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出版者:中国美术学院出版社

作者:汪钧 编

出品人:

页数:133

译者:

出版时间:2004-6

价格:380.00元

装帧:

isbn号码:9787810830102

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《中国书画艺术概览》 本书是一部系统梳理和介绍中国书画艺术发展脉络的学术专著。内容涵盖了从远古时期的岩画、陶器纹饰，到各个朝代具有代表性的书画流派、艺术家及其杰作。我们力求以客观、严谨的态度，结合丰富的史料和图像资料，为读者呈现一幅完整而生动的中国书画艺术长卷。 第一部分：中国书画艺术的起源与早期发展 本部分追溯中国书画艺术的滥觞，探讨文字的起源如何与绘画艺术相结合，催生出独具东方韵味的线条和造型。我们将重点介绍甲骨文、金文、篆书的演变，以及它们在艺术上的初步探索。同时，对早期陶器、青铜器上的纹饰进行分析，揭示早期中国先民的审美意识和艺术表现力。我们将深入研究殷商、西周、春秋战国时期的书画遗存，例如《伯远帖》等早期书法作品，以及墓葬壁画、帛画等早期绘画艺术的代表性实物，阐述其艺术特征和文化内涵。 第二部分：魏晋南北朝至唐宋的书法高峰 魏晋南北朝是中国书法艺术发展的重要转折时期，名家辈出，风格多样。本部分将详细介绍王羲之、王献之父子的“二王”书风，以及钟繇、陆机的书法成就，剖析其对后世书法艺术的深远影响。我们将深入探讨行书、草书的成熟，楷书的规范化进程。 进入唐代，书法艺术迎来了空前的繁荣。本部分将重点介绍唐代“四大书法家”：欧阳询、虞世南、褚遂良、薛稷，以及颜真卿、柳公权的书法艺术，分析其楷书的法度与创新。同时，我们将探讨草书的巅峰之作，如张旭、怀素的狂草，解析其奔放不羁的艺术个性。 宋代书法在继承唐代的基础上，更注重个人情感的抒发和意境的营造。本部分将重点介绍苏轼、黄庭坚、米芾、蔡襄“宋四家”的书法艺术，探讨其帖学的兴盛，以及书法与文学、哲学思想的融合。我们将分析宋代书法在笔法、结字、墨法上的创新，以及其对后世书坛产生的广泛影响。 第三部分：元明清书画艺术的演变与特色 元代书画艺术承袭宋代文人画传统，并融入游牧民族的豪迈之气。本部分将介绍赵孟頫在书画领域的卓越贡献，以及其对后世的巨大影响。我们将分析元代书法在继承古法的同时，如何展现出新的时代精神。在绘画方面，我们将重点介绍黄公望、吴镇、王蒙、倪瓒“元四家”的山水画艺术，解析其笔墨情趣和写意精神。 明代书画艺术呈现出更加多元化的发展趋势。本部分将介绍文徵明、唐寅、仇英、沈周“明四家”的艺术风格，以及董其昌的艺术理论和实践。我们将深入探讨明代书法在继承传统的同时，如何寻求个性化的表达，例如祝允明、王铎的书法作品。在绘画领域，我们将介绍明代院体画、文人画、市民绘画等不同流派的发展，以及各具特色的艺术家。 清代书画艺术在继承和创新的道路上继续前进。本部分将介绍王羲之、王献之父子的“二王”书风，以及钟繇、陆机的书法成就，解析其对后世书法艺术的深远影响。我们将重点介绍清代书法的集大成者，如傅山、王铎、刘墉等人的艺术风格，以及碑学理论的兴起。在绘画方面，我们将介绍清初“四王”的山水画，以及扬州八怪等个性鲜明的艺术家。我们将分析清代绘画在继承传统的同时，如何吸收外来文化，并展现出新的时代风貌。 第四部分：近现代中国书画艺术的变革与创新 步入近现代，中国书画艺术面临着前所未有的变革与挑战。本部分将介绍20世纪以来，书画艺术家如何应对西学东渐的冲击，并在继承传统的基础上，进行大胆的创新。我们将重点介绍吴昌硕、齐白石、黄宾虹、潘天寿等艺术大师的创作理念和艺术成就，分析他们如何在笔墨技法、题材选择、意境营造等方面实现突破。 在书法方面，我们将介绍于右任、沈尹默、林散之等近现代书法大家，解析其在继承古法的同时，如何融入时代精神，创作出具有鲜明个性的作品。我们将探讨近现代书法在继承与创新之间的平衡，以及对传统书法的现代化探索。 在绘画方面，我们将介绍林风眠、徐悲鸿、蒋兆和等艺术家，他们如何将西方绘画的技法和理念融入中国画创作，并开创出新的艺术道路。我们将分析近现代中国画在题材、色彩、造型等方面的革新，以及其在现实主义、象征主义等不同风格上的探索。 第五部分：中国书画艺术的国际视野与未来展望 本部分将探讨中国书画艺术在国际上的传播与影响，分析其在世界艺术史上的地位。我们将介绍中国书画艺术的国际展览、学术交流等情况，以及其对西方艺术产生的启发。 最后，我们将对中国书画艺术的未来发展进行展望，探讨其在当代社会面临的机遇与挑战，以及如何在新时代焕发新的生命力。我们将关注中国书画艺术的传承与发展，以及如何更好地向世界展现中华优秀传统文化的魅力。 本书旨在为广大书画爱好者、研究者以及对中国传统文化感兴趣的读者提供一本权威、系统、富有启发性的参考书籍，共同领略中国书画艺术的博大精深。

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坦白说，很多艺术画册看完之后，很快就会被我束之高阁，但这本书的命运显然不同。它已经被我放在了书桌最显眼的位置，成为我案头常备的一本“工具书”和“精神食粮”。我发现，每一次重读，都会有新的发现，这可能就是真正“精品”的魅力所在——它具有多义性和长久的生命力。今天看重的是其形式美，明天可能更关注其背后蕴含的哲学思辨。这种反复研读而不觉厌倦的体验，证明了其内容的深度和广度，它不仅仅是一次性的信息输入，更是一次持续性的心灵对话，让人由衷地佩服那些被遴选出来的艺术珍品所展现出的不朽魅力。

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从实际应用的角度来看，这本书的实用价值也是相当高的。我个人非常注重在日常创作中寻找灵感，而这本书提供了一个极其丰富的“素材库”。那些对于笔墨运用、构图布局、意境营造的处理手法，无不闪烁着智慧的光芒。我常常在工作疲惫时翻开它，随机选取一页，盯着一幅画作中的某个局部细细揣摩，比如那几笔极具张力的线条，或者那片化繁为简的水墨晕染，总能从中获得新的启发，仿佛瞬间找到了突破瓶颈的钥匙。它就像一位沉默的导师，随时待命，用它馆藏的力量默默地滋养着每一个渴望进步的灵魂。

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我一直觉得，优秀的艺术书籍应该兼具学术的严谨性和大众的可读性，而这本似乎在这两者之间找到了一个绝佳的平衡点。虽然我不是专业的艺术史研究者，但阅读起来完全没有感到晦涩难懂。它在呈现作品的同时，往往附带了简练而精准的文字说明，这些文字不仅仅是作品的基本信息，更多的是对其艺术价值和历史背景的精妙解读。那些注释和导读，恰到好处地引导了我的目光，让我这个门外汉也能领略到作品的精妙之处，不至于只停留在表面的赞叹。这种“润物细无声”的知识传递方式，非常高明，使得艺术欣赏不再是高高在上的殿堂之语，而是可以融入日常的文化滋养。

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这本书的选材角度非常独到，它不仅仅是简单地罗列馆藏作品，更像是策展人精心设计的一条时间脉络或者主题河流。我发现它巧妙地将不同时期、不同风格的作品穿插在一起进行展示，通过这种对比和呼应，读者能够更直观地感受到艺术风格的流变和传承。比如，某几件早期作品那种质朴浑厚的韵味，和后面一些更为自由奔放的探索形成了有趣的对话，让人不禁思考创作者在不同人生阶段的心境变化。这种编排方式极大地丰富了阅读的层次感，不再是枯燥的“看图识画”，而更像是一场与历史对话、与大师思想交锋的旅程，让人对“精品”二字有了更深一层的理解。

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这套书的装帧设计真是让人眼前一亮，从封面到内页的用纸选择，都透着一种沉稳又不失典雅的气质。我特别喜欢那种微哑的光泽感，拿在手里很有分量，仿佛触摸到了历史的温度。内页的印刷技术也是没得说，那些精美的艺术品图片，色彩还原得极其准确，细节之处纤毫毕现，即便是放大观察，那些笔触的肌理感和墨色的浓淡变化也清晰可见，这对于研究和欣赏艺术作品来说，简直太重要了。能感受到出版方在细节上的精益求精，这绝不是一本敷衍了事的图录，而是一份值得珍藏的艺术档案。翻阅的过程中，那种精致的触感和视觉享受，本身就是一种审美体验的提升，让人忍不住想要一页一页细细品味，体会其中蕴含的匠心。

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