顾氏画谱（上下） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:江苏古籍出版社

作者:顾炳

出品人:

页数:121

译者:

出版时间:2003-1

价格:240.00元

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isbn号码:9787806434901

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《丹青遗韵：中国传统绘画精品赏鉴》 第一卷：山水意境与人文情怀 本书精选了自魏晋南北朝至清末民初，中国山水画发展历程中具有里程碑意义的代表性作品，旨在系统梳理和深入解读中国传统山水画的审美取向、笔墨语言及其所蕴含的深厚人文精神。全书内容不以地域或朝代简单划分，而是着重探讨山水画从“写物”到“写心”的演变脉络。 绪论：山水之间的“可游可居” 开篇首先阐述了中国山水画的哲学基础——“天人合一”的宇宙观。山水画不仅仅是对自然景物的描摹，更是画家“胸中丘壑”的外化。本章详细剖析了魏晋时期士人对山水的精神寄托，探讨了顾恺之“迁想妙得”的理论对后世山水画创作的启示，并引入了谢赫“六法”中“气韵生动”在山水画中的具体体现。 第一章：初唐的浑厚与盛唐的气象 本章聚焦于李思训、李昭道父子的金碧山水，分析其工整典雅的风格，如何奠定了盛唐画派的华贵基调。随后深入探讨了王维开创的“水墨为上”的革新，分析他如何将禅宗的空寂境界融入山水之中，实现“诗中有画，画中有诗”的艺术高度。我们着重分析了唐代山水画中对“势”的强调，即山体结构的力量感和动态感。 第二章：中晚唐的转折与五代的勃发 唐末战乱催生了山水画向内省和写实的过渡。本章将细致解读荆浩、关仝等“北派”巨匠的“全景式”构图，分析其对北方山脉的雄伟刻画，以及他们如何确立了巨碑式山石的笔墨规范。紧接着，我们转向江南的董源、巨然，探讨“南派”的“披麻皴”等技法，展现南方温润、松秀的地域特征，以及其对后世文人画的影响。 第三章：宋代的理论高峰与技法的成熟 宋代是山水画理论最为完备的时期。本章详述了宋徽宗的“宣和画院”对院体山水的规范化要求，及其在描绘自然精确性上的成就。重点分析了范宽《溪山行旅图》中“近景不写，远景特写”的独特处理手法，以及李唐、刘松年等“马夏”画派的“一角半边”构图，解析这种构图如何营造出开阔的意境和强烈的空间感，体现了宋人对“理”的追求。 第四章：元代的文人山水与笔墨的自觉 元代，山水画彻底脱离了宫廷和院体的束缚，成为文人表达心志的主要载体。本章详述“元四家”——黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙的艺术追求。我们深入剖析了黄公望“以书入画”的笔墨理论，倪瓒的“折带皴”与极简的萧疏之美，以及他们如何将书法中的“用笔”提升到与“造型”同等重要的地位，确立了文人画的主流地位。 第五章：明清的多元探索与地域流派 明代山水画呈现出“复古”与“创新”并存的局面。本章首先梳理了“吴门画派”在继承元代文人传统的基础上，所展现出的细腻与雅致。随后，着重分析了以董其昌为代表的“松江派”，他提出的“南北宗论”对后世画史评价产生的深远影响。清代，以“四王”为代表的正统画派，如何通过对前人笔法的集大成，构建了一个庞大而严谨的笔墨体系。同时，也探讨了石涛、八大山人等“个派”画家，如何以强烈的个性和颠覆性的笔墨语言，对僵化的传统进行批判与重塑。 附录：皴法辨析与墨分五色 本附录以图例形式，系统梳理了中国山水画中主要的皴法，如披麻皴、斧劈皴、荷叶皴等，并结合具体画作实例，讲解了焦、浓、重、淡、清“墨分五色”在表现山石、树木、云水时的不同效果。 --- 第二卷：人物、花鸟与器物——意趣与法度的交织 本书的第二卷将视野从宏大的山水转向精微的人物、生动的花鸟以及富有文化内涵的器物画，全面展现中国传统绘画艺术的多样性和深刻内涵。 绪论：从“人物为上”到“万物皆可入画” 本卷开篇回顾了中国画“人物为上”的早期传统，并探讨了随着时代发展，花鸟、山水等题材如何逐渐独立并达到与人物画比肩的地位。重点阐述了“写意”与“工笔”在不同题材中的应用，以及它们如何共同构筑了中国画的艺术格局。 第一章：人物画的“传神”之境 本章聚焦于人物画的审美核心——“传神写照”。从顾恺之的“传神论”开始，追溯六朝及唐代人物画的黄金时代。详细解析阎立本、吴道子等大师的笔法特征，特别是吴道子“吴带当风”的线条魔力。随后，深入探讨宋代人物画在写实主义上的成就，以及元明清时期以“古意”为尚，注重历史典故与道德寓意的表现手法。本章还特别设置一节，探讨明清文人画中对“仕女”和“高士”形象的刻画，分析其中寄寓的社会心态。 第二章：花鸟画的生命赞歌 花鸟画是中国最具生命力和生活气息的画科之一。本章首先介绍唐代边鸾、薛稷的富丽工整，随后重点分析了五代黄筌、黄居寀的“黄家富贵”与写生传统。宋代，特别是赵佶的“院体花鸟”，体现了极致的观察入微与装饰美学。元代以后，文人画家如赵孟頫、王冕将花鸟画引入写意领域，赋予梅兰竹菊“四君子”以人格象征的意义。本章将细致对比工笔重彩与水墨写意在表现花鸟神韵上的差异，并深入剖析八大山人如何以极简的笔墨表达孤独与反叛。 第三章：写意精神与“四君子”的象征意义 本章专门探讨花鸟画中的写意精神。通过对竹、兰、梅、菊的专门解析，阐释它们如何从自然之物演变为中国士大夫精神的符号系统。例如，竹的虚心有节、梅的傲雪凌霜、兰的幽香自得、菊的隐逸高洁。本章结合大量画谱中的描绘范例，解析如何用简单的线条和墨色，勾勒出超越物象本身的文化意涵。 第四章：界画与静物：法度下的精微世界 界画，即使用界尺描画的建筑、器物类题材，代表了中国画对精确性与科学性的追求。本章介绍李思训父子在界画上的成就，以及元代王祯的《农书》中的插图所体现的实用性绘画传统。此外，本卷还涵盖了对静物（如瓜果、食物）的描绘，分析这些题材如何成为画家检验笔墨功力和生活态度的载体。 结论：传统绘画中的“技、道、心” 全书最后总结，中国传统绘画艺术并非孤立的技法集合，而是“技法”（笔墨规范）、“道”（哲学思想）与“心”（个人情感）三者合一的产物。无论是气势磅礴的山水，还是精妙绝伦的花鸟，其核心都在于画家如何通过画面，与观者进行一场关于生命、自然与宇宙的深度对话。本书旨在提供一把钥匙，帮助读者领略传统绘画中蕴含的丰富层次与永恒魅力。

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对于纯粹的艺术研究者而言，这部《顾氏画谱》的文献价值无疑是极高的。它不仅仅是一本“画册”，更是一部活生生的清代乃至明末的艺术史料。我注意到编者在收录作品时，对于不同流派和地域风格的代表性作家的作品都有所侧重，这使得整部画谱的体系结构非常完整和平衡。例如，在卷首的序言和跋文中，我们可以窥见当时艺术界的一些争论和审美取向，这些都是后世研究者难以获取的第一手资料。我特别关注了其中关于“仿古”这一现象的探讨，画谱并未简单地赞扬或贬低仿古，而是深入分析了其背后的传承与创新关系，体现了高度的学术严谨性。即便是那些看似重复的“范本”，仔细对比也会发现，每一幅都有其独特之处，是特定时期画家理解与诠释前人经典的产物。它像一个时间胶囊，将过去的艺术思想凝固在了纸上，等待我们去开启和解读。

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最让我感到惊喜的是，这部画谱在技法讲解中，常常穿插着对“心法”的强调，这正是传统艺术的精髓所在。它并非冷冰冰地告诉你“线条应该这样走”，而是会引导你理解“为什么这样走”。比如在描绘人物的衣纹时，书中会提及“须如流水，不可滞涩”，这种充满生命力的比喻，远比生硬的几何规则来得有效和深刻。它教会我的不是如何画出顾氏的风格，而是如何通过学习顾氏的系统方法，找到我自己的“笔墨语言”。这种由表及里的教导，使得学习过程充满了启发性。每一次重读，都有新的感悟，仿佛与不同时代的画家进行了一场跨越时空的对话。对于追求艺术道路上“独创性”的实践者来说，这部画谱无疑是奠定扎实基础、拓展思维边界的绝佳指南。它的价值，在于它提供的不是终点，而是通往无限可能的坚实桥梁。

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我必须承认，刚开始接触这本书时，确实有些“不知所云”。它的语言风格非常古典，很多术语和典故需要反复查阅，这对于习惯了现代白话文的读者来说，无疑是一个挑战。但正是这种“门槛”，筛选出了真正有耐心和求知欲的读者。一旦跨过初期的障碍，你会发现其内容的丰富性令人咋舌。它几乎涵盖了当时所有主流画科的精华，从精微的人物白描到大气磅礴的界画，再到意境深远的文人写意。我个人特别偏爱其中关于花鸟画的单元，尤其是对梅兰竹菊不同笔法的细致区分，那份对细节的执着和对自然神态的捕捉，让人叹为观止。比如画竹，书中不止展示了不同季节的竹态，还区分了“老竹”与“嫩竹”的用墨浓淡、枝干的曲直变化，这种细致入微的指导，比起市面上那些浮于表面的教程，实在高明太多。读完后，我尝试按照书中的方法临摹了几幅小品，虽然功力尚浅，但已能体会到其中“法度”与“变化”的微妙平衡。

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翻开这本《顾氏画谱》（上下），首先映入眼帘的是那份深邃的历史感。装帧古朴典雅，纸张的触感温润而厚重，仿佛能触摸到那个时代的气息。我本来对传统画谱的期待不高，总觉得会是枯燥的技法罗列，但这部画谱完全颠覆了我的印象。它不仅仅是图样的集合，更像是一部艺术史的缩影。每一幅作品的旁边，都附有详尽的考证和作者的生平简介，这对于我这样希望深入了解中国绘画脉络的爱好者来说，简直是宝藏。尤其让我惊叹的是其中对于构图理念的阐述，那种将天地万物融入一纸之中的哲学思想，不是简单地模仿线条和墨色就能领会的。我花了好几个下午，对着其中关于山水画“气韵生动”的章节反复揣摩，那些看似随意的点皴擦染之间，蕴含着高超的笔墨控制力与内心的修养。这本书的价值，绝非仅在于“学画”，更在于“修心”。它引导观者去感受古人如何看待自然、如何将情感寄托于笔端，这种深度体验是现代快餐式学习无法比拟的。

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说句实在话，这本书的普及性可能不算高，它更适合那些已经有一定中国画基础，并希望提升自己审美层次和技法深度的进阶学习者。初学者可能会被其中大量的专业术语和高深的意境所迷惑，反而感到压力。但对于我这样的“老读者”来说，它就像是一位沉默的良师益友。我常常不是带着明确的目标去翻阅它，而是随手翻到某一页，然后就被那一两幅画中的气韵吸引，一坐就是半天。这种沉浸式的学习体验，是现代数字媒介难以给予的。画谱的装帧设计也十分考究，上下两册的篇幅分配恰到好处，使得在阅读和参考时，既能保持其整体性，又方便携带和翻阅。油墨的清香与纸张的纹理，共同构建了一种让人心静下来的阅读氛围，非常适合在安静的午后，泡一壶清茶，细细品味。

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看的是臺北學海出版社的《顧氏歷代名人畫譜》，才注意到書畫真是錯頁的，更可見利用錯版使圖文對應之套色墨譜《程氏墨苑》的難得。

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好看又好玩儿。

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