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出版者:福建科学技术出版社

作者:叶斌

出品人:

页数:208

译者:

出版时间:2004-11

价格:168.00元

装帧:

isbn号码:9787533524838

丛书系列:

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穿越时空的艺术：古典建筑的永恒魅力 内容概要： 本书深入探讨了西方古典建筑的发展脉络、核心美学理念及其在当代设计中的传承与创新。我们不聚焦于某一特定时期的风格流派，而是着眼于贯穿古希腊、古罗马，直至文艺复兴、巴洛克及新古典主义各个阶段的建筑语言的共同特征与演变逻辑。全书分为六大部分，以清晰的逻辑和丰富的图例，引领读者领略何为“永恒的比例”与“理性的和谐”。 第一部分：文明的基石——古希腊与古罗马的建筑遗产 本章首先溯源至古希腊文明，详细解析了多立克、爱奥尼克和科林斯三大柱式的结构特征、象征意义及其在帕特农神庙等标志性建筑中的应用。重点阐述了古希腊人对黄金比例、对称性与人体尺度关系的极致追求，如何将哲学思辨融入到具体的建筑形态之中。随后，我们转向古罗马，探讨其在工程技术上的飞跃，如拱券、穹顶和混凝土的发明。重点分析了万神殿和罗马斗兽场等巨构如何体现帝国力量与实用主义的结合，以及公共建筑（如浴场、巴西利卡）对后世建筑功能布局的深远影响。我们试图揭示，古典建筑并非仅仅是美学符号，更是特定社会结构、宗教信仰和技术水平的物质载体。 第二部分：中世纪的过渡与文艺复兴的觉醒 古典建筑的直接影响在中世纪虽有所减弱，但其元素从未真正消失。本章首先简要回顾了罗马式建筑的厚重与哥特式建筑的垂直上升趋势，指出这些风格是对古典秩序的重新诠释。核心内容聚焦于文艺复兴时期，特别是意大利佛罗伦萨和罗马，建筑师们如何通过对古代遗迹的“再发现”与“重新阐释”，开启了对古典原则的回归。详细分析了布鲁内莱斯基的圆顶设计哲学，以及阿尔伯蒂对建筑“比例之美”的理论建构。探讨了古典元素（如山花、壁柱、檐口）如何被重新组织，以服务于人文主义对清晰、和谐与理性秩序的追求。 第三部分：巴洛克与洛可可的戏剧性张力 进入十七、十八世纪，古典语汇被注入了前所未有的动感与情感。本部分深入剖析了巴洛克建筑如何通过夸张的曲线、丰富的雕塑装饰、光影的戏剧性处理，以及空间布局的复杂性，来服务于宗教和绝对君主的意志。卡拉瓦乔式的光影运用如何在建筑立面上得以体现？贝尼尼和波罗米尼的作品如何打破了文艺复兴的静态平衡？随后，洛可可风格作为巴洛克向室内装饰的延伸，展现了更轻盈、更精巧的装饰艺术，强调流动的线条和自然的母题。本章旨在阐明，古典母题在这一时期并未被抛弃，而是被“激化”和“情感化”，用以营造强烈的沉浸式体验。 第四部分：新古典主义：秩序的再强调与启蒙思想的回响 十八世纪中后期，对古典主义的理解再次发生转向。新古典主义是对巴洛克繁复的反动，强调纯粹的几何形态、清晰的线条和朴素的装饰，它与启蒙运动的精神内核高度契合。本章分析了皮拉内西的版画如何影响了理想化的古典复兴，以及法国的“革命建筑”和德国的博物馆设计如何体现了对公民理性与宏伟公共建筑的需求。重点分析了帕拉第奥的理论如何通过“四卷书”影响了英美乃至全球的学院派建筑，奠定了现代公共建筑的规范基础。 第五部分：古典元素在结构逻辑中的应用 本章跳脱出风格史的叙事，聚焦于古典建筑中的核心构造逻辑——如何用有限的元素实现结构与美学的统一。我们将详细拆解券拱结构在跨越和承重中的物理原理，以及如何通过叠柱和壁柱在视觉上强化结构的力量感。探讨了“轴线对称”不仅是一种装饰手法，更是对空间组织和功能划分的理性指导。同时，也讨论了古典主义建筑中对于模数制（Module）的精妙运用，即通过一个基本单位的重复与倍增来确保整体的比例协调性。 第六部分：古典遗产的当代对话与语境重塑 古典建筑的“永恒性”在于其语言的普适性与可塑性。本章将目光投向当代，探讨现代主义和后现代主义对古典母题的批判、解构与重构。分析了当代建筑师如何在尊重场地文脉和功能需求的前提下，提取古典建筑中的空间序列感、光照处理手法或尺度关系，并将其转化为新的建筑语汇。讨论了材料的革新（如玻璃、钢结构）如何挑战了传统石材的表皮，但古典的比例关系和空间秩序感依然在许多重要的纪念性建筑和城市规划中发挥着潜移默化的指导作用。本书旨在激发读者从历史的深度去理解建筑的本质，而非停留在表面的装饰符号。 --- 目标读者： 本书适合对建筑史、艺术史有浓厚兴趣的读者，高等院校建筑学、室内设计、城市规划专业的学生及教师，以及致力于在当代设计中寻求结构深度与文化根基的专业人士。全书配有大量高质量的线描图、平面图和实景照片对比，旨在提供一个立体、深入且富有启发性的古典建筑研究视角。

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这本书给我最大的启发在于它对待“文化基因”的尊重和再创造。它没有盲目地推崇某种西方主流设计风格，而是深入挖掘了地域文化与现代生活方式的结合点。例如，书中详细展示了如何将传统中式建筑中的“借景”概念，巧妙地运用到现代高层公寓的窗景处理上，通过精确计算的窗框比例，将远处的城市天际线“框”成一幅动态的壁画。这种对本土文化元素的现代化转译能力，让我感到非常振奋。它证明了设计的高级之处在于“在地性”的表达，而不是盲目地复制粘贴异域的流行元素。这本书更像是一本设计领域的“思想导论”，它教会我，在动手实践之前，必须先在头脑中构建起一个扎实而富有情感的理论框架。这对于任何想要真正拥有一个有个性化居所的人来说，都是一本不可多得的宝典。

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我不得不承认，这本书的排版设计本身就是一件艺术品。每一页的留白都拿捏得恰到好处，这使得那些细节图和全景照片拥有了呼吸的空间，不会让人感到视觉疲劳。我个人尤其欣赏作者在文字中偶尔穿插的那些哲思片段，它们像散落在宝石堆中的珍珠，不经意间却闪耀着智慧的光芒。比如，关于“时间在空间中的痕迹”的那段描述，提到旧木材上的划痕和污渍，不是瑕疵，而是空间历史的勋章。这种对“不完美”的欣赏，彻底颠覆了我过去追求那种一尘不染的“样板间”审美。它鼓励读者拥抱生活的使用痕迹，让家随着居住者的生命轨迹而生长、变化。这种对“人情味”的强调，让这本书从冰冷的建筑图纸中跳脱出来，充满了温度和温度。

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这本书的叙事风格非常跳跃，但这种跳跃感却恰到好处地模拟了设计师在创意发散过程中的思维轨迹。它不像教科书那样线性推进，而是像一本精心策展的画册，一会儿带你进入一间充满东方禅意的日式宅邸，一会儿又瞬间拉你到充满未来感的极简主义LOFT。这种多维度的切换，极大地拓宽了我的想象边界。我记得其中有一个关于“垂直绿化”的案例分析，它不仅仅展示了植物如何融入墙面，更深入探讨了植物的维护成本、空气净化效率以及心理健康效益之间的复杂平衡。作者似乎在反复强调一个观点：真正的奢华不是堆砌昂贵物品，而是将自然、功能和美感无缝地融合在一起，实现一种可持续的舒适感。读完这部分，我立刻开始重新审视自己阳台上的几盆绿植，思考如何让它们更好地融入整体生活场景，而不是孤立的存在。

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阅读这本书的过程，与其说是学习设计知识，不如说是一次沉浸式的艺术熏陶。我特别喜欢它在介绍材料时的那种近乎偏执的考究。例如，书中有一章节专门讨论了不同色温的灯光如何影响空间的情绪基调，从清晨的自然光到夜晚的暖黄氛围，每一种光照条件下的家具色彩变化都被详尽地记录下来，配有专业的色谱图和室内外的对比照片。这让我意识到，灯光设计远不止是装几个灯泡那么简单，它是情感的调色板。此外，书中对于软装陈设的讲解也极其独到。它没有推荐任何一个特定的品牌，而是教导读者如何建立自己的“视觉词汇库”。比如，如何通过重复出现的主题色、纹理或几何形状，在不同房间之间建立起视觉上的连贯性，即使风格迥异，也能感受到家族式的统一感。这种宏观的指导原则，比具体的购买清单要宝贵得多，它教会了我“看”空间的方法，而非仅仅是“布置”空间。

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这本书的封面设计得非常抓人眼球，那种深沉的墨绿色调配上鎏金的字体，一下子就透露出一种低调的奢华感。我原本对室内设计类的书籍抱持着谨慎的态度，总觉得很多都是千篇一律的样板房堆砌，缺乏真正能触动人心的东西。然而，当我翻开这本《国广一叶室内设计家居装饰》时，我的看法彻底改变了。它不像是一本单纯的“教你如何装修”的工具书，更像是一位经验丰富的设计大师，拉着你的手，在你耳边娓娓道来关于空间、光影和生活哲学的对话。书中对材质的运用分析得极为透彻，无论是天然大理石的冰冷肌理，还是手工编织地毯的温暖触感，都被摄影师用极其细腻的镜头语言捕捉了下来。尤其让我印象深刻的是其中关于“流动性空间”的几个案例，设计师巧妙地利用可移动的隔断和多功能家具，将原本局促的都市公寓，打造成了一个可以根据居住者心境随时变换形态的“有生命的盒子”。这种对居住者心理需求的深刻洞察，远超出了传统的硬装设计范畴，触及到了生活美学的更高层面。

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