HIGH ART LITE: BRITISH ART IN THE 90S. pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:VERSO

作者:STALLABRASS,JULIAN

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:20010101

价格:NT$ 715

装帧:

isbn号码:9781859843185

丛书系列:

图书标签:

• British Art
• 1990s
• Contemporary Art
• Young British Artists
• YBAs
• Art History
• Cultural Studies
• Postmodernism
• Installation Art
• Sculpture
• Painting

HIGH ART LITE: BRITISH ART IN THE 90S. 这是一本深度剖析上世纪九十年代英国艺术景象的画册和评论集。本书将带领读者穿越那个充满活力、变革和国际关注的十年，聚焦于英国艺术领域涌现出的那些引人注目、有时甚至令人瞠目结舌的现象。 九十年代的英国艺术，尤其是在经历了八十年代的“新英国雕塑”（New British Sculpture）运动之后，进入了一个更为多元化、更为关注社会议题和个人叙事的阶段。从“青年英国艺术家”（Young British Artists, YBAs）的横空出世，到他们引发的公众讨论和社会争议，再到艺术市场对他们的热烈追捧，这个时期充满着戏剧性的故事。本书并非仅仅罗列艺术家及其作品，而是试图理解这一现象背后的文化土壤、社会背景以及艺术史发展脉络。 艺术的“轻”与“重” “HIGH ART LITE”这个书名本身就充满了玩味。它暗示着一种对传统“宏大艺术”的解构，一种对艺术边界的挑战，以及一种将艺术带入日常生活、甚至与流行文化进行碰撞的尝试。这里的“LITE”并非指肤浅或轻薄，而是指一种更具可接近性、更直接、更敢于拥抱物质性、甚至有时带点戏谑意味的艺术表达方式。它反映了九十年代艺术界一种新的倾向：不再拘泥于学院派的严谨和深奥，而是更愿意与观众进行直接的情感和观念交流，即便这种交流可能伴随着不安和惊奇。 本书会深入探讨那些标志性的艺术家及其代表性作品。例如，达明·赫斯特（Damien Hirst）标志性的“生者致死”（Pharmacy）系列，用标本和药丸构建的充满仪式感的空间；特蕾西·艾敏（Tracey Emin）直白而极具个人色彩的“我的床”（My Bed），以及她的“不合时宜的日记”（The Unmade Bed）等作品，这些作品以其坦诚和近乎赤裸的自我暴露，重新定义了艺术的边界和主题。此外，还有马修·巴尼（Matthew Barney）虽然并非英国艺术家，但其风格和影响力在一定程度上也与九十年代的艺术思潮相呼应，他的《悬挂》（Cremaster Cycle）等作品所展现的仪式感、生物性和庞大叙事，也为我们理解那个时代的某些艺术取向提供了参照。 挑战与突破 九十年代的英国艺术，尤其是YBAs，以其大胆的材料运用（如甲醛、动物尸体、垃圾、家居用品等）、前卫的观念和强大的媒体运作能力，迅速在全球范围内赢得了关注。本书将分析这种现象是如何发生的。它不仅仅是艺术家的个人才华，也与当时英国的经济状况、文化政策、媒体环境以及艺术机构的支持密不可分。萨奇画廊（Saatchi Gallery）在其中扮演了至关重要的角色，它不仅是YBAs早期作品的重要展示平台，也是他们获得市场认可的关键推手。 本书将审视这些艺术家是如何打破传统艺术的藩篱，将日常物品、身体、情感、甚至禁忌话题带入艺术创作的。他们挑战了艺术的定义，模糊了艺术与生活的界限，也引发了关于艺术品位、道德界限和社会责任的深刻讨论。是“垃圾”还是“杰作”？是“粗俗”还是“先锋”？这些问题伴随着九十年代的英国艺术，本书将力求提供一个多角度的分析，而非简单的价值判断。 文化语境与国际影响 九十年代的英国，在政治上经历了撒切尔主义的余波，经济上逐渐复苏，文化上则呈现出一种新的自信和开放。在艺术领域，这种变化也得到了充分的体现。本书将把英国艺术置于更广阔的文化语境中进行考察，探讨当时的音乐、时尚、电影、文学等领域是如何与视觉艺术相互影响，共同塑造了那个时代的文化面貌。 Britpop 的兴起，以及其所代表的对英国本土文化身份的重新审视，也与艺术界的发展形成了有趣的呼应。 同时，本书也将关注九十年代英国艺术在国际舞台上的表现。YBAs 的崛起，让伦敦再次成为全球艺术的焦点，他们的作品在国际大展、双年展以及拍卖市场上频频亮相，赢得了广泛的赞誉和争议。本书将分析这种国际性的成功是如何实现的，以及它对英国艺术在世界上的地位产生了怎样的影响。 超越标签 尽管“青年英国艺术家”是九十年代英国艺术中最具代表性的标签，但本书的视野并不仅限于此。我们将同时关注其他同样重要的艺术家和艺术运动，他们可能没有被YBAs的光环所完全覆盖，但同样在探索新的艺术语言和表达方式。通过对不同艺术家、不同作品的深入分析，本书力图呈现一个更为全面、更为 nuanced 的九十年代英国艺术图景。 本书旨在提供一种深入的、具有批判性的视角，去理解那个时代英国艺术的复杂性、活力和影响力。它既是对过去的回顾，也是对当下艺术发展的一种反思。通过阅读本书，读者将能够更深刻地理解九十年代英国艺术为何如此引人注目，以及它对今日艺术世界留下了怎样的遗产。

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这本书的结构安排实在巧妙，它避开了传统的编年史叙事，而是采取了一种主题驱动的模式，这让阅读体验变得非常流畅和引人入胜。我发现，作者似乎更关心“氛围”的重构，而不是“时间线”的梳理。他将九十年代的艺术现象解构成几个核心的“情绪区域”——例如，“焦虑的商品化”、“后身份政治的疲惫”以及“数字时代的萌芽”——然后将分散在不同艺术家身上的实践，整合进这些宏大的议题之下。这种处理方式的好处是，它打破了艺术史中常见的门户之见，让不同媒介、不同风格的艺术家可以在同一个思想的框架下进行对话。我尤其欣赏作者在论述中展现出的那种克制而犀利的批判精神，他没有被表面的光鲜所迷惑，而是精准地指出了资本如何巧妙地渗透并重塑了艺术的定义权。阅读这本书，你会深刻地体会到，九十年代的英国艺术，与其说是一场审美革命，不如说是一场权力与资本运作下的文化博弈。对于那些只知道那几位“明星”的读者来说，这本书会带来巨大的惊喜，因为它挖掘出了更多层次的、更具思想深度的艺术实践。

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这本关于九十年代英国艺术的书，真是让人又爱又恨。它不像某些艺术史著作那样，上来就给你灌输一堆枯燥的理论和晦涩的术语，读起来更像是在和一位对那个时代有着深刻洞察力的朋友聊天。作者的叙事节奏把握得相当到位，既有对主要艺术流派和关键人物的梳理，又不乏对当时社会文化背景的细致描摹。我特别欣赏它处理那些“边缘”现象的方式，那些在当时被主流艺术界忽视，但现在看来却至关重要的声音，这本书没有放过。比如，它对YBA（英国青年艺术家）现象的解读，不再是简单地将其归结为哗众取宠，而是深入挖掘了其背后的商业逻辑、媒体推波助澜以及一代艺术家集体焦虑的投射。书中的案例分析极其扎实，引用的画册、展览目录和访谈片段都显示出作者做了海量的案头工作。阅读过程中，我数次停下来，在脑海中重构那些已经消散在历史烟云中的展览场景，那种沉浸感是很少有的。当然，也有些地方让人觉得略微美中不足，比如对于某些女性艺术家的关注度似乎可以再加强一些，但瑕不掩瑜，它为理解后来的当代艺术版图提供了至关重要的坐标系。这本书的价值在于，它不仅仅记录了“发生了什么”，更重要的是解释了“为什么会发生”，那种对时代精神的精准捕捉，令人赞叹。

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这本书的阅读体验更像是经历了一次深入的考古发掘，而不是轻松的浏览。作者的叙事像是一部精心编排的纪录片，充满了转场和蒙太奇效果。他高超地运用了多声部的叙事策略，一会儿是艺术评论家的冷峻剖析，一会儿是艺术家本人的内心独白（通过引用访谈实现），再穿插一些当时媒体报道的片段，使得整个九十年代的艺术图景显得无比丰满和立体。我特别赞赏它对“媒介考古”的关注，探讨了录像艺术、装置艺术在面对电视和互联网兴起时的自我革新与挣扎。书中对那种游走在商业画廊和地下空间之间的模糊地带的描绘，非常到位，那种既想攀登艺术金字塔，又对攀登过程心存抵触的复杂心态，被刻画得入木三分。这本书的篇幅虽然不短，但由于其叙事的张弛有度，阅读的疲劳感极低，反而让人充满探索的欲望。对于任何一个希望超越主流叙事，真正想理解九十年代英国艺术在思想、商业和文化形态上如何完成一次“阵痛式转型”的读者来说，这本书提供了一个极其全面且富有洞察力的视角。

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说实话，我一开始对这个主题并不是太热衷，总觉得九十年代的英国艺术已经被说得太多了，无非就是那几张老面孔和几件臭名昭著的作品。然而，当我翻开这本书的扉页，那种扑面而来的时代气息立刻抓住了我。它的行文风格极其跳跃，如同那个时代本身一样充满活力和不可预测性。作者似乎有一种魔力，能将那些原本冰冷的作品瞬间赋予了鲜活的生命力。他不是简单地陈述事实，而是通过一系列精心设计的对比和反讽，揭示了英国艺术圈内部的张力与矛盾。例如，书中对“城市文化”与“学院派保守主义”之间那场看不见的战争的描述，简直是教科书级别的分析。我尤其喜欢它对视觉语言的探讨，如何通过对材质的偏执、对日常物品的挪用，来挑战既有的美学规范。读到关于特定艺术家的章节时，我感觉自己仿佛置身于那些充满涂鸦、噪音和廉价材料的工作室里，那份粗粝感和不加修饰的真诚，透过文字清晰地传递了出来。这本书的排版和插图选择也很有品味，那些不那么常见的黑白照片和展览平面图，为理解当时的环境提供了宝贵的视觉佐证。对于想深入了解那个“酷不列颠”时代的文化脉络的人来说，这绝对是一本不可多得的入门砖和进阶指南。

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坦白说，最初拿起这本书时，我有点担心它会陷入对“后现代主义遗产”的泛泛而谈，但很快我的担忧就被打消了。作者的文笔极其精炼，带着一种近乎新闻报道般的敏锐度，却又不失学者应有的严谨。这本书的独特之处在于，它将艺术家的个体创作，紧密地嵌入到当时英国社会政治光谱的变动之中。它不只是在谈论画作或雕塑，更是在解读一个社会如何通过视觉符号来应对结构性的变化——比如，撒切尔主义的阴影如何继续影响着艺术中的阶级表达，以及新工党上台前夕那种矛盾的乐观情绪是如何在展厅中体现的。书中有好几处关于具体展场布置和观众反应的细节描写，栩栩如生，让人感觉仿佛亲历了现场。这种对“发生场域”的重视，是许多纯粹理论著作所缺乏的。阅读过程中，我不断地在脑海中将书中所述与我记忆中对那个时代的感受进行比对，发现作者的解读既精准又富有启发性，拓宽了我对那个十年艺术生态的理解，它远比我们通常想象的要复杂和多元得多。

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