盛世华服款式设计 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:中国轻工业出版社

作者:冯玲玲

出品人:

页数:120 页

译者:

出版时间:2002年1月1日

价格:26.0

装帧:平装

isbn号码:9787501933891

丛书系列:

图书标签:

• 服装设计
• 华服
• 款式
• 中国风
• 传统服饰
• 服饰文化
• 历史服装
• 工艺美术
• 设计灵感
• 服装史

《盛世华服款式设计》是一本关于中国古代服饰款式设计的著作，它将带领读者穿越历史的长河，深入探索中国古代社会不同时期、不同阶层的华美服饰。本书并非仅仅罗列史料或简单展示图片，而是旨在通过对服饰款式设计这一核心要素进行深度剖析，揭示其背后蕴含的文化、审美、工艺和时代精神。 一、 宏观视角：时代变迁与服饰演进 本书首先会构建一个宏大的历史框架，从先秦时期朴素而富有象征意义的服饰，到秦汉时期奠定汉族服饰基本形制的深衣，再到魏晋南北朝的融合与创新，唐朝的雍容华贵与开放包容，宋代的理性与雅致，明代的繁复与端庄，直至清代满汉服饰的交织与演变。对于每一个重要的历史时期，本书都将从其政治、经济、文化、对外交流等方面入手，分析这些社会因素是如何深刻影响服饰的款式、色彩、纹样和穿着方式的。 例如，在论述唐朝服饰时，不会仅停留在“袒胸露肩”的表面印象，而是会详细分析其款式设计的缘由。盛唐时期对外交流的空前繁荣，使得来自西域、波斯等地的服饰元素得以吸收融合，例如胡服的窄袖、翻领等设计，以及丝绸之路带来的异域色彩和纹样，都深刻影响了唐代服饰的风格。本书将通过对史料的细致梳理，以及对出土文物、壁画、陶俑等图像资料的深入解读，呈现唐朝服饰款式设计的丰富性和多样性，包括圆领袍、襦裙、半臂、披帛等经典款式，并分析它们在不同场合、不同身份人群中的具体应用。 再以宋代为例，本书将强调宋代服饰在经历唐朝的华丽之后，回归到一种更为内敛、理性、注重自身文化认同的审美取向。宋代服饰在款式设计上，更加讲究线条的流畅、结构的匀称，以及细节的精致。例如，宋代女子的襦裙，虽然结构上与唐代有传承，但在廓形上更显修长，裙摆的褶裥变化更为丰富，袖子的设计也更加多样。本书会详细探讨宋代文人士大夫对服饰品味的引导作用，以及理学思想对服饰审美的影响，从而解释宋代服饰为何呈现出“雅致”的特点。 二、 微观剖析：款式设计的核心要素 在宏观的历史脉络梳理之后，本书将深入到款式设计的微观层面，对构成古代服饰款式的核心要素进行详细拆解和分析。 廓形与结构： 这是服饰款式的骨架，决定了服饰的整体形态。本书将分析不同时代、不同类型的服饰在廓形上的演变，例如直裾、曲裾、圆领袍、交领右衽、U型领、V型领等。对于每一种廓形，都将详细解释其结构特点，例如衣襟的开合方式、袖子的形状（直袖、宽袖、窄袖、箭袖等）、衣身的剪裁方式（直裁、省道、打褶等），以及这些结构设计如何适应古代人们的活动需求和审美观念。例如，深衣之所以在汉代广为流行，在于其“续衽”和“交领右衽”的结构，既符合礼仪规范，又方便了活动。 领型与袖型： 领型是服饰上半部分的灵魂，而袖型则展现了服饰的动感和细节。本书将系统梳理中国古代服饰中常见的领型，如圆领、方领、直领、交领、斜领、盘领、立领等，并分析其在不同朝代的流行趋势和设计演变。同时，也会对袖型进行深入研究，从直袖、宽袖、窄袖、箭袖，到大袖、窄袖、琵琶袖等，探讨其与服装整体风格、穿着场合以及工艺水平的关系。例如，唐代女性服饰中流行的大袖，不仅增加了服饰的飘逸感，也与当时追求雍容华贵的审美风尚相契合。 下装的形制： 下装是服饰的重要组成部分，其款式设计同样承载着丰富的文化内涵。本书将重点分析裙、裤、裳等下装的形制演变。对于裙，将探讨其长度、宽度、褶裥、裙腰等设计特点，如战国时期的“裙”（即上衣下裳制）、汉代的曲裾裙、唐代的齐胸襦裙、宋代的百褶裙等，分析它们在不同历史时期的流行样式和设计理念。对于裤，则会分析其从早期隐蔽的形制到后来成为独立服饰的演变过程，以及不同时期裤的长度、宽度、裤脚等设计特点。 连接与装饰： 服饰的整体效果离不开各种连接方式和装饰手法。本书将探讨古代服饰中常见的连接方式，如纽扣、系带、衣带、腰封等，分析它们在不同服饰类型和朝代中的应用。同时，也会深入研究服饰的装饰元素，虽然本书侧重款式设计，但装饰是款式设计不可分割的一部分。本书将侧重于装饰如何与款式设计相互呼应，例如，纹样在衣襟、袖口、领口等处的分布，以及这些装饰如何强调或改变服饰的整体廓形。 三、 特定领域：礼服、常服与生活服饰 本书还会根据服饰的功能和穿着场合，对其款式设计进行细致划分和深入探讨。 礼仪服饰的庄重与规范： 礼仪服饰在中国古代社会扮演着至关重要的角色，其款式设计往往遵循严格的礼仪规范，体现着等级制度和社会秩序。本书将重点分析不同场合的礼仪服饰，如祭祀服、朝服、冕服、公服等，深入研究它们的形制、结构、色彩、纹样以及穿着规制。例如，冕服作为帝王祭祀天地、祖先的最高等级礼服，其款式设计包含十二章纹、弁、绶、玉等复杂的元素，这些都不仅仅是装饰，更是象征着权力、德行和宇宙秩序。 常服的日常与个性： 常服是古代人在日常生活中穿着的服饰，相较于礼仪服饰，其款式设计更具灵活性和个性化。本书将分析不同阶层、不同职业的常服款式，例如士大夫的袍服、商人的便装、农人的简易服装等。在分析常服款式设计时，会关注其是否方便活动、是否体现个人品味，以及是否受到当时社会风尚的影响。 生活服饰的舒适与实用： 除了礼仪和常服，本书还会关注古代人日常起居、劳作等情境下的生活服饰。例如，在家中穿着的家居服，或者从事体力劳动时穿着的工作服。这些服饰在款式设计上往往更注重舒适性和实用性，例如宽松的剪裁、便于活动的结构等。 四、 跨界影响：工艺、材料与审美 款式设计并非孤立存在，而是与当时的工艺水平、材料特性以及审美观念紧密相连。 工艺技术对款式的塑造： 本书将探讨古代纺织、印染、刺绣、缂丝等工艺技术如何影响服饰款式的实现。例如，某些复杂的剪裁方式需要精湛的缝纫技术，而某些特殊的纹样则需要特殊的印染或织造工艺。工艺的进步也为款式设计提供了更多的可能性。 材料特性对款式的制约与启发： 不同材质的丝绸、麻、棉、毛等，其垂坠感、挺括度、光泽度等特性都会影响服饰的廓形和穿着效果。本书将分析材料的特性是如何在款式设计中得到充分利用，或者成为款式设计的制约因素。例如，轻柔的丝绸适合制作飘逸的大袖，而挺括的毛料则更适合制作结构感强的袍服。 审美观念的时代印记： 服饰款式设计是时代审美观念最直观的体现。本书将通过对服饰款式的分析，揭示不同历史时期人们的审美偏好，例如对简洁、对繁复、对写实、对写意、对东方韵味、对异域风情等的追求。 五、 结语：传承与创新 《盛世华服款式设计》并非仅仅是一部历史的回顾，更是一份关于中国古代服饰智慧的解读。它旨在通过对古代服饰款式设计的深入研究，为当代的服装设计提供丰富的灵感和借鉴。本书将强调，理解古代服饰的款式设计，不仅仅是了解“穿什么”，更是理解“为什么这么穿”，从而触及到中国古代深厚的文化底蕴和独特的审美情趣。本书希望通过严谨的考证和生动的解读，让读者在欣赏古代华服之美的同时，也能感受到其中蕴含的民族智慧和文化传承的力量。

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这本书的装帧和印刷质量本身就体现了一种“华服”的质感。纸张的选取非常讲究，既能承载高清晰度的彩色印刷，又保持了书籍本身的厚重感和历史的沉淀感。我最欣赏的是作者在叙事角度上的创新——他们没有将“盛世华服”视为一个孤立的审美对象，而是将其置于当时的政治气候、经济结构乃至气候变迁的大背景下进行剖析。有一段关于明代“补子”制度的论述，不仅解释了文官武将的品级划分，更精妙地分析了这些补子图案在视觉上如何实现威慑力和秩序感的统一。这种宏观视野的切入，让读者明白了服饰设计是如何服务于整个社会体系运作的。对于想了解服饰背后权力结构的人来说，这本书提供了非常坚实的理论基础，绝非表面文章。

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作为一名对汉服形制复原研究有长期兴趣的爱好者，我必须说，这本书在细节考证上达到了一个惊人的高度。最让我惊喜的是它对“襕衫”和“褶裙”在不同礼制场合下的穿着规范进行了细致的梳理和推演。作者似乎查阅了大量的壁画、雕塑以及出土文物记录，并辅以严谨的考古学视角来还原服饰的动态美感。比如，书中对于宋代褙子“对襟”与“系带”的变化趋势，提供了清晰的图表和文献佐证，这对于我们进行形制修正至关重要。我过去常常在网上看到一些形制不太准确的复原图，但这本书提供了一套近乎学院派的参考标准。特别是关于“披帛”的系法和长度，不同年龄段和身份的女性如何运用它来表达含蓄的礼仪，书中给出了极其详尽的步骤图解。这本书的价值在于，它将静态的服饰转化为可理解、可操作的文化符号。

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这本书提供了一种沉浸式的设计体验，它不只是让你看图片，而是鼓励你去“触摸”和“感受”面料的质地。书中详尽描述了不同时期织机的使用方式，以及匠人如何通过调整经纬线的密度来创造出不同的光泽和垂坠效果。我印象最深的是对“妆花”工艺的拆解，作者详细列举了不同纬线交织点对图案清晰度的影响，这对于任何想尝试高级手工复刻的人都是无价之宝。而且，这本书在配图上非常人性化，它不仅有成品图，还有大量的局部放大图和工艺流程图，真正做到了从宏观到微观的全覆盖。它教会我的不仅仅是“怎么画”一件华服，更是“为什么”它会是那个样子。这本书的深度和广度，完全配得上“典藏”二字。

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读完这本书，我感觉自己仿佛穿越回了那个光华璀璨的时代，每一个章节都像是在工坊里亲身体验一般。它最吸引我的地方在于对色彩哲学的探讨，这远超出了简单的“好看”范畴。作者详尽论述了古代染料的来源——从天然矿物到植物提取，每一种颜色背后都蕴含着特定的社会意义。比如，为什么在某些特定祭祀场合必须使用“玄色”？书中追溯了先秦以来的五行学说，将服饰的色彩与宇宙观紧密联系起来。我尤其欣赏书中对“间色”和“正色”运用的对比分析，这对于我们现代设计师来说，是汲取高级审美情趣的宝库。那些繁复的纹样，不再仅仅是装饰，而是被赋予了祝福、辟邪、彰显德行的符号。这本书对如何将这些深层意蕴转化为现代设计语言，提供了很多富有启发性的思路。

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这本关于盛世华服款式设计的书，简直是为我这种对手工技艺和传统文化痴迷的人量身定做的！我本来以为这只是本图册，没想到内容深度远超我的预期。光是开篇对唐代“丝绸之路”对服饰纹样影响的探讨，就让我津津有味地读了好几遍。作者没有停留在简单的描述，而是深入挖掘了不同地域文化如何通过丝绸的颜色、图案和材质，潜移默化地融入到盛唐的服饰美学之中。尤其是对“缭绫”和“蜀锦”工艺的详细介绍，简直是开了眼界。书里配的插图，无论是线描图还是色彩复原图，都极其考究，能清晰地看到每一处刺绣的针法走向和面料的垂坠感。我特别喜欢其中一章对比分析了不同时期贵族与平民服饰的形制差异，让人真切感受到等级制度在服装上的具体体现，而非空泛的理论。这本书不仅是设计参考，更像是一部生动的服饰史，让我对古代织造技术产生了由衷的敬佩之情。

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