浸其中，那种知识被层层剥开的满足感是无与伦比的。我尤其赞叹它对于媒介材料的研究深度。例如，书中花了相当大的篇幅来探讨摄影术的兴起对传统绘画，特别是肖像画领域带来的颠覆性冲击。作者没有止步于“摄影取代了写实”这种老套的结论，而是深入挖掘了画家们如何通过变形、主观化色彩等方式来重新定义“真实”。这种对技术与艺术本体论相互影响的探讨，极大地拓宽了我的认知边界。此外，书中对中欧和北欧地区一些相对小众的艺术运动也有所覆盖，这使得整本书的视野不再仅仅局限于巴黎或伦敦，而是真正展现了十九世纪欧洲艺术思潮的多元化和复杂性。对于严肃的艺术史学习者来说，这绝对是案头必备的工具书，它的索引和参考资料部分的设计也极为考究，方便随时回溯查证。

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我必须承认，这本书的叙事节奏非常独特，它更倾向于并置而非线性叙事。这对于习惯了传统时间线索的读者来说，或许需要一些适应。例如，它可能在同一章中跳跃性地讨论了维多利亚时代英国的道德艺术和法国的象征主义，并以“对启蒙运动理性主义的反思”作为连接点。这种非线性的结构，虽然偶尔会让我感到思维需要快速切换，但好处是能更有效地揭示跨国界、跨主题的文化共振。它像一个巨大的复调音乐作品，不同的声部（不同的国家、流派、主题）在不同的时间点交织、呼应，最终汇成一曲宏大的时代交响乐。我尤其喜欢它对“异国情调”（Orientalism）这一主题的批判性分析，它不仅展示了西方如何“观看”东方，更探讨了这种观看如何固化了殖民心态和权力结构。这种解构式的写作手法，让一本看似传统的艺术史著作，焕发出了强烈的当代批判精神。

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如果要用一个词来概括我的阅读体验，那就是“深邃的细节”。这本书的叙事视角非常灵活，时而高屋建瓴，时而又聚焦于某一个微不足道的细节，而正是这些细节，构成了宏大历史的骨架。我记得有一个章节专门讨论了十九世纪室内装饰艺术和家具设计如何与绘画和雕塑形成一种“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的尝试，特别是瓦格纳理论对设计领域的影响。这个角度非常新颖，它让我们明白，十九世纪的审美追求是渗透到生活的每一个角落的。再比如，书中对“公众领域”艺术的探讨，比如城市纪念碑和公共喷泉的设计，它们如何被用来构建民族认同和历史记忆，这部分内容极具启发性。这本书的魅力在于，它不只告诉你“谁画了什么”，更让你理解“为什么是那个时代的人们，以那种方式去看待和构建他们所处的世界”。它是一本需要反复研读的书，每次重读，都能从那些看似密集的文字和图像对照中，发现新的纹理和意义。

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