唐怀仁集王羲之圣教序(中)

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出版者:天津人民美术出版社
作者:王羲之
出品人:
页数:0
译者:
出版时间:
价格:31.0
装帧:平装
isbn号码:9787530520437
丛书系列:
图书标签:
  • 书法
  • 王羲之
  • 圣教序
  • 唐怀仁
  • 书法作品
  • 中国书法
  • 楷书
  • 书法临摹
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具体描述

近年来,书法字帖类图书已被天津人民美术出版社列入重要的出版项目。这套丛帖就是由刘建平社长亲自策划、积极组织作者编修整理、及时出版发行的

书法字帖类图书在当前竞争激烈的市场中,仍具有潜在空间的原因大略有三:一、旧印版本一经套色翻印,俨然下真迹一等,无论收藏、临习,读者需要印刷清晰的原版碑帖;二、电脑图文处理手段渗入传统碑帖的修复工作,重新编印的碑帖为初学者提供了更直观、更便利的途径;三、编辑含量的增加,从碑帖本身到文字注释,从技法讲解到版本考证,从整拓复原到修残补遗,书法从艺术本体也逐渐向文学、史学,乃至文献学,考古学蔓延。书法的文化特征就此凸现出来,因而必将成为中国传统文化的一个亮点。

基于上述三点,这套丛帖大都依原本碑帖进行了放大,修补了残损缺失之处。在对碑帖简要介绍的同时,还讲解了相关的临习技法,并附以通篇释文。此次印行的十种碑帖涵盖了隶、楷、行、草诸体,皆为初学入门的经典之作。此套丛书在临习指南、论述讲解之中难免一己之见,所谓仁者见仁、智者见智。

全称《释怀仁集王羲之书〈大唐三藏圣教序〉》,俗称《集王圣教》(以别褚遂良书《雁塔圣教序》)。唐咸亨三年(672)十二月刻。为唐太宗李世民及高宗李治(当时为太子)为玄奘法师所译佛教经、论所作的序文和记文。由怀仁和尚以内府所藏王羲之书札,勾摹、集缀而成。后附《般若波罗密多心经》一部。诸葛神力勒石,朱静藏镌字。现藏于西安碑林博物馆。

有唐以来学王(王羲之)之风大炽,集王之碑甚夥。而此碑笔意连绵,行气贯通,在以王羲之书迹集成的碑版中,尤以此碑为最。特别是由于后世王书真迹逐渐失传,因而王氏书迹大都赖此以传。为历代习王书者必由之门径。然而由于碑文的需要或有拼集、牵凑之字,略嫌生硬,不过白璧微瑕而已。

翰墨丹青:中国古代书画艺术的流变与精粹 导言 中国艺术史浩瀚如烟海,其中书画艺术无疑是最为璀璨夺目的瑰宝。它不仅是视觉的盛宴,更是中国哲学思想、人文精神和审美情趣的载体。本书旨在以一种宏大而又细腻的视角,梳理自新石器时代至近现代以来,中国书画艺术的起源、发展脉络、主要流派及其巅峰成就。我们不再着眼于某一特定名家或某一种特定书体,而是构建一个涵盖绘画与书法两大门类的全景式画卷,深入探讨艺术形式背后的文化基因与时代精神的深刻互动。 第一卷:笔墨之源——史前与秦汉的曙光 本卷追溯书画艺术的源头。绘画的萌芽可见于岩画与陶器纹饰,它们是人类早期对世界朴素的摹写与装饰欲望的体现。陶器上几何纹、水波纹的抽象与符号化,预示着造型艺术的初步觉醒。 书法的源头则深深植根于甲骨文与金文。商周青铜器上的铭文,其线条的力度、章法的布局,已具备极高的艺术水准。特别是金文的端庄浑厚,奠定了后世书法“骨力”的审美基础。秦代的统一带来了文字的规范化,小篆的出现是审美标准统一的里程碑。隶书的产生,则是书写效率与艺术表现力在汉代达到完美平衡的产物。汉代的隶书,以其蚕头燕尾的独特笔势,开创了雄健、开阔的书风,为后世楷书和行书的成熟铺平了道路。 在绘画领域,马王堆汉墓出土的帛画,以其精妙的色彩运用、浪漫的想象力,展现了先秦至汉代艺术的成熟面貌。《轪后行乐图》等作品,不仅是绘画史的实物见证,更是古代宇宙观和神话体系的视觉呈现。 第二卷:魏晋风度——士人精神与书体革新 魏晋南北朝是艺术史上承前启后的关键时期。玄学与佛教的兴盛,深刻影响了士人的精神世界与审美取向。 书法领域迎来了空前的变革。楷书在这一时期最终定型,其端正、法度森严的特点,使之成为后世学习的基础范式。而行书的成熟,则彻底解放了书写性,既保留了楷书的规范,又注入了个人的情感波动。这一时期的核心,在于“书为心画”观念的强化。 王羲之的出现,被后世尊为“书圣”,他的贡献在于将汉魏以来的各种书体熔铸一炉,创造出妍美流便、遒劲自然的新风格,确立了书法审美的典范。同时,书法开始从纯粹的实用工具转向纯粹的艺术形式,个人气质的表达被置于前所未有的高度。 绘画方面,顾恺之提出了“传神写照”的理论,强调绘画不仅要形似,更要抓住人物的内在神韵。其“以形写神”的艺术追求,奠定了中国人物画的理论基石。这一时期的山水画虽然尚在探索阶段,但人物画的精进,已然展现出高度的文化自觉。 第三卷:盛唐气象——多元融合与气势磅礴 唐代是中国封建社会的鼎盛时期,这种自信与开放的精神,全面渗透到了书画艺术之中。 绘画领域呈现出多元化、重彩、恢弘的特征。山水画开始独立发展,李思训、李昭道父子的“青绿山水”,以其矿物颜料的华丽与工整的笔法,描绘出盛唐的富丽堂皇。而吴道子则以其“吴带当风”的飘逸线条和对动态的精准捕捉,被誉为“画圣”,标志着水墨写意技巧的初步成熟。人物画达到了空前的写实高度,兼具宗教的庄严与世俗的生动。 书法方面,楷书发展到极致,出现了欧阳询的险劲、虞世南的圆润、褚遂良的秀逸以及颜真卿的雄浑。颜真卿的书法,以其“忠义”的品格,铸就了博大刚健、气势磅礴的新风貌,对后世影响至深。而张旭、怀素将草书推向了狂放不羁的巅峰,将书法的动感与音乐的节奏融为一体,体现了盛唐奔放不羁的时代精神。 第四卷:宋代意境——文人画的崛起与理性的回归 宋代,随着理学的发展和文人阶层的壮大,艺术的重心开始从庙堂的宏大叙事转向士人的内心世界。 绘画领域,山水画成为“主流”,并形成了以“北方山水”(雄伟壮阔)和“南方山水”(细腻秀美)为代表的两大体系。范宽的《溪山行旅图》展现了北方山水的崇高感,而郭熙则以其“可行、可望、可游、可居”的理论,确立了山水画作为独立审美对象的地位。更重要的是,以苏轼为代表的文人画理论兴起,他们强调“不求形似,但求神似”,将诗、书、画融为一体,追求笔墨情趣,这是中国艺术史上一次颠覆性的思想转变。 书法方面,宋四家(苏轼、黄庭坚、米芾、蔡襄)的风格各异,他们不再恪守唐楷的法度,而是更加注重笔触的自由与个性的抒发。黄庭坚的长枪大戟,米芾的潇洒飘逸,都体现了文人追求超逸脱俗的审美趣味。 第五卷:元明清的转型与技法的精进 元代,汉族士人退隐山林,他们的艺术活动大多带有强烈的复古和对前朝的怀念情绪。赵孟頫倡导“复古”,力求复归晋唐之法,对书法和绘画(尤其是用笔)的规范性进行了系统的整理。 明代,书画艺术进入了学院化与个性化并存的阶段。以“吴门画派”为代表的江南文人画家,继承并发扬了元代的笔墨传统,强调师古而化古。而“浙派”则在院体画的写实基础上,吸收了马远的“边角余料”的构图技巧。晚明时期,以董其昌为代表的理论家提出了“南北宗论”,将山水画的发展纳入了理论框架,强调“写意”精神对“设色”和“描摹”的超越。 清代,艺术流派纷呈。宫廷艺术追求精工细巧的“院体”风格,而文人画则在继承中寻求突破。程朱理学的影响使得一些书画家走向了对古人笔法的“考据式”研究,追求笔墨的“古韵”。石涛的“一画论”和八大山人的孤傲冷逸,则是在清初动荡不安的背景下,对个体精神自由的极致表达。 结语 中国书画艺术的发展是一部不断在法度与自由之间寻求平衡的历史。从先民的刻画到士人的抒怀,从盛唐的辉煌到宋代的内省,其核心始终在于“笔墨”二字。它不仅是技法,更是一种生命力的体现,一种对天地万物哲理的参悟。本书旨在为读者提供一个清晰的脉络,理解这些精妙的线条和色彩背后所蕴含的深邃文化内涵。

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这本《唐怀仁集王羲之圣教序(中)》的装帧设计,初见便给我留下了深刻的印象。封面选用的纸张触感温润,带着一种古朴的质感,与书名所蕴含的历史厚重感十分契合。我尤其喜欢它那恰到好处的留白,既突出了书名,又给人一种宁静致远的感觉,仿佛在邀请读者沉浸其中,去感受那份跨越千年的书法之美。书脊的设计也很考究,棱角分明,无论是竖放还是横陈,都透着一股沉稳大气。翻开书页,那印刷的字体大小和行间距,都经过了精心的考虑,阅读起来极为舒适,即使长时间翻阅,眼睛也不会感到疲劳。内页的纸张质地也属上乘,米白色的基调,既不像纯白那样刺眼,又能很好地衬托出墨色的浓淡变化,保证了每一笔每一画的清晰呈现。更值得一提的是,书的整体重量感适中,拿在手中有一种实在的安心感,让人觉得这是一本值得细细品味,可以陪伴自己度过许多闲暇时光的书。我常在午后阳光下,捧着它,感受着纸张的温度,仿佛能触摸到历史的脉络,这种体验是数字媒介无法比拟的。它的存在,本身就是一种艺术品,对喜爱书法和传统文化的人来说,这无疑是一份精美的馈赠,也是对书籍本身的一种尊重。

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这本书的出现,对我而言,就像是打开了一扇通往书法艺术殿堂的大门,让我得以窥见“天下第一行书”的真容。虽然我并非专业的书法家,但王羲之的《圣教序》早已耳闻其名,此次能有机会接触到这样精心编纂的版本,实在令人欣喜。怀仁集字的精妙之处,在于他以虔诚之心,从王羲之浩如烟海的书迹中,一丝不苟地搜寻、集字,最终成就了这篇完整的《圣教序》。我尤其关注书中对集字过程的介绍,虽然这本(中)主要侧重于正文的呈现,但我相信其背后一定蕴含着无数的心血与考证。每一字的选取,都凝聚了怀仁的慧眼与对王羲之书风的深刻理解,这种“化用”而非“临摹”的创作方式,本身就是一种了不起的成就。作为读者,我得以近距离欣赏到王羲之笔法中的“永字八法”,感受那流畅而富有力量的线条,体会笔尖在纸上运行的节奏感。即使是集字,也能从中感受到王羲之运笔的提按顿挫、转折方圆,以及他神来之笔的潇洒飘逸。对于我这样业余爱好者来说,这本(中)就像是一本活的教材,让我能够更直观地学习和借鉴王羲之的书法精髓,而不仅仅是停留在理论的层面。

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我一直对碑刻书法情有独钟,因为它们承载着更深厚的历史印记和更具雕琢的艺术美感。《唐怀仁集王羲之圣教序(中)》的出现,恰好满足了我对碑刻书法的欣赏需求。怀仁集字的《圣教序》本身就是一件集大成的碑刻艺术品,而通过这本书,我仿佛能触摸到那块承载着千古墨迹的石碑。书中的字迹,虽然是印刷呈现,但那种刀笔的质感,那种刻痕的深浅,那种在岁月侵蚀下留下的独特韵味,都被尽可能地还原了。我仔细观察每一字的结构,感受其笔画的力度和韧性,甚至能够想象出当年刻工在石碑上精雕细琢时的情景。这种从纸张上的碑文到更具实物感的书本,让我对《圣教序》的理解又加深了一层。它不仅仅是王羲之的笔迹,更是怀仁的再创作,是刻工的再演绎,是历史的沉淀。在品读的过程中,我能感受到那种经过千万次锤炼而形成的艺术魅力,它既有王羲之原笔的灵动,又融入了碑刻的庄重与浑厚。对于研究书法史或喜爱碑刻艺术的读者来说,这无疑是一本不可多得的珍品,它让我们得以穿越时空,与历史上的大师们进行一场无声的对话。

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从一个普通读者的角度出发,我最看重的是一本图书是否能让我产生阅读的愉悦感,并且从中有所收获。《唐怀仁集王羲之圣教序(中)》无疑做到了这一点。首先,它在视觉上的呈现非常舒适,纸张的质感、字体的清晰度、行间的疏朗,都为阅读提供了良好的基础。其次,内容本身——王羲之的《圣教序》,以及怀仁的集字成就,都足以令人沉醉。我虽然不是书法大家,但我能感受到王羲之笔下那股强大的生命力,那种飘逸而又沉稳的艺术风格。通过这本书,我能够更直观地欣赏到这种美。它不仅仅是学习书法的工具,更是一种精神的享受。在闲暇时翻阅,能够让我放松心情,提升审美情趣。这种“看得懂”的艺术,并且能从中感受到美妙,是我对一本好书的最高期待。这本书,很好地满足了我的需求,让我觉得自己的投入是值得的,并且在不知不觉中,对中国传统书法艺术有了更深的认识和喜爱。

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这本书的装帧和内容,都让我感受到了一种对传统的敬意。怀仁集字《圣教序》本身就是一种重要的文化传承方式,而出版商在制作这本书时,也显然是秉持着这份敬意。我注意到,在细节处理上,这本书做得非常到位。无论是字体的选择,还是版式的设计,都力求还原古代碑刻的韵味,但又不会显得过于晦涩难懂。这种在传统与现代之间取得平衡的做法,使得这本书既具有历史的厚重感,又易于当代读者接受和欣赏。我尤其喜欢书中对每一页的排版,留白恰到好处,不会让画面显得拥挤,反而增加了书卷气。每一字的笔画,都得到了充分的展示,让读者能够清晰地看到其中的奥妙。对于我来说,这本书不仅仅是一本字帖,它更像是一件精美的工艺品,是文化传承的载体。它让我能够以一种更优雅、更深入的方式,去接触和理解《圣教序》这件国宝级的艺术品。

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我对这本书的喜爱,很大程度上源于它所传达出的那份专注与宁静。在当今这个信息爆炸、节奏飞快的时代,能够静下心来,细细品味一幅历经千年的书法作品,实属难得。《唐怀仁集王羲之圣教序(中)》为我提供了这样一个绝佳的机会。怀仁以其毕生的精力,搜集王羲之的墨迹,集字而成《圣教序》,这份专注与坚持本身就令人动容。而这本书,则将这份专注与宁静,以最直观的方式传递给了读者。我喜欢在早晨,当一切都还沉寂之时,捧着这本书,细细地品味每一个字。那流畅的笔画,优雅的结构,仿佛在诉说着一种古老而宁静的美。它让我暂时忘却了外界的喧嚣,沉浸在书法的世界里,感受那份平和与安详。这种阅读体验,是一种心灵的洗礼,也是对浮躁心灵的一种抚慰。它告诉我,在快节奏的生活中,依然可以找到一份属于自己的宁静,去欣赏和感受那些经久不衰的美好。

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这本书给我的感觉,是一种跨越时空的文化体验。我并非书法专业的学习者,更多的是被《圣教序》所蕴含的文化底蕴和历史意义所吸引。怀仁集字的《圣教序》,本身就是一段重要的历史文献,它记录了唐代书法艺术的发展,也反映了当时人们对王羲之书法艺术的推崇。在阅读这本书时,我不仅仅是在欣赏字,更是在感受那个时代的文化氛围。书中的每一个字,都像是承载着历史的印记,它们来自不同的王羲之墨迹,却被汇聚在此,形成了一部完整的经典。这种汇聚的过程,本身就体现了文化传承的力量。我喜欢在安静的夜晚,点一盏灯,慢慢地翻阅这本书,想象着怀仁当年搜集字迹的艰辛,想象着刻工在石碑上凿字的场景。这种想象,让阅读变得更加生动和立体。它不仅仅是一本字帖,更是一扇窗口,让我得以窥见那个辉煌的唐代,以及那个时代人们对美的追求和对文化的珍视。这种感觉,是单纯欣赏数字图片无法给予的。

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阅读《唐怀仁集王羲之圣教序(中)》,让我深刻体会到“集字”艺术的独特魅力。怀仁并非简单地临摹,而是从王羲之众多的法帖中,精心挑选出最能代表其书风的字,再将其巧妙地组合成一篇完整的《圣教序》。这种再创作的过程,无疑是对王羲之书法艺术理解的极致展现。我尤其欣赏书中对每一个字的细节呈现,能够清晰地看到王羲之笔画的起承转合,笔锋的衄挫顿提。虽然是集字,但整篇《圣教序》依然保持了高度的连贯性和整体感,仿佛出自一人之手。这种“移花接木”的艺术手法,在书法史上堪称一绝。它既是对原作者的致敬,也是对艺术的二次创作。作为读者,我在欣赏《圣教序》本身精彩内容的同时,也在默默地品味怀仁的智慧和功力。他如何捕捉王羲之书法的神韵,如何将散落在各处的字,巧妙地融合成一篇浑然天成的佳作,这本身就是一道值得深入研究的艺术课题。本书为我打开了一个新的视角,让我意识到,艺术的传承与发展,并非只有临摹一种途径,集字这种方式同样能够创造出辉煌的艺术成就。

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从我个人的阅读体验来说,这本书的价值在于其提供的“原汁原味”的视觉感受。虽然我是普通读者,但对于《圣教序》这样具有里程碑意义的书法作品,我更希望看到的是尽可能忠实于原貌的呈现。怀仁集字的《圣教序》,正是通过对王羲之原迹的严谨搜集和再创作,才得以流传至今。而这本书(中)的印刷质量,恰好能够最大程度地还原这种视觉感受。我能清晰地看到每个字的笔画粗细变化,墨色的浓淡枯湿,以及笔锋的锐利与圆润。这种对细节的关注,使得读者能够更深入地理解王羲之书法艺术的精妙之处。它不仅仅是将字“复印”出来,更是在努力传递一种“精神”。这种对原貌的尊重,对于任何一位想要深入了解《圣教序》的读者来说,都是至关重要的。它让我们能够超越时间的限制,直接与王羲之的书法进行对话,感受他运笔时的心境和对美的追求。这种体验,是任何经过过度设计或加工的版本都无法比拟的。

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我一直对书法史上的“集字”现象很感兴趣,而怀仁的《圣教序》无疑是其中最负盛名的一个例子。《唐怀仁集王羲之圣教序(中)》的出现,让我得以从一个更具体的角度去理解这种艺术形式。通过仔细观察书中的每一个字,我能够感受到怀仁在搜集和运用王羲之书法时的巧思。他并非简单地将字堆砌在一起,而是根据《圣教序》的文章内容,巧妙地选择最符合语境和书风的字。这种“化用”的能力,是极其考验功力的。这本书让我意识到,集字并非易事,它需要深厚的书法功底、对原作者书风的精准把握,以及对文章本身的深刻理解。我常常会在阅读中,尝试去猜测怀仁是如何选择某个字的,它可能取自王羲之的哪一幅作品,而这种猜测的过程,本身就是一种有趣的探索。它让我看到了艺术创作的另一种可能性,一种在继承中创新,在借鉴中升华的智慧。

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