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出版者:山西教育出版社

作者:傅谨

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2000-1

价格:19.60元

装帧:平装

isbn号码:9787544019668

丛书系列:中国艺术论丛书

图书标签:

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《中国戏剧艺术论》 一部全面而深入的中国戏剧艺术探索之旅 《中国戏剧艺术论》并非一本简单的戏剧史梳理，它是一次对中国戏剧艺术本体进行深度挖掘与系统阐释的智识旅程。本书以宏大的历史视野和精微的学术眼光，将中国戏剧艺术置于其独特的文化、哲学、社会语境中进行考察，力图剥离表象，直抵其内在的审美特质、表演原理、叙事模式以及哲学意蕴，从而为读者呈现一个立体、鲜活、富有生命力的中国戏剧艺术世界。 本书的写作，旨在填补当前学术研究在系统性、原创性以及理论深度上的某些空白，它并非对既有研究成果的简单堆砌，而是力求在此基础上，以一种更为宏观和辩证的视角，重新审视和理解中国戏剧的演进脉络与艺术成就。我们试图构建一个贯穿始终的理论框架，将不同时期、不同剧种的戏剧现象有机地联系起来，揭示其内在的共性与个性，以及它们在时代变迁中的流变与发展。 第一部分：中国戏剧的文化基因与哲学根基 本书的开篇，将目光投向中国戏剧艺术赖以生存和发展的深层文化土壤。我们认为，理解中国戏剧，必须首先理解中国人的思维方式、价值观念以及世界观。 儒家思想的塑造： 儒家所强调的“礼”、“乐”、“仁”、“孝”，深刻影响了中国戏剧的伦理道德取向、人物塑造的道德标准以及舞台呈现的秩序感。戏剧作为一种教化人心的艺术形式，在很大程度上承载了儒家提倡的社会道德规范与人生理想。从早期神话传说中的道德榜样，到戏曲中“忠孝节义”的反复演绎，儒家思想的印记无处不在。我们还将探讨，在某些特定历史时期，儒家思想是如何与戏剧创作形成一种张力关系，催生出具有批判精神的戏剧作品。 道家哲学的渗透： 道家所崇尚的“自然”、“无为”、“超脱”，则为中国戏剧带来了另一番审美情趣。它体现在对个体情感的自由抒发，对世俗功利的疏离，对人生无常的体悟，以及对自然景物的独特描摹。许多戏剧人物的内心挣扎与精神追求，都蕴含着道家的哲学思辨。尤其是在一些充满象征意义的表演程式和舞台意象中，道家的“气韵生动”和“神形兼备”的追求得到了淋漓尽致的体现。 佛教的启迪： 佛教关于因果轮回、虚空无常、众生平等的主张，也为中国戏剧提供了丰富的叙事素材和深刻的哲学思考。许多戏剧作品通过展现人物的命运起伏，来表达对人生苦难的认知，以及对解脱与超越的向往。寺庙戏、因果报应戏等剧种的出现，更是直接受到了佛教思想的影响。佛教的“空”与“色”的概念，也对戏剧的写意性、象征性表演产生了深远的影响。 第二部分：中国戏剧的本体论：表演、程式与写意 在本部分，我们将聚焦于中国戏剧最核心的艺术本体——表演。中国戏剧的表演，并非单纯的模仿现实，而是建立在一套独特的、高度提炼的艺术语汇之上。 “形”与“神”的辩证统一： 中国戏剧的表演追求“形似”与“神似”的有机结合。它强调演员对外在形象的精准把握，同时也注重内在情感的真实流露，以及角色精神气质的传达。本书将深入分析演员如何通过程式化的身段、唱腔、念白，以及脸谱、服饰等外部手段，来塑造出一个鲜活、立体的人物形象，并从中体悟到其灵魂深处的情感与思想。 程式化的魅力与创新： “程式”是中国戏剧表演的灵魂。它是一种约定俗成的、高度凝练的表演技巧和艺术规范，既是传承的载体，也是创新的源泉。本书将详细解析不同剧种的经典程式，例如京剧的“唱念做打”，昆曲的“水磨腔”等，并探讨程式在不同时代、不同演员手中所展现出的生命力与创造性。我们认为，对程式的深刻理解与灵活运用，是区分优秀演员与一般演员的关键。 写意性美学： 中国戏剧的舞台呈现，深受中国传统绘画“写意”美学的影响。它不追求对现实场景的完全复现，而是通过象征性的道具、简洁的布景、虚拟的表演，来引发观众的想象，共同构建一个艺术空间。一桌二椅可以象征宫殿，一根马鞭可以代表骑马。这种“虚实相生”的艺术手法，极大地拓展了戏剧表现的边界，也使得中国戏剧具有了一种独特的诗意与哲学韵味。 第三部分：叙事艺术的变奏：故事、结构与人物 中国戏剧在叙事上，也展现出其独特的艺术魅力。本书将对中国戏剧的叙事模式进行细致的分析。 情节的跌宕与人物的命运： 中国戏剧的故事，常常围绕着人物的命运展开，情节跌宕起伏，充满戏剧性冲突。无论是历史演义、民间传说，还是才子佳人的故事，都力求在有限的篇幅内，展现人物从困境走向高潮，再到最终结局的完整历程。本书将分析不同类型的故事如何被戏剧化，以及故事的结构如何服务于人物命运的展现。 “三节七场”与“起承转合”： 我们将探讨中国戏剧在结构上的规律，例如“三节七场”的经典结构，以及“起承转合”的叙事逻辑。这些看似简单的规则，实则蕴含着深刻的叙事智慧，能够有效地引导观众的情感，并突出戏剧的核心冲突。 人物塑造的类型化与个性化： 中国戏剧的人物塑造，既有高度的类型化特征（如生、旦、净、丑），又能在类型化的框架内，展现出鲜明的个性。本书将分析演员如何通过脸谱、唱腔、身段等多种手段，将一个脸谱化的角色，赋予生动的生命力，使其成为一个有血有肉、令人难忘的艺术形象。 第四部分：多元剧种的百花园：地域文化与审美共鸣 中国幅员辽阔，地域文化差异巨大，这使得中国戏剧呈现出百花齐放、异彩纷呈的景象。本书将对中国重要的剧种进行考察，揭示其地域特色与艺术价值。 从北到南，从东到西的剧种扫描： 从北方的京剧、评剧，到南方的昆曲、越剧、粤剧，再到西部的秦腔、川剧，本书将对具有代表性的主要剧种进行介绍。我们不仅会梳理它们的起源与发展，更会深入分析它们在音乐、表演、唱腔、地域文化融合等方面的独特之处。 地域文化与戏剧的互动： 每一个剧种都是其所处地域文化的结晶。江南的温婉细腻，北方的粗犷豪放，山陕的粗犷高亢，都通过各自的戏剧得到了生动的体现。本书将着力探讨地域文化如何渗透到戏剧的每一个细节，形成独特的审美风貌，并进而引发观众的强烈共鸣。 第五部分：中国戏剧的现代性与未来展望 在对中国戏剧的传统进行深入考察之后，本书的最后部分将目光投向中国戏剧的现代性探索与未来发展。 传统与现代的对话： 在全球化和现代化进程中，中国戏剧如何面对挑战，如何在传承传统的同时，融入现代审美观念，实现创新发展？本书将梳理近现代以来，中国戏剧在改革与创新方面的实践，例如对西方戏剧理论的学习与借鉴，以及对传统剧目在现代语境下的重新诠释。 当代戏剧的多元探索： 当代中国戏剧，在保持民族特色的同时，也呈现出更加多元化的发展趋势。从实验戏剧到新媒体戏剧，从传统戏曲的现代化改编到原创话剧的蓬勃发展，本书将对这些新的艺术形态进行观察与分析。 面向未来的思考： 本书的结尾，将对中国戏剧的未来发展提出一些思考。我们认为，中国戏剧的生命力在于其不断地与时代对话，与观众沟通，在保持民族精神的同时，不断探索新的艺术语言和表现形式，从而在世界戏剧舞台上焕发出更加璀璨的光彩。 《中国戏剧艺术论》力求以一种开放、包容、批判性的学术态度，展现中国戏剧艺术的博大精深。本书适合对中国传统文化、戏剧艺术感兴趣的广大读者，以及相关专业的学生和研究者阅读。它不仅是一部学术专著，更是一次对中国传统文化瑰宝的深情回望与深度解读，希望能为读者打开一扇通往中国戏剧艺术神秘而迷人世界的大门。

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读完《中国戏剧艺术论》，我最大的感受是作者的视野之广博和研究之精细。这不是一本满足于泛泛而谈的入门读物，它更像是一部学术的里程碑，将中国戏剧艺术的脉络梳理得清晰而有力。我尤其对其中关于“程式化”的探讨印象深刻。很多外行人总觉得戏曲的动作僵硬、不自然，但这本书却巧妙地揭示了这些“程式”背后所承载的文化密码和审美标准。作者引用了大量古代文献和现代评论家的观点，互相印证，构建了一个严密的逻辑体系。比如，在分析脸谱艺术时，他不仅仅停留在色彩的象征意义上，更将其与古代的相术、礼制关联起来，形成了一个多维度的解读框架。行文间充满了学者的严谨，但又没有让人感到晦涩难懂，大量的图文并茂的分析，让复杂的理论变得触手可及。对于想深入研究戏剧史、美学或者舞台实践的人来说，这本书无疑是提供了坚实的基础和前沿的思考方向。

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这本《中国戏剧艺术论》实在是让人爱不释手！我是在朋友的强烈推荐下买的，原本以为会是一本枯燥的理论书籍，没想到作者的文笔如此生动流畅，简直像是在听一位老艺术家娓娓道来。书的装帧设计也很雅致，拿在手里沉甸甸的，一看就是用心之作。我最欣赏的是作者对不同剧种的深入剖析，比如京剧的“一桌二椅”如何蕴含了深厚的哲学意境，昆曲的婉转唱腔如何体现了古典美学的精髓。他不仅仅是在罗列知识点，而是将艺术家的心路历程、创作的时代背景都融入其中，读起来让人仿佛置身于那个百花齐放的戏曲舞台前。特别是关于“虚拟性”在传统戏曲中的体现那一章，作者用了很多生动的例子来解释，一下子打通了我过去对一些传统表演手法的困惑，让我对中国戏曲的博大精深有了更深一层的理解和敬畏。这本书绝对是戏曲爱好者案头必备的经典读物，无论是初学者还是资深戏迷，都能从中汲取到宝贵的养分。

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我是一个对中国传统文化有浓厚兴趣的普通读者，并不是专业人士，但《中国戏剧艺术论》成功地吸引了我，并且让我产生了强烈的共鸣。这本书最成功的地方在于，它有效地架设了一座沟通古典艺术与现代观众之间的桥梁。作者没有使用过于晦涩的术语去设置阅读门槛，即使是涉及到复杂的戏曲美学概念，也能用贴近生活的比喻和逻辑清晰的论证来加以阐释。我特别喜欢作者在收尾部分对未来戏曲发展的展望，那种既尊重传统又积极探索创新的态度，非常令人振奋。读完后，我不再觉得传统戏曲是“老古董”，反而觉得它充满了生命力和适应性，有着无限的潜力去对话当代社会。这本书极大地激发了我去现场观看更多原生态演出的欲望，它为我打开了一扇通往更深层次欣赏之门。

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坦白说，我最初翻开《中国戏剧艺术论》时，对“论”这个字有些抗拒，担心全是空洞的理论说教，但事实证明我的顾虑完全是多余的。这本书的叙事方式非常灵活，它不是平铺直叙地介绍，而是穿插了大量的历史轶事和艺术家的口述回忆，让整个论述过程充满了“人情味”。举个例子，书中提到某位清代名角的学艺艰辛，那种为达“神似”而不惜代价的执着，读起来让人唏嘘不已。这种将宏大的艺术理论与具体的个体生命经验相结合的手法，极大地增强了文本的感染力。它让我明白了，任何伟大的艺术形式，背后都凝聚着无数代艺术家用血汗和生命浇灌的努力。它不仅是一部艺术论著，更是一部关于匠人精神的颂歌，让人肃然起敬。

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这本书的阅读体验，说实话，充满了惊喜和震撼。我一直以为自己对中国戏曲有所了解，看过一些现代改编的作品，但这本书让我意识到，我对传统艺术的理解还停留在非常表层的观光客阶段。作者的笔触非常细腻，他没有把戏曲仅仅当作一种娱乐形式来介绍，而是将其提升到了民族精神和文化符号的高度去审视。例如，书中对“文武场”的配乐和演员调度之间的微妙平衡的描述，让我重新思考了现场感和叙事节奏的关系。作者似乎拥有一种神奇的能力，能将无形的听觉和视觉体验，转化成清晰可感的文字结构。我甚至能想象出那种“声光色”完美融合时的那种震撼人心的力量。读完之后，再去听任何一出传统戏，都会带着一种全新的、更具穿透力的视角去看待每一个眼神、每一个手势，这是一种知识带来审美的升华。

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作者早年的研究成果。昆曲、京剧不足以代表整个中国戏曲。

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很有启发性

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作者早年的研究成果。昆曲、京剧不足以代表整个中国戏曲。

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没一句废话

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