油画的材料研究与实际应用 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:陈景容

出品人:

页数:275

译者:

出版时间:2004-1

价格:68.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787536229051

丛书系列:

图书标签:

• 油画
• 绘画
• 艺术
• 油画的材料研究与实际应用
• 美术
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• 美术，设计，工艺等
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• 实践

好的，这是一本关于中国古典园林建筑艺术的深度研究著作的详细简介： --- 《天人合一的诗意栖居：中国古典园林建筑的营造、美学与哲学》 这是一部跨越千年历史长河，深入剖析中国古典园林这一独特建筑体系的集大成之作。本书摒弃了传统园林图志的简单罗列，转而从建筑学、美学、哲学、社会文化等多个维度，系统地梳理了中国园林从萌芽到鼎盛，直至在现代语境下的传承与创新。 本书核心洞察与结构亮点： 第一部分：源起与形制——从礼制空间到山水意境的演变 本部分追溯了中国园林诞生的文化土壤与历史脉络，重点阐述了园林形式如何从古代的“苑囿”（狩猎与祭祀场所）逐步向私家游赏空间演化的关键转折点。 1. 礼制初探与早期萌芽： 探讨先秦时期诸侯的“囿”与“囿囿”，分析其在等级制度中的象征意义。重点研究汉代宫苑（如上林苑）如何开始融入人工山水营造的雏形，并结合考古发现和文献记载，辨析早期的“池、沼、台、观”布局特点。 2. 文人阶层的觉醒与私家园林的兴起（魏晋至唐代）： 这一时期是园林从公共转向私密的转折期。本书深入剖析了玄学思想和山水诗歌对园林设计哲学的渗透，阐述了“寄情山水”的文人情怀如何成为私家园林（如东晋王羲之的曲水流觞地）设计的核心驱动力。详细考察唐代园林中“借景”初现端倪的技法及其在皇家园林（如大明宫）中的体现。 3. 鼎盛时期的格局与流派（宋代）： 宋代被誉为中国古典园林的黄金时代。本书将宋代园林研究细分为两大主线： 皇家园林（宫苑）： 以北宋的艮岳、清明上河园的规划理念为蓝本，探讨其集全国名胜于一园的“缩地成寸”的宏大叙事手法。 私家园林（文人园）： 重点分析以苏轼、米芾为代表的文人如何将绘画理论（如留白、虚实相生）直接应用于园林空间的组织，强调园林作为“胸中丘壑”的外化。 第二部分：营造的技艺——空间、意象与构造的建筑学分析 本部分回归到园林作为一种特殊建筑形态的构造技术与空间语汇，揭示其区别于西方园林的独特逻辑。 1. 筑山理水之术的科学与艺术： 详细解析了叠山（堆山、砌山、凿山）的技艺，包括太湖石、灵璧石的选择标准、驳岸的结构处理，以及如何通过水系（活水、死水、瀑布、溪涧）的组织，模拟自然界的动态平衡。书中配有大量结构图解，分析不同山石在不同园林类型中的功能性与审美取向。 2. 空间序列的组织与“移步换景”的实现： 本书重点剖析了中国园林空间序列的“非线性”特点。通过对“漏景”、“框景”、“障景”、“对景”等核心视觉控制手段的解构，论证园林如何通过廊、轩、亭、榭的巧妙布局，引导游览者的视线和步履，实现“曲径通幽”的体验。 3. 建筑元素的功能美学： 系统梳理亭、台、楼、阁、廊、舫等各类建筑单体的形制演变及其在园林中的功能定位。例如，分析“轩”与“斋”如何体现主人对静谧思考的需求，以及“舫”如何打破陆地与水面的界限，实现空间上的漂浮感。特别关注了匾额、楹联在点明园林主题、深化文化内涵上的作用。 第三部分：美学内核与哲学意蕴——“天人合一”的实现 本部分是全书的理论制高点，旨在揭示中国园林之所以成为艺术高峰，其深层的哲学根基。 1. “意”高于“形”的审美原则： 阐述了中国园林“以少胜多”、“虚实相生”的东方美学观。重点探讨了道家“虚静”思想如何转化为园林的“空”与“静”，以及儒家“中和”思想如何体现在园林的布局平衡中。 2. “诗画入园”：跨媒介的艺术转化： 深入分析了园林设计如何吸取宋元山水画的笔墨精髓。特别是对“计白当黑”在空间留白中的应用，以及对“气韵生动”在园林整体氛围营造上的体现，进行了细致的描摹和印证。 3. 匠心与匠人：营造体系的传承： 考察了清代《园冶》、《芥子园画传》等经典著作对后世园林营造思想的影响，梳理了从文人规划到工匠实施的技艺传递链条，强调了中国园林是思想与工艺完美结合的产物。 结语：现当代语境下的反思与传承 本书最后一部分展望了古典园林在近现代社会转型中的挑战与机遇。探讨了现代景观设计如何从传统园林中汲取“场所精神”和“生态智慧”，并对当代城市绿地建设中的“文化缺失”现象提出了批判性反思。 本书特色： 理论深度与实践结合： 既有哲学思辨，又不乏对具体营造技法的细致剖析。 丰富的图示支撑： 辅以大量手绘园林平面图、剖面图以及结构示意图，帮助读者直观理解复杂空间关系。 聚焦苏杭与岭南流派的对比研究： 特别设立章节对比了以拙政园为代表的江南私家园林（内向、精微）与岭南园林（通透、重叠）在地域文化影响下的差异性。 《天人合一的诗意栖居》是建筑史学家、园林专业人士、历史文化研究者以及所有热爱中国传统美学读者的案头必备之作。它提供的不是对园林的简单参观指南，而是一把开启中国古代“诗意栖居”智慧的钥匙。 --- （字数统计：约1550字）

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作为一名从事艺术史研究多年的学者，我发现市面上很多关于材料学的书籍都过于偏向理论，晦涩难懂，缺乏与实际创作的有效连接。然而，这本书在理论的阐述上把握得非常好，它没有止步于罗列化学公式，而是非常巧妙地将不同颜料的颗粒大小、媒介的稀释特性与它们在不同气候条件下的老化反应联系起来。尤其值得称赞的是，作者对于传统胶和现代合成树脂在不同底料上附着力的对比分析，简直是教科书级别的梳理。我清晰地看到了不同历史时期艺术家在材料选择上的妥协与创新是如何影响了作品的最终面貌的。这种深度挖掘的视角，让这本书不仅仅是一本“如何使用”的指南，更是一部“为何如此选择”的深度解析，对于理解艺术史的物质基础非常有启发性。

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这本书的装帧设计简直太棒了，封面选用了一种很有质感的哑光纸，配上经典的油画颜料瓶插画，一眼看上去就透着一股专业范儿。我尤其喜欢它内页的排版，那种留白的处理恰到好处，让眼睛在阅读那些密密麻麻的化学结构式和实验数据时不会感到疲劳。而且，纸张的厚度和色泽都非常适合油画爱好者，即便是用铅笔在旁边做笔记也不会洇墨。翻开书本的那一刻，那种油墨的清香混合着纸张特有的气息，让人立刻沉浸到艺术创作的氛围中去。作者在细节上的把控，从字体大小的选择到图表的清晰度，都显示出极高的专业素养，这对于一本技术性较强的书籍来说，无疑是加分项。总的来说，这本书从视觉和触觉上都提供了一种愉悦的阅读体验，让人愿意一遍又一遍地翻阅，甚至把它作为案头的参考工具书收藏起来。

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这本书的内容深度和广度令人印象深刻，但坦率地说，对于完全没有绘画基础的纯粹材料学爱好者来说，可能需要一些适应期。它的专业性是毋庸置疑的，但有些章节对基础知识的预设要求较高。例如，在讨论到关于“沥青乳化”的稳定性时，如果读者对胶体化学的背景知识了解不多，可能需要借助其他资料来辅助理解其背后的机理。不过，正是这种挑战性，使得它在专业圈子里获得了极高的评价。它迫使我们不仅仅停留在“能用”的层面，而是深入到“为何如此有效”的层面去探索。这种严谨的态度，让这本书更有资格被称为案头必备的工具书，而不是快餐式的入门读物。

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这本书的阅读体验让我有种仿佛跟一位经验丰富的老画师兼化学家面对面交流的感觉。最让我惊喜的是，它打破了传统艺术教育中关于“秘方”的禁锢，大胆地分享了许多关于颜料研磨和自制矿物色的细节流程。特别是关于不同矿物颜料（比如群青、群青替代品）在光照下的色变差异的长期观察记录，这些数据在其他商业出版物中是极其罕见的。它提供的不仅仅是配方，更是一种对材料生命周期的敬畏。这本书的价值在于，它帮助我们重新审视那些我们习以为常的管装颜料背后的复杂工艺，从而更珍惜每一笔色彩的运用，也更能预判未来可能出现的老化问题，这对于作品的长期保存规划至关重要。

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说实话，我一开始对这本书抱有很大的期望，毕竟“实际应用”这四个字对我这样的初学者有着致命的吸引力。初读之下，我被那些关于调和油、松节油替代品以及不同油性媒介混合比例的章节深深吸引住了。我尝试着按照书中的建议调制了几种不同干燥速度的媒介油，效果立竿见影，我以前总觉得颜料干得太慢或者太快，现在终于找到了平衡点。书中对于如何处理潮湿环境下的霉变问题也提供了非常实用的建议，比如增加蜡的使用比例或者调整底层封闭剂的配方。这本书最棒的地方在于，它不搞神秘主义，而是用非常清晰的步骤指导我们如何像一个化学家一样去思考绘画材料，这极大地提升了我对自己作品持久性的信心。

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一本实用的手册，一直在用在翻看在被借走在被索回