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出版者:江西美术出版社

作者:刘晓东

出品人:

页数:21

译者:

出版时间:2005-01-01

价格:16.0

装帧:平装

isbn号码:9787806906392

丛书系列:

图书标签:

• 静物
• 色彩
• 绘画
• 艺术
• 设计
• 摄影
• 艺术史
• 构图
• 光影
• 装饰

《光影织语：现代写实油画技法解析》 本书并非一本描绘静谧色彩世界的画册，而是一部深入探索现代写实油画创作奥秘的技法宝典。作者凭借数十载的绘画实践与教学经验，将复杂的油画技法以系统、清晰、易于理解的方式呈现给读者。全书围绕“光影”这一核心概念展开，阐释了如何在二维画布上构建出具有三维真实感的视觉空间。 第一章：光线的本质与表现 本章首先从物理学角度简要介绍光线的传播特性，并迅速切入其在绘画中的核心作用。作者详细阐述了不同光源（自然光、人造光）的特性及其对物体色彩、明暗、质感的影响。读者将学习到如何观察和分析光源的方向、强度和色温，并理解这些因素如何塑造出物体表面的高光、亮部、中部灰、暗部以及反光。书中通过大量的实例分析，展示了如何运用不同的笔触、调色技巧来表现光线穿透、反射、折射等不同效果。例如，在描绘金属光泽时，会讲解如何运用精细的笔触和高对比度的明暗来捕捉金属的锐利反光；在表现丝绸或玻璃的透明感时，则会重点讲解如何利用色彩的微妙变化和晕染来模拟光线的穿透和折射。 第二章：色彩的科学与艺术 此章并非简单罗列色彩理论，而是将色彩学原理与写实绘画的实际应用相结合。作者深入剖析了色彩的构成要素：色相、明度、饱和度，并强调了它们之间相互依存、相互影响的关系。本书的重点在于如何运用色彩来塑造形体和空间。读者将学习到“体积色”、“环境色”、“光源色”的概念，并理解它们如何在物体表面交织，形成丰富而微妙的色彩变化。例如，书中会通过对水果、器皿等静物写生的过程解析，展示如何根据光源的色温调整物体本身的色彩，如何运用环境色对物体进行“染色”，以及如何通过色彩的冷暖对比来增强画面的空间感和体积感。大量的对比图例将直观地展示不同色彩处理手法所带来的视觉效果差异。 第三章：笔触的语言与肌理的塑造 本章是本书的实践核心，详细讲解了油画笔触的多种运用方式及其对画面最终效果的影响。作者强调，笔触不仅仅是颜料的堆积，更是画家情感和对物象理解的载体。书中系统介绍了平涂、厚涂、干笔、湿画法等多种技法，并深入分析了不同笔触在表现不同质感时所起到的关键作用。例如，在描绘粗糙的麻布或木纹时，会教授如何运用粗犷、有力的笔触来体现其肌理；在表现光滑的皮肤或瓷器时，则会讲解如何运用细腻、柔和的笔触来模拟其光滑的表面。本书还特别关注“肌理”的塑造，讲解如何通过颜料的厚度、笔触的方向和纹理，甚至使用调色刀等工具，来模拟物体表面的真实质感，使画面更具触感和生命力。 第四章：从观察到表现：写实油画的思维过程 这一章将视角从具体的技法转移到创作的思维层面。作者认为，优秀的写实油画不仅仅是技巧的堆砌，更是画家对客观世界的深刻观察与理解的再现。本书将引导读者建立一套科学的观察方法，从整体到局部，从结构到细节，系统地分析描绘对象。书中会详细拆解几个经典的写实静物写生案例，从起稿、铺色、塑造形体、深入刻画到最后的调整，完整地展示一个写实油画的创作流程。重点在于讲解如何在写实的基础上融入艺术家的主观判断和处理，如何在忠实于客观的同时，赋予画面独特的生命力和艺术感染力。例如，在处理复杂的静物组合时，作者会指导如何通过构图的调整、光影的对比来突出主体，避免画面显得杂乱。 第五章：环境与氛围的营造 写实油画的魅力不仅在于对物体本身的精准描绘，还在于其所营造出的整体氛围。本章将探讨如何通过背景的处理、光线的运用以及色彩的搭配来烘托主体，并传达画面的情绪和意境。作者将讲解不同类型的背景（素色背景、复杂背景）的处理原则，以及如何通过微妙的环境光线来影响主体，使其更好地融入画面整体。例如，在表现一件被聚光灯照亮的物体时，会讲解如何处理背景的虚化和色彩的压抑，以突出主体的明亮；在描绘一个温馨的室内场景时，则会强调如何运用柔和的暖色调和散射的光线来营造宁静祥和的氛围。 本书特点： 系统性强： 理论与实践相结合，层层递进，为读者构建完整的写实油画知识体系。 针对性准： 专注于现代写实油画的技法解析，解决绘画过程中普遍遇到的难点。 实例丰富： 大量精选的高质量写实油画作品作为案例，配以详细的分析和步骤图解。 可操作性高： 语言平实易懂，技法讲解清晰具体，便于读者模仿和实践。 《光影织语：现代写实油画技法解析》是一本献给所有热爱油画、追求写实艺术的画者们的实用指南，它将帮助您更深入地理解光影、色彩与笔触的奥秘，从而在您的绘画创作中实现突破与升华。

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说实话，我带着一种略微挑剔的心态接触这本书的，毕竟市面上关于静物写生的书籍多如牛毛，大多数不过是重复着“透视、素描、再上色”的老套路。但《色彩静物》这本书的叙事节奏非常独特，它似乎刻意避开了那种急于求成的教学模式。它花了大量的篇幅去探讨“意境”的营造，这对我一个习惯了理性分析的读者来说，无疑是一种全新的体验。作者对于“留白”的理解，简直到了出神入化的地步。不是物理上的空白区域，而是色彩之间的“沉默时刻”，那种呼吸感和张力被拿捏得恰到好处。例如，书中对一组水果写生的分析，重点不在于水果表皮的光泽如何描绘，而在于水果与背景布之间的空气流动感，以及这种流动感如何影响观者的情绪。我尤其欣赏作者在文字中流露出的那种哲学思辨，他将静物视为时间的容器，每一个褶皱、每一道光痕都是历史的注脚。读完后，我立刻拿起画笔，但奇怪的是，我画的不再是我想象中的“完美静物”，而是开始尝试捕捉那种稍纵即逝的“氛围感”，这种转变是根本性的，它关乎心境的调整，而非指法的训练。

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这本《色彩静物》的装帧设计简直是一场视觉盛宴，触感细腻的封面纸张仿佛能让人感受到颜料的厚重与光泽。初翻开扉页，就被那浓郁的色彩搭配所震撼，并非那种张扬的炫目，而是一种深沉而富有层次感的调和。我原本以为这会是一本纯粹的技术指导手册，教你如何调出完美的莫兰迪色系，或者如何精确把握古典油画的光影结构。然而，它给我的惊喜在于，它更像是一本艺术家的“心之日记”。书中大量的插图都不是那种教科书式的标准范本，而是充满了不经意的、生动的瞬间捕捉。比如，那一组关于旧木箱和锈蚀金属的组合，光线处理得极其微妙，仿佛能嗅到空气中弥漫的尘土和潮湿的气味。作者似乎在每一笔触中都倾注了对日常事物深沉的爱意，即使是最平凡的苹果或花瓶，在他的笔下也焕发出了超越其本身物质性的生命力。阅读过程中，我感觉自己并非在学习绘画技巧，而是在进行一场与色彩的深度对话，学习如何用眼睛去“听见”色彩的语言，去捕捉光影在不同材质上留下的温柔痕迹。这不仅仅是一本关于“如何画”的书，更是一本关于“如何看待”的书，极大地拓宽了我对静物艺术的理解边界。

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全书的脉络组织是极其精妙的，它不是按照“静物类型”来划分章节，而是按照“光线与情绪”来构建知识体系的。这种非线性的编排方式，反而更贴合艺术创作的真实过程——我们不是先确定画什么，而是先感知到一种气氛。比如，有一章专门讨论“黄昏时分的室内光”，这在许多教材中是被一笔带过的概念，但在这里，作者却用数页的篇幅去细致解剖了那种橘红与蓝紫交织的复杂过渡。他强调，真正的色彩大师，画的不是物体本身，而是物体与它所处的“时刻”之间的关系。这本书的魅力在于它的开放性，它从不给出最终答案，而是不断提出更好的问题，引导读者自己去探索。当我合上这本书时，我感到的是一种精神上的充实，而不是信息过载的疲惫。它成功地激发了我对“捕捉瞬间”的强烈渴望，让我意识到，静物写生远非摆设的堆砌，而是对时间流逝的温柔记录与对生命瞬间的郑重确认。这是一次令人难忘的阅读旅程。

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这本书的排版和用纸的选择，体现了一种对艺术品制作的极致尊重，这本身就构成了阅读体验的一部分。不同于一些为了追求高饱和度而牺牲细节的印刷品，这里的色彩过渡极其柔和，即使是深色区域的细节，也清晰可辨，没有出现任何油墨的“糊化”现象。让我印象特别深刻的是其中关于“冷暖平衡”的章节，它没有给出刻板的色谱对照表，而是通过对比不同光源下同一物体的微妙变化来阐释原理。作者用非常生活化的语言描述了诸如“窗边午后阳光的暖调如何被玻璃窗的冷光削弱”这类场景，这使得复杂的色彩理论变得触手可及。我尝试着根据书中的某一幅范例进行模仿，但最大的收获并非是模仿成功，而是理解了“环境色”在塑造物体体积感上的决定性作用。以往我总觉得环境色是次要的，是为主体服务的，但这本书让我意识到，环境色才是将物体真正“放置”于空间中的关键力量。阅读体验非常沉浸，我常常会忘记自己正在看书，而是感觉自己站在画架前，手中正握着调色刀，思考着下一笔该如何落笔。

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这本《色彩静物》给我带来了一种久违的、返璞归真的创作冲动。它的行文风格极其个人化，带着一种老派学者的严谨，但又夹杂着一种孩童般的好奇心。与其他强调“商业应用”或“快速出片”的画册相比，这本书更像是一封写给耐心和观察力的情书。我特别喜欢作者分享的关于“材质表现”的部分，他深入探讨了诸如天鹅绒、陶瓷釉面和老旧皮革这几种截然不同的材质，是如何“吸收”和“反射”光线的。他没有采用晦涩的物理学术语，而是用精确的视觉感受来描绘，比如将天鹅绒的吸光性比喻为“吞噬一切的黑色深渊”，将陶瓷的光泽比作“被凝固的流水”。这种比喻的力量是巨大的，它帮助读者的大脑建立起更直接、更感性的联系。我发现，自从读了这一部分，我在观察自己周围的物品时，也会不自觉地去分析它们的“性格”——这个马克杯是温顺的，那本书的封面是粗粝的。这种对细节的关注，无疑提升了我的审美敏感度，远超出一本绘画教程的范畴，更像是一部关于“感知力”的训练手册。

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