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出版者:Schirmer Art Books

作者:Werner Schade

出品人:

页数:151

译者:

出版时间:2005-06-30

价格:USD 24.95

装帧:Hardcover

isbn号码:9783829601658

丛书系列:

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《约瑟夫·博伊斯：行动的哲学与物质的诗意》 导言 在二十世纪艺术的宏伟画卷中，约瑟夫·博伊斯（Joseph Beuys）的名字如同一颗耀眼的星辰，不仅以其颠覆性的创作实践，更以其深刻的思想影响了整整一代艺术家和思想家。他的艺术不再是单纯的视觉呈现，而是一种全身心的投入，一种对生命、社会和宇宙的全面关怀。博伊斯将艺术视为一种“扩大的艺术概念”（erweiterter Kunstbegriff），认为每个人都具备创造的潜能，而艺术的任务就是唤醒并激发这种潜能，从而实现个体与社会的“社会雕塑”（Soziale Plastik）。他打破了传统艺术的界限，将雕塑、行为、绘画、装置、教育乃至政治活动融为一体，构建了一个独特而庞大的艺术宇宙。 本书《约瑟夫·博伊斯：行动的哲学与物质的诗意》旨在深入探索博伊斯艺术创作的核心理念、实践方式及其广泛而持久的影响。我们并非试图罗列博伊斯作品的清单，而是要剥离其表象，触及他思想的脉络，理解他为何选择那些看似寻常却充满象征意义的材料，为何进行那些令人费解却触动人心的行为，以及他如何通过这些方式，试图重塑我们对于现实、艺术乃至人类自身意义的认知。 第一章：行动即存在——从“行为”到“社会雕塑” 博伊斯艺术实践的基石在于“行动”（Action）。对于博伊斯而言，行动并非仅仅是一种表演，而是存在的直接体现，是思想的物质化，是与世界建立连接的根本方式。他将行为艺术推向了前所未有的深度，使其不再是单纯的视觉奇观，而是承载着哲学思考的载体。 在早期的行为作品中，博伊斯已经开始运用各种具有象征意义的材料，如毛毡、脂肪、蜂蜜、钉子等。这些材料并非随意选择，而是蕴含着深刻的生命经验和宇宙观。例如，毛毡象征着温暖、保护和转化，脂肪则代表着能量、储存和再生。他的行为常常伴随着沉默、静止、重复的动作，或是与观众的互动，旨在打破观众与作品之间的隔阂，邀请他们参与到艺术的生成过程中。 “社会雕塑”的概念是博伊斯艺术理念的核心。他认为，社会本身就是一个巨大的、有待塑造的艺术品。每一个个体都拥有创造的力量，而艺术家的职责是激发这种潜能，促进个体的自由发展，并最终实现一个更加健康、公正和充满活力的社会。博伊斯将自己视为一个“教师”，一个“引导者”，他通过自己的艺术实践，鼓励人们思考，质疑现状，并积极参与到改变社会的进程中。他提出的“人人都是艺术家”的口号，并非是对专业艺术家的贬低，而是对人类内在创造力的肯定，是对个体主体性的强调。 第二章：物质的低语——材料的象征与转化 博伊斯选择的材料，往往是那些在日常生活中被忽视、甚至被视为“粗糙”或“卑贱”的物品。然而，在他手中，这些材料却焕发出了新的生命，承载着丰富的象征意义。本书将深入剖析博伊斯艺术中那些标志性的材料，揭示它们背后的哲学内涵。 毛毡（Felt）： 博伊斯最常使用的材料之一。毛毡的温暖、柔软、易于塑形，以及其能吸收和储存能量的特性，使其成为博伊斯表达保护、治疗、转化和转化的重要媒介。他用毛毡包裹物体，包裹自己，甚至构建毛毡空间，试图在其中创造一个具有治愈力量的环境。毛毡的粗糙质感，也呼应了博伊斯对物质性的关注，以及对生命本真状态的探索。 脂肪（Fat）： 脂肪在博伊斯艺术中象征着能量、生命力、储存和潜在的转化。他用脂肪包裹物体，甚至将其涂抹在自己身上，意在表达生命的流动性、消耗与再生。脂肪的易融化和易变质的特性，也暗示着生命的脆弱和无常。 蜂蜜（Honey）： 蜂蜜是生命能量的凝聚，是自然的馈赠，也是勤劳的象征。博伊斯常常将蜂蜜与他人的头颅结合，例如在著名的行为作品《我爱美国，美国也爱我》（I Like America and America Likes Me）中，他用毛毡包裹自己，与一只郊狼共同生活在一间画廊里，周围散落着大量的蜂蜜。蜂蜜在这里象征着一种原始的、纯粹的能量，一种与自然连接的方式。 其他材料： 除了以上几种，博伊斯还大量运用了铁、铜、木材、铅、灯泡、电池、录音带等，每一种材料都承载着特定的意义，它们共同构成了博伊斯宏大而复杂的物质语言。本书将对这些材料进行细致的解读，探讨它们在博伊斯艺术体系中的地位和作用。 第三章：意识的边界——形而上学的探索与转化 博伊斯艺术的魅力，不仅在于其物质层面的创新，更在于其对人类意识、精神状态以及形而上学问题的深刻探索。他深受东方哲学，特别是道家思想的影响，强调道的自然无为，以及万物之间的相互关联。 “自由选择的民主”（Freie Internationale Universität für Kreativität und Interdisziplinäre Forschung）是博伊斯在艺术教育领域的重要实践。他认为，教育的任务并非是灌输知识，而是激发个体的创造力，培养其独立思考和批判性思维的能力。他打破了传统课堂的界限，将整个社会视为一个学习的场所，鼓励人们跨越学科界限，进行自由的交流和探索。 “宇宙的温暖”（The Warmth of the Universe）是博伊斯反复强调的一个概念。他认为，宇宙充满了看不见的能量，而人类的意识正是这种能量的一部分。他试图通过艺术，连接个体与宇宙，唤醒人们内心深处的温暖和爱，从而实现个体精神的解放和社会关系的和谐。 博伊斯对“圣诞老人”（Santa Claus）的重塑，也是其形而上学探索的一个重要侧面。他将圣诞老人视为一个具有强大精神力量的形象，一个能够带来希望、礼物和启示的象征。通过将自己打扮成圣诞老人的形象，他试图传递一种普遍的、具有疗愈作用的能量，一种对美好未来的期盼。 第四章：社会雕塑的实践——艺术介入现实 博伊斯不仅仅是理论家，更是行动者。他将自己的艺术理念付诸实践，积极介入社会现实，试图通过艺术来改变世界。 “7000棵橡树”（7000 Eichen）： 这是博伊斯在第7届卡塞尔文献展上提出的一个宏大项目。他计划在卡塞尔市种植7000棵橡树，每一棵橡树的种植都伴随着一块石头的摆放。这个项目象征着生命的复苏、环境的保护以及社会意识的觉醒。它将艺术与生态、环境、城市规划等领域融为一体，是对“社会雕塑”理念最直接的体现。 政治参与： 博伊斯并非将艺术与政治完全割裂。他认为，艺术本身就具有政治性，因为它关乎个体自由、社会公正和人类的未来。他曾积极参与政治活动，提出许多具有前瞻性的社会改革方案，试图将艺术的创造力注入到政治进程中。 艺术教育的革命： 博伊斯对传统艺术教育体系提出了尖锐的批评。他认为，僵化的教育模式扼杀了学生的创造力。他提出的“自由选择的民主”理念，旨在建立一个更加开放、包容、以学生为中心的学习环境，让每个人都能发现并实现自己的艺术潜能。 第五章：遗产与回响——博伊斯的影响力 约瑟夫·博伊斯的艺术遗产是巨大而复杂的。他的思想和实践不仅深刻影响了后来的艺术家，也渗透到哲学、社会学、环境学等多个领域。 当代艺术的启示： 博伊斯的“扩大的艺术概念”和“社会雕塑”的理念，为当代艺术提供了丰富的灵感。许多艺术家借鉴他的思想，将艺术拓展到更广泛的领域，关注社会问题、生态环境、人与人之间的关系等。 对全球艺术生态的塑造： 博伊斯对艺术教育的关注，以及他跨学科的实践，为当代艺术教育模式的改革提供了重要的参考。他的理念鼓励人们打破学科壁垒，进行跨领域的合作与创新。 持续的辩论与解读： 尽管博伊斯已经离世多年，但他的艺术和思想依然激发着持续的辩论和解读。人们对他的作品和理念有着不同的理解和评价，这恰恰证明了他的艺术的生命力和其思想的深邃。 结语 《约瑟夫·博伊斯：行动的哲学与物质的诗意》试图呈现的，是一个既严谨又富有诗意的博伊斯。他是一位行动者，一位思想家，一位充满激情的社会变革者。他用自己的身体、用最平凡的材料、用最深刻的思想，向我们展示了艺术的无限可能性，以及人类内在的巨大潜能。阅读本书，我们并非是在了解一个“过去”的艺术家，而是在与一位至今仍活跃在思想前沿的思想者对话，一同探索生命、艺术与社会转化的可能。

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这本书最让我感到震撼的，是它对于“材料即思想”这一核心概念的探讨深度。作者没有将材料仅仅视为艺术创作的媒介，而是赋予了它们几乎同等的生命和历史。书中的论述清晰地展示了如何通过对毛毡、脂肪、铜乃至泥土的使用，来构建一套完整的世界观和哲学体系。那些对特定材料的物理特性、象征意义乃至历史渊源的细致剖析，构建了一个复杂而严密的符号系统。阅读过程中，我开始重新审视日常生活中那些被忽略的、粗粝的物件，意识到它们内部蕴含的巨大能量和未被开发的叙事潜力。这本书成功地将读者的目光从传统的美学范畴中抽离出来，引导我们去关注艺术行为中那些最基础、最原始的物质存在，从而理解艺术如何能够成为一种变革性的、有机发生的力量。

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这本书的装帧设计着实引人注目，封面采用了一种粗粝的米色卡纸，边缘略微磨损，仿佛它本身就是一件经过岁月洗礼的艺术品。内页的纸张选择了偏黄的道林纸，触感温润，油墨的印刷精度很高，使得那些复杂的图像细节得以完美呈现。我尤其欣赏出版社在版式编排上的匠心独运。排版上没有那种过于现代的极简主义，反而带有一种早期艺术家手稿般的随性和有机感。文字段落之间留白得当，既保证了阅读的舒适度，又营造出一种沉思的氛围。它不像是一本冰冷的工具书，更像是一件精心策划的展陈目录，每一个章节的过渡都仿佛是艺术家在不同创作阶段的心情转换。每一次翻阅，都像是在触摸一个历史的切片，那种厚重感和对材质的尊重，极大地提升了阅读体验。装帧本身就是对主题的一种致敬，展现了对艺术本体的深刻理解，而不仅仅是内容的载体。

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这本书的叙事节奏掌握得令人称奇，它没有采用那种线性的、按时间顺序推进的传记式写法，而是像一部多声部的交响乐，在不同的主题和时期之间自由穿梭，却又总能巧妙地回归到核心的艺术理念上。作者似乎深谙“留白”的艺术，他们不会试图将每一个观点都解释得滴水不漏，而是抛出大量的材料、引文和未完成的思考，将解读的“权力”还给了读者。这种叙述方式迫使我必须主动参与到对文本的构建中，去连接那些看似松散的节点，去挖掘字里行间潜藏的张力。读到某些段落时，我甚至能感受到一种近乎冥想的状态，思绪随着作者的跳跃而延展，时而深入对材料哲学的探讨，时而又跳跃到社会政治的批判。这种非线性的结构，恰恰模仿了艺术创作本身那种直觉驱动和不断修正的过程，让人在阅读中体验到一种探索的乐趣，而非被动接受。

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我必须承认，这本书的语言风格极具侵略性，它拒绝使用那些平庸、安全的学术术语，而是采用了大量具有强烈现场感和象征意义的词汇。句子结构往往是破碎而富有冲击力的，充满了动词和感叹号，仿佛作者正是在创作现场，用最直接的方式向世界宣告着自己的发现。有些地方的描述甚至带有一种近乎先知般的预言色彩，尤其是在论及艺术与社会干预的关系时，那种不容置疑的语气让人不自觉地感到一种强大的精神压力，仿佛被拉入了某种仪式之中。这种语言的张力，让阅读过程充满了挑战，我需要反复咀嚼那些看似晦涩的表达，去体会其中蕴含的能量。它不是一本用来轻松消遣的书籍，更像是一场思想上的搏击，要求读者拿出全部的专注力和对语言的敏感度，才能勉强跟上作者澎湃的思维洪流。

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这本书的配图选择简直是一场视觉盛宴，其质量远超一般的艺术画册。我惊喜地发现，许多图片都是首次在国内刊印的珍贵档案照片，很多甚至带有现场的痕迹——比如模糊的边缘、不均匀的光影，甚至是背景中无意入镜的路人。这些“不完美”的照片，恰恰是构建其艺术生命力的关键元素。它们不是对成品艺术品的冷静记录，而是对创作过程、环境和能量流动的捕捉。尤其是那些关于“行为”现场的抓拍，那种瞬间的爆发力被定格得淋漓尽致，让人仿佛能听到现场的喧嚣和材料的摩擦声。图片与文字的排版关系也处理得极为精妙，很多时候，一张图片占据了整整两页，周围没有任何文字的干扰，迫使读者必须停下来，用眼睛去“阅读”图像本身，去感受那无声的宣言。

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用Beuys的话说就是，宇宙符号即是真理。被达芬奇的cosmic的观看和表现角度启发。从早期的画看出后期的科学艺术。对水彩的使用的观点非常赞同，表达事物的本质，颜色什么的，真的不重要。然而事物并没什么本质越想发现越空洞，所以又回到了宇宙符号。不过也觉得，既然这样，在表达自我上还是后期的sculptures和行为艺术更为直接和准确啊。

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