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出版者:北京师范大学出版社

作者:中华人民共和国教育部制订

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2001-07-01

价格:3.00元

装帧:平装

isbn号码:9787303058839

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音乐课程标准：点亮每个心灵的音乐之光 这是一本关于音乐教育的权威指南，它不仅仅是一本教材，更是一份对未来音乐人才培养的宏伟蓝图。本书深入剖析了新时代音乐课程的教育理念、核心目标、教学内容、实施策略以及评价体系，旨在为广大音乐教育工作者提供系统、科学、前瞻性的指导，以期全面提升音乐教育的质量和效益，让音乐的种子在每个孩子心中生根发芽，茁壮成长。 一、 时代呼唤，教育革新：为何需要《音乐课程标准》？ 在科技飞速发展、信息爆炸的今天，我们对人才的需求也在不断演变。单一的知识传授模式已无法满足社会对创新能力、审美素养、情感表达和人文关怀日益增长的需求。音乐，作为一种独特的艺术形式，承载着人类丰富的情感、深刻的思想和多元的文化，在塑造个体品格、提升综合素养方面具有不可替代的作用。 本书正是在这样的时代背景下应运而生。它顺应了国家教育改革的时代潮流，回应了社会对高质量音乐教育的殷切期盼。不同于以往较为碎片化、经验化的音乐教学模式，《音乐课程标准》以全新的视角，将音乐教育置于素质教育的宏观框架下，强调音乐学习的全面性、实践性、创造性和个性化，致力于培养具有健康审美情趣、良好音乐素养、创新精神和协作能力的新一代。 二、 核心理念：让音乐成为连接心灵的桥梁 本书的核心教育理念可以概括为以下几个方面： 以人为本，全面发展： 音乐教育的根本目的是促进学生身心健康的全面发展。这不仅包括音乐技能的掌握，更注重学生情感世界、审美能力、意志品质、创新意识和文化理解的培养。音乐学习的过程本身就是一种情感体验、思维锻炼和人格塑造。 乐学乐教，激发兴趣： 兴趣是最好的老师。本书倡导以学生为主体，创设生动有趣、富有启发性的学习情境，激发学生内在的学习动机。教学设计应贴近学生的生活经验，注重音乐的实践性，让学生在“玩中学”、“唱中学”、“奏中学”、“创中学”，体验音乐的乐趣。 多元融合，立体认知： 音乐不是孤立的存在，它与语言、舞蹈、美术、戏剧等艺术形式紧密相连，与历史、文化、社会生活息息相关。本书鼓励跨学科、跨文化的融合教学，引导学生从不同角度、多个层面理解和体验音乐，构建立体的音乐认知体系。 过程导向，能力为重： 评价的重点不应仅仅是学习结果，更应关注学生在学习过程中的投入程度、思维方式、合作表现以及能力的提升。本书倡导形成性评价与终结性评价相结合，注重对学生音乐探究能力、合作沟通能力、创新实践能力的评价。 文化传承，面向未来： 音乐是民族文化的瑰宝，也是世界文明的重要组成部分。本书强调音乐教育的文化传承功能，引导学生了解和欣赏不同民族、不同时代的音乐，培养学生的文化认同感和跨文化理解能力，同时鼓励学生运用音乐去表达对未来的思考和畅想。 三、 核心目标：塑造具象化的音乐素养 本书为音乐教育设定了清晰、可衡量、可达成的发展目标，主要体现在以下几个维度： 音乐感知与体验： 引导学生能够敏锐地感知音乐的各项要素（如旋律、节奏、和声、力度、速度、音色等），能够通过倾听、歌唱、演奏等方式，深入体验音乐的情感和表现力，并能用恰当的语言描述自己的感受。 音乐表现与创造： 鼓励学生积极参与歌唱、演奏、律动、创作等音乐实践活动，发展自身的音乐表现能力。通过提供开放性的音乐创作平台，激发学生的创新思维，鼓励他们用音乐来表达个性和情感，甚至尝试改编、创作简单的音乐作品。 音乐欣赏与评论： 培养学生良好的音乐欣赏习惯，引导他们能够有目的地、有技巧地欣赏不同风格、不同民族、不同时代的中外优秀音乐作品。同时，鼓励学生对音乐作品进行初步的分析和评价，形成自己的音乐审美观点。 音乐与文化、社会： 引导学生认识音乐在人类历史、文化发展和社会生活中的重要作用，了解不同地域、不同民族的音乐特色及其文化内涵。通过音乐学习，增强学生的文化自觉和文化自信，培养其作为合格公民的社会责任感。 音乐技能与工具： 掌握基本的音乐术语、乐谱知识和演奏技巧（如基本的视唱练耳能力、一种或多种乐器的演奏技能等），并能将这些技能作为表达和创造音乐的工具。 四、 教学内容：丰富多元，循序渐进 本书的教学内容设计充分考虑了不同年龄段学生的认知规律和发展需求，力求做到由浅入深、由易到难，同时兼顾内容的趣味性和实践性。主要包含以下几个板块： 音乐感知与表现： 这一板块将围绕音乐的基石——听觉和声音展开。通过丰富的听力训练，让学生辨别不同的音高、音色、节奏型和旋律走向。在表现方面，则涵盖了不同形式的歌唱（如集体唱、小组唱、独唱）、打击乐演奏、身体律动、动作模仿等，旨在让学生全面地动用身体和声音去体验音乐。 音乐的结构与形式： 随着学生认知的深入，将开始引导他们理解音乐是如何组织起来的。通过对不同音乐作品的分析，让学生初步认识乐句、乐段的概念，了解简单的音乐曲式（如二部曲式、三部曲式）。这有助于学生形成对音乐的整体把握能力。 音乐的风格与文化： 音乐的魅力在于其多样性。本书将引导学生接触和了解不同国家、不同民族的音乐风格，如中国传统音乐、西方古典音乐、流行音乐、民族民间音乐等。通过欣赏和了解这些音乐背后的文化背景，让学生感受到音乐的地域性和历史性。 音乐的创作与改编： 鼓励学生大胆尝试音乐创作。从简单的节奏模仿、旋律编织，到尝试创作简单的歌曲，再到改编已有的音乐作品，都将是培养学生创新能力的重要途径。本书将提供一些基础的创作方法和指导，帮助学生迈出创作的第一步。 音乐与综合实践： 音乐与其他艺术形式的融合是现代教育的重要趋势。本书将鼓励学生将音乐与绘画、舞蹈、戏剧、语言表达等相结合，进行综合性的艺术实践活动。例如，创作一首歌曲并为其设计舞蹈，或者为一首诗歌谱曲，以此拓展音乐的表现力和应用范围。 五、 实施策略：以学定教，与时俱进 本书不仅提供了“教什么”，更重要的是指导“怎么教”，为一线教师提供了切实可行的教学策略： 情境化教学： 创设生动、有趣的教学情境，将音乐知识和技能融入其中。例如，通过讲故事引入一首歌曲，或者通过角色扮演来体验音乐的情感。 实践性教学： 强调音乐的实践性，让学生在“做”中学。多组织歌唱、演奏、创作、律动等实践活动，让学生在亲身参与中掌握音乐技能，体会音乐乐趣。 合作性学习： 鼓励学生之间进行合作与交流。例如，小组合作演唱、合奏，共同完成音乐创作任务，在合作中培养团队精神和沟通能力。 技术辅助教学： 充分利用现代教育技术，如多媒体、网络资源、音乐制作软件等，丰富教学手段，提高教学效率，增强课堂的互动性和趣味性。 个性化教学： 关注每个学生的个体差异，提供不同层次的学习任务和评价标准，鼓励学生根据自身特点发展音乐特长。 六、 评价体系：全面客观，促进发展 本书提出的评价体系，旨在更加全面、客观地反映学生的音乐学习过程和发展状况： 过程性评价： 注重对学生在日常教学活动中的表现进行持续性、多角度的评价，包括课堂参与度、学习态度、合作表现、技能掌握程度等。 表现性评价： 通过组织学生进行歌唱、演奏、创作、音乐表演等活动，直接评价其音乐表现能力、创造能力和综合素养。 发展性评价： 强调与学生自身过往表现进行比较，关注其在音乐学习过程中的进步和成长。 多元评价主体： 评价主体不应局限于教师，还可以包括学生自评、互评、家长评价等，形成多方位的评价视角。 结语 《音乐课程标准》是一本凝聚了教育智慧的结晶，它为新时代的音乐教育描绘了一幅清晰而美好的蓝图。它不仅是教师教学的指南，也是学生音乐成长的灯塔。我们相信，通过深入理解和有效实施本书所倡导的理念和方法，中国的音乐教育必将迈上新的台阶，培养出更多热爱音乐、懂得欣赏音乐、能够用音乐表达自我、创造美好的未来人才。让音乐的光芒照亮每一个孩子的心灵，让美妙的旋律在校园中永远回响！

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这本书的论述方式极其晦涩，充满了教育学领域常见的“黑话”，这对我们这些从专业音乐院校出来，更习惯于用音乐语言交流的教师来说，简直是一种折磨。每一句话都恨不得用上三个从上级文件里“借用”过来的专业术语，结果就是把一个简单的概念绕了十八个弯。比如，关于器乐教育的部分，它用了大量的篇幅去阐述“跨学科整合”和“项目式学习”的必要性，但对于如何在一个四十分钟的课时内，让一群连五线谱都看不懂的孩子，真正上手演奏一件简单的民族乐器，书里完全没有给出一个哪怕是模糊的方向。我希望能看到一些关于教学法创新的讨论，比如如何将当地的民间音乐元素巧妙地融入到基础教学中去，从而降低学生的学习门槛，激发他们的文化认同感。然而，这本书提供的，更多是理论框架的堆砌，仿佛作者认为只要把最时髦的教育理念名词塞进去，课程标准就自然高大上了。结果却是，对于实际操作层面，它几乎是失语的。

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这本号称“音乐课程标准”的书，说实话，我拿到手的时候心里是有点期待的，毕竟教育改革年年都有，希望能看到一些新颖、实用的东西。然而，翻开第一页，那种扑面而来的官方文件气息就让人有点泄气。全书的结构就像是把一堆教育部的红头文件生硬地拼凑起来，缺乏流畅的逻辑衔接。它罗列了大量的教学目标、课程设置的时长、评估指标等等，但这些内容大多停留在“应该做什么”的层面，对于“如何做”却着墨甚少。比如，它要求学生具备“初步的音乐鉴赏能力”，但对于一个县城小学的音乐老师来说，面对资源匮乏和学生基础参差不齐的现实，这本书里没有提供任何可操作性的案例或工具支持。我试着在其中寻找一些关于如何利用现有简陋设备开展合唱训练的技巧，或者如何激发对古典音乐不感兴趣的青春期孩子的热情的方法，结果一无所获。它更像是一个宏观的政策蓝图，而不是一本能带进教室，直接指导日常教学的实用手册。对于一线教师而言，这样的标准与其说是指导，不如说是一种鞭策和压力，因为所有的评价体系都建立在这些抽象的指标之上，让人感觉自己随时可能因为“没有完全达到标准”而被审视。

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坦白讲，这本书在地域差异性与资源平衡性上的考量几乎为零，这是它最大的硬伤。我们都知道，一个城市里的重点学校和地处偏远的乡村学校，在师资力量、乐器配置、甚至学生家庭的音乐文化熏陶程度上，都有着天壤之别。理想的课程标准应当具有足够的灵活性和可调适性，能够指导不同地区、不同条件的学校因地制宜地开展教学。然而，这本书的内容更像是为那些拥有专业音乐教室、配备了全套电教设备和专业教师的“模范学校”量身定做的。对于那些只有一位音乐老师，甚至音乐课被挤占到一年只有十几节的学校来说，这本书提出的那些动辄要求“成立小型交响乐团”或“进行多声部合唱排练”的目标，简直是遥不可及的笑话。它没有提供任何关于“资源受限环境下的最佳实践”的建议，导致这份标准在实际推广中，只会进一步拉大教育资源的鸿沟，让边缘地区的音乐教育更加无所适从。

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我必须指出，这本书在对不同发展阶段学生的心理特点把握上，显得力不从心，甚至可以说是脱节。它设定的标准似乎是针对一个理想化的、所有学生都拥有相同学习潜能的群体。例如，在针对小学低年级的标准中，对他们专注力的要求，以及对复杂节奏的掌握速度，明显超出了该年龄段儿童的实际认知发展水平。这让我怀疑编写者是否真正花时间在真实的小学课堂里观察过孩子们是如何学习和成长的。音乐学习的魅力在于它的启发性和包容性，它应该允许“慢下来”和“自由探索”的空间。但这份标准给我的感觉是，它预设了一个统一的、线性的进度表，要求所有人都必须在同一时间点达到同一个水平。这不仅对基础稍弱的孩子构成了巨大的心理压力，也扼杀了那些可能通过非传统路径发展出独特音乐才能的学生的可能性。这样的标准，与其说是“培养”，不如说是在“筛选”和“统一化”学生。

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读完这本书，我最大的感受是它成功地把音乐从一种充满情感、自由表达的艺术形式，彻底地转化成了一堆需要被量化、被考核的知识点。整个文本的笔触是冰冷的、技术性的，完全丧失了对音乐本身美感的关怀。我本来以为，作为“课程标准”，它至少会花些篇幅来探讨如何在音乐课堂上培养学生的审美情趣，引导他们理解旋律、和声背后的文化内涵。但这本书里，对“美”的探讨几乎是真空的。它强调的是技能的掌握程度——比如，要求学生能准确地唱出某个音域的歌曲，能识别某种特定的节拍。这让我联想到过去那种“为了考试而唱歌”的年代，音乐成了一种机械的训练，而不是心灵的对话。如果一个孩子在音乐课上只是学会了如何“达标”，却从未因为一段乐曲而心潮澎湃，那么这个标准无疑是失败的。它更像是一份针对行政人员的规范，而不是一份为教育者和学习者服务的指南，完全没有体现出音乐教育作为人文素养核心的价值所在。

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