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出版者:中央广播电视大学出版社

作者:王安国/王青

出品人:

页数:143

译者:

出版时间:2004-1

价格:16.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787304026301

丛书系列:

图书标签:

• 音乐
• 和声学
• 音乐理论
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《乐音之语：和声构成与色彩解析》 作者：[此处可填入您的笔名或常用名] 内容简介： 本书旨在为读者打开一扇通往音乐内心世界的大门，深入探索和声的奥秘。与传统的和声理论教材侧重于规则和技巧不同，《乐音之语》将目光投向和声的“内在生命”——它是如何产生、如何运作，以及如何赋予音乐以丰富的情感色彩。本书将以一种更为直观、富有启发性的方式，引导读者理解和声在音乐创作与鉴赏中的核心作用，从而更深层次地感受音乐的美学价值。 第一章：音与音的对话——和声的源起与基础 我们从最基础的“音”开始，探讨声音的物理属性如何与人类的听觉感知相契合，最终催生出和声这一概念。我们将追溯和声发展的历史脉络，从古希腊的泛音理论到中世纪的奥尔加农，再到文艺复兴时期复调音乐的成熟，理解和声并非凭空出现，而是音乐不断演进的必然产物。 声音的构成： 简要介绍基频、泛音列，以及它们如何影响我们听到的音色。 音程的感知： 深入分析不同音程（大二度、小三度、纯五度等）在听觉上的“和谐”或“不和谐”感受，并探讨其生理学和心理学上的原因。 三度叠加的魅力： 为什么三个音的叠加（三和弦）会成为和声的基本单元？我们将从泛音列的内在联系来解释这一现象，理解三度音程的天然亲和力。 基本音程的听辨训练： 提供一些实用的听辨方法，帮助读者快速准确地识别常见的音程。 和声的早期形态： 简要介绍单音音乐、奥尔加农、经文歌等早期音乐形式中的和声元素，展示和声是如何从简单的并列走向复杂的交织。 第二章：三和弦的家族——基本和声的原型 三和弦是和声的基石，本书将详细剖析大三和弦与小三和弦的构成、特性及其在音乐中的基本功能。我们将深入理解它们各自所蕴含的情感色彩，以及它们如何在音乐中扮演“稳定”与“不安”的角色。 大三和弦的明亮与积极： 分析大三和弦的音响特性，探讨它为何常常与快乐、光明、稳定联系在一起。 小三和弦的忧郁与内敛： 剖析小三和弦的音响特征，理解它所传达的细腻、深沉、甚至略带伤感的情感。 三和弦的转位： 介绍第一转位（六和弦）和第二转位（六四和弦）的构成与音响特点，理解转位如何改变和声的“重心”和“走向”。 和弦的“骨骼”： 通过图示与乐谱示例，直观展示不同根音的和弦，以及它们在音阶中的位置。 聆听大与小的细微差别： 提供对比性的听赏材料，引导读者分辨大三和弦与小三和弦在同一旋律背景下的不同感受。 第三章：色彩的延伸——属七和弦及其变体 属七和弦是连接与解决的关键，它为音乐带来了更强的动力和更多的色彩。本书将聚焦于属七和弦（G7）的构成、功能以及它在制造紧张与释放中的核心作用。同时，我们也将触及其他七和弦，拓宽和声的色彩视野。 属七和弦的驱动力： 深入分析属七和弦（三、五、七音与根音的关系），理解其内在的“离心力”与“向心力”。 解决的艺术： 详细讲解属七和弦如何解决到主和弦，以及这种解决所带来的听觉上的满足感。 属七和弦的听觉标记： 学习识别属七和弦，感受它在音乐中“迫不及待”想要解决的听觉体验。 其他七和弦的探索： 简要介绍大七和弦、小七和弦、半减七和弦、减七和弦等，理解它们各自独特的音响色彩和情感表达。 属功能在乐曲中的应用： 通过经典乐曲片段，展示属七和弦如何驱动音乐向前发展，制造悬念与期待。 第四章：和声的旅程——和弦进行与功能分析 音乐的生命力在于其“流动性”，而和弦进行的串联则赋予了这种流动以方向与意义。本章将深入探讨和弦进行的基本原则，理解不同和弦在音乐结构中的功能性（主功能、属功能、下属功能等），以及它们如何共同构建起音乐的逻辑与情感曲线。 和声的功能划分： 详细解析主和弦（T）、属和弦（D）、下属和弦（S）在调性音乐中的核心地位与相互关系。 最基本的“T-D-T”模式： 理解这是构建音乐稳定性的基础，也是最常见的和弦进行之一。 “T-S-D-T”的经典进行： 探究四和弦进行的结构与情感表达，感受其叙事性的力量。 导向性与避免平行： 讲解和弦进行中的基本规则，如避免平行五八度，理解这些规则如何保证音响的清晰与美感。 属功能序列的延展： 探讨属和弦的进一步发展，如属属和弦（DD）等，理解它们如何增强音乐的导向性。 乐曲片段的分析实践： 选择耳熟能详的乐曲片段，带领读者一步步进行功能分析，理解和弦进行在音乐叙事中的作用。 第五章：色彩的调和——和弦的连接与解决的智慧 和弦的连接并非简单的堆砌，而是充满智慧的艺术。本章将深入探讨各种和弦连接的方式，包括顺向、逆向、跨越等，并着重分析如何使和弦的解决更加自然、流畅，从而产生更佳的听觉效果。 顺向连接的平滑： 分析同一声部向上或向下进行，理解其听觉上的连贯性。 逆向连接的对比： 探讨声部进行方向相反时的张力与平衡。 保持音与经过音： 介绍这些非和弦音如何丰富和弦的音响，并为和弦连接带来趣味。 解决的“艺术”： 详细讲解各种和弦（如七和弦、减七和弦）解决的常见方式，以及如何通过巧妙的解决来制造惊喜或延续情感。 平行五八度的“禁忌”与“例外”： 深入理解为何要避免平行五八度，并分析某些特定风格中出现的“例外”情况。 从乐句到乐章的和声流动： 观察和弦进行如何在更宏观的音乐结构中发挥作用，构建起乐句、乐段乃至整个乐章的逻辑。 第六章：旋律的衣裳——和声与旋律的互动 旋律与和声是音乐的两个基本要素，它们密不可分，相互依存。本章将探讨旋律是如何与和声相互衬托、相互影响的，以及和声如何为旋律提供坚实的支撑与丰富的色彩。 旋律音与和弦音： 理解旋律中的音与构成当前和弦的音之间的关系，以及它们如何构成听觉上的和谐感。 旋律中的“不协和音”： 探讨倚音、经过音、波音等装饰音，理解它们如何为旋律增加色彩和动感，并与和弦产生对比。 和声为旋律“铺路”： 分析和弦进行如何引导旋律的走向，以及它们如何共同营造出特定的音乐情绪。 旋律的“骨架”与和声的“血肉”： 用形象的比喻，说明两者在音乐中的协同作用。 经典旋律与和声的匹配分析： 选择耳熟能详的旋律，分析其背后的和声进行，理解为何这样的旋律与和声如此契合。 第七章：情感的调色板——和声的情感色彩解析 和声不仅仅是音符的组合，更是情感的载体。本章将深入剖析不同和弦、和弦进行所蕴含的情感色彩，帮助读者建立起和声与情感之间的直接联系，从而更准确地理解和创作富有感染力的音乐。 大调与小调的情绪基调： 再次巩固大调的明朗与小调的深沉，并探讨其细微变化。 特定和弦的情感联想： 如属七和弦的“期待感”，减七和弦的“不安”或“戏剧性”。 和弦进行的叙事性： 分析一段和弦进行如何讲述一个“故事”，从引入冲突到化解矛盾。 色彩和声的运用： 简要介绍一些非功能性和弦，如挂留和弦、借用和弦等，理解它们如何为音乐增添别样的风味。 情感的“流动”与“转折”： 探讨和弦进行如何营造音乐情绪的起伏与变化。 音乐作品的情感分析： 选取不同风格的音乐片段，进行和声情感层面的深入解读，引导读者进行自我分析。 第八章：创作的翅膀——和声在音乐创作中的实践 理论的终极目标是服务于实践。《乐音之语》的最后一章将聚焦于和声在音乐创作中的实际应用，提供一些启发性的创作思路与技巧，鼓励读者将所学理论转化为自己的音乐语言。 从动机到乐句的和声编配： 如何为简单的旋律动机添加和声，构建出富有表现力的乐句。 和弦进行的设计： 掌握设计不同情感走向和声进行的方法。 旋律与和声的相互启发： 创作中如何让旋律与和声互相激发灵感。 不同音乐风格的和声特点： 简要分析流行、爵士、古典等不同风格中和声的运用差异。 即兴创作的初步探索： 提供一些关于在简单和弦基础上进行旋律即兴的思路。 你的音乐，你的声音： 鼓励读者在掌握基本理论的基础上，大胆尝试，形成自己的和声风格。 结语： 《乐音之语》并非一本枯燥的理论书，而是一次引导读者深入体验和声之美的旅程。本书力求以平实易懂的语言，结合丰富的音乐实例，让读者在轻松愉悦的氛围中，逐步掌握和声的构成原理，理解其情感表达的丰富性，并最终能够运用和声来丰富自己的音乐创作与鉴赏。愿本书能成为您音乐道路上的一盏明灯，照亮您探索乐音世界的美妙旅程。

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我接触过好几本关于音乐理论的教材，但《结构化分析：从曲式到诠释》这本书以其宏大的视野和严谨的分析方法，在我心中占据了独特的地位。这本书的价值在于它提供了一套完整的**音乐分析框架**，帮助读者从微观的和弦进行跳跃到宏观的曲式结构，实现一个完整的“闭环理解”。作者非常擅长使用图形化的工具来展示乐曲的骨架，比如如何用树状图来解析奏鸣曲式中呈示部、发展部和再现部的内在逻辑关联，以及如何通过动态的“张力曲线图”来描绘一段音乐的情感高潮和低谷。这种系统性的思维训练，让我不再满足于“好听”这个简单的评价，而是能深入探究作曲家是如何通过结构设计来引导听众的情绪体验的。对于有志于音乐史研究或者想成为专业乐评人的人来说，这本书提供的方法论是极其宝贵的，它教你如何用一把精密的尺子去丈量音乐的艺术价值。

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哇，我刚刚读完了这本《乐理基础精要》，简直是打开了我音乐世界的一扇新大门！这本书的编排太棒了，它没有堆砌那些晦涩难懂的术语，而是用一种非常生活化的语言，把复杂的概念掰开了揉碎了讲。我记得最清楚的是它讲解**调式**那一部分，作者没有直接给出枯燥的音级关系，而是通过描述不同调式听起来的“情绪”——比如多利亚调式的那种略带忧郁的色彩，或是利迪亚调式那种明亮又略带梦幻的感觉。这种将理论与情感体验结合的方式，让我瞬间就抓住了核心。而且，书里的大量实例分析，选取的都是大家耳熟能详的经典曲目，这样我就可以在听音乐的时候，立刻在脑海中对应上书中学到的知识点，感觉学习的效率一下子就提高了好几倍。对于初学者来说，这本书绝对是那种“相见恨晚”的宝典，它让你在享受音乐的同时，不知不觉就掌握了背后的逻辑。我强烈推荐给所有对音乐理论有兴趣，但又害怕传统教材的“硬骨头”的人士！

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我是一名自学音乐创作的业余爱好者，最大的困扰就是无法把脑海中那些模糊的旋律“落地”成完整的作品。在翻阅《旋律构建与动机发展》这本书之前，我常常陷入“只有上层建筑没有地基”的窘境。这本书的结构非常清晰，它从最基础的**动机提炼和扩展**讲起，教会我如何从一小段简单的旋律素材中，挖掘出可以支撑整首作品的潜力。书中介绍的各种发展手法，比如移位、扩大、缩小、逆行等，不再是冷冰冰的术语，而是作者用清晰的笔触，一步步演示如何将其巧妙地融入到实际的音乐片段中。我尤其喜欢它对“对比与统一”原则的强调，这让我明白了音乐作品的连贯性和趣味性是并存的。这本书让我真正明白了“少即是多”的创作哲学，学会了如何用最精炼的音乐语言表达最丰富的情感。如果你的目标是成为一个会写歌、会写段落的音乐人，而不是一个理论家，那么这本书的实践指导性是无可替代的。

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说实话，我本来对这类讲解“技术性”乐理的书籍是持保留态度的，总觉得它们要么过于学院派，要么就是蜻蜓点水。但《和声的艺术与实践》这本书完全颠覆了我的看法。这本书最让我佩服的是它对**织体与配器**的深入剖析。它不只是教你怎么进行和弦连接，更重要的是它告诉你“为什么”要这么连接，不同声部在和声进行中扮演的角色是什么，以及这种进行会带来什么样的听觉效果。作者对巴洛克时期和浪漫主义时期作品的对比分析尤其精彩，通过具体乐谱的片段，清晰地展示了作曲家在特定历史背景下如何运用和声语言来表达戏剧性的张力。阅读过程中，我感觉自己就像是站在作曲家的肩膀上，近距离观察他们的创作过程。书中的图示和分析步骤详尽到令人发指，但又绝不冗余，每一个细节都服务于最终的目标——让你真正理解音乐的“骨架”是如何搭建起来的。这本书更像是一本高级的作曲技术手册，而不是简单的教科书，对于已经有一定基础，想往专业方向深耕的朋友来说，是不可多得的良师益友。

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《音响的色彩与空间》这本书简直是一场听觉的盛宴，它彻底改变了我对“听音乐”这件事的理解。我之前一直以为乐理知识只关乎音高和节奏，直到我读了这本书中关于**节奏的复调处理**和**音色在和声中的作用**的章节。作者用极其精妙的比喻，将复杂的对位关系描述得如同不同舞伴在舞池中的互动，A声部在主导，B声部在回应，C声部在点缀，让抽象的对位听起来具象化、生动化。它不仅涵盖了对位法的基础，更延伸到了现代音乐中对非传统音色（如打击乐器的特殊敲击法、弦乐器的泛音）如何融入到和声框架中的探讨。读完后，我重新听了很多以前听过的交响乐，突然之间，我能清晰地分辨出不同声部之间的张力与平衡，那种如同剥洋葱般层层深入的理解感，是任何纯粹的听力训练都无法替代的。这本书更像是给耳朵做了一次全方位的“体检和升级”，让我对音乐的感知维度拓宽了不止一倍。

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ErX6/ 如其名。简单了解下和声。

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