吴让之手批印存

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出版者:中国书店
作者:柳汀
出品人:
页数:0
译者:
出版时间:2005-01-01
价格:298.0
装帧:
isbn号码:9787806632567
丛书系列:
图书标签:
  • 2012之
  • 吴让之
  • 手批
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  • 书法
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具体描述

吴让之手批印存,ISBN:9787806632567,作者:柳汀编释

好的,这是一份关于一本名为《丹青遗韵:中国古代绘画技法与审美变迁》的图书简介,该书内容与您提到的《吴让之手批印存》无关: --- 丹青遗韵:中国古代绘画技法与审美变迁 图书简介 《丹青遗韵:中国古代绘画技法与审美变迁》是一部深入探赜中国绘画发展脉络的学术专著,旨在系统梳理自新石器时代彩陶纹饰至近现代“学院派”兴起之间,中国传统绘画在材料、技法、观念及审美取向上所经历的复杂演变历程。本书超越了传统的断代史叙事,力求从技术本体与文化语境的相互作用中,揭示“中国画”这一概念的动态生成过程及其内在的哲学基础。 全书分为七个主要部分,结构严谨,论述详实,既有对经典作品的微观剖析,亦有对宏观文化思潮的宏观把握。 第一部分:肇始与基石——史前至魏晋的图绘初探 本部分着重探讨了中国早期图绘的起源及其与哲学、宗教的初步结合。从仰韶、马家窑文化中的几何纹样与图腾符号入手,分析了这些早期图像如何奠定中国艺术对“气韵”与“意境”的初步追求。重点分析了战国秦汉时期的帛画与墓室壁画,指出其在造型语言上受西方(可能指中亚文化交流)影响的痕迹,并着重阐述了魏晋时期“以形写神”理论的形成。通过对顾恺之“传神论”的文本细读,考察了士人群体如何将绘画从单纯的叙事工具提升至个体精神世界的表达载体,为后世文人画的兴起奠定了理论基石。 第二部分:盛世气象与法度的确立——隋唐五代 隋唐五代是中国艺术全面辉煌的时代,本部分聚焦于此期对绘画规范和技法标准的严苛确立。隋代李思训父子的“金碧山水”代表了盛唐宫廷审美对色彩与构图的极致追求,体现了“盛世气象”。书中详尽分析了唐代人物画,特别是吴道子“吴带当风”的笔法特征及其对线条的解放作用。五代时期,南北画派的分化开始显现,南唐徐熙的“落墨为骨”与北方的工细描绘形成了鲜明对比。通过对荆浩、关仝等北方山水画家的考察,论述了如何将自然山川的雄伟纳入“可行、可望、可游、可居”的审美范畴,确立了中国山水画的基本图式。 第三部分:文人精神的觉醒与笔墨的自觉——宋代 宋代是中国绘画史上理论与实践深度融合的黄金时期。本章核心探讨了“院体画”与“文人画”的张力与互动。院体画以徽宗朝的院画为代表,其对物象的精确捕捉和对笔墨的技法研究达到了前所未有的高度,书中以范宽、郭熙的摹本技法为例进行辨析。然而,更具革命性的是以苏轼、米芾为代表的文人画家的理论转向。他们强调“不求形似,但求神似”,将书法的笔法融入绘画,使“笔墨”本身成为审美主体。本书对米芾的“刷笔山水”和李公麟的白描技法进行了深入的个案分析,揭示了宋代如何将绘画的价值核心从“再现”转向“表现”。 第四部分:意境的深化与地域风格的多元化——元代 元代,由于蒙古统治阶层对汉族传统文化态度的转变,文人画不再仅仅是士大夫的自娱自乐,而是成为维系民族文化身份的旗帜。本部分集中论述了“元四家”——黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙——在笔墨语言上的创新。倪瓒的“折笔”与“稀疏”构成了对前辈繁复笔墨的“减法”革命;黄公望的“披麻皴”则将干湿浓淡的墨法推向了极致。书中特别强调了元代“水墨写意”的成熟,论证了这一时期对“胸中丘壑”的强调,如何彻底确立了中国画的写意精神,使其与西方写实主义的路径彻底分流。 第五部分:传统与创新的交织——明清之际的流派纷呈 明代绘画呈现出学院派与民间艺术的并存,以及对前代传统的“复古”与“创新”的拉锯。本章首先分析了明初的“浙派”对院体的继承,以及“吴门画派”以文徵明、唐寅为代表对宋元笔墨的集大成。随后,重点剖析了董其昌提出的“南北宗论”,探讨了这一理论框架如何影响了后世对绘画史的梳理和评价体系。清代,以“四王”为代表的集大成者,虽然看似摹古,实则在笔墨的精细化和结构的处理上进行了系统的整理和固化。而“四僧”(如石涛、八大山人)则以其极端的个性和对笔墨语言的破坏性重构,预示着传统范式的危机。 第六部分:技法的精微解析——材料与工具的演变 本部分采取技术史的视角,详细考察了中国画赖以生存的物质基础。内容涵盖了从早期矿物颜料的提炼(如石青、石绿的晕染技法),到绢与纸张的制作工艺(如宣纸的吸水性对墨韵的影响)。着重分析了笔锋的构造、墨锭的研磨与调和对线条表现力的决定性作用。通过对不同时代皴法、点苔、设色技法的具体分析,展示了材料的限制与艺术家的创造力之间是如何相互塑造的。 第七部分:审美范式的转向与现代性挑战 最后一部分探讨了晚清至民国时期,中国画面对西方“透视学”和“解剖学”冲击时的应对与调整。分析了“海派”以海派绘画对民间趣味的吸收与创新,以及“岭南画派”引入的西方光影概念。本书认为,现代性并非简单地“西化”,而是传统画家们在坚守笔墨精神的前提下,对自身语言体系进行“自救”和“现代化”的复杂过程。通过对张大千、齐白石等大家在继承与变革中的策略分析,总结了中国绘画在进入二十世纪后,其审美范式在现代语境中的自我定位与持续发展潜力。 本书特色: 本书以严谨的考据和清晰的逻辑,将中国绘画史置于技术哲学与文化史的交叉点上进行考察。它不仅仅是对名家名作的介绍,更是对构成中国绘画独特性的“笔墨”与“意境”观念的深入探源。本书配有大量高清的图版分析,辅以详尽的技术图解,是艺术史研究者、传统绘画学习者及所有对中国传统文化有深度兴趣的读者的重要参考读物。 ---

作者简介

目录信息

读后感

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初次接触《吴让之手批印存》,我并没有急于去理解其中的具体碑帖内容,而是被其“原始性”所吸引。那些手批的痕迹,是吴让之先生在学习过程中的真实记录,没有经过任何的加工和修饰,充满了生命的气息。我能感受到他当时在思考、在判断、在选择,这些都通过那些圈、点、划、写,直观地呈现在我眼前。我曾在一个字的处理上,看到了他反复的修改痕迹,这让我明白,艺术的精进,并非一蹴而就,而是需要不断的尝试和完善。这种“过程展示”的方式,让我觉得非常亲切,也更加容易理解。它让我意识到,学习书法,不仅仅是模仿,更重要的是理解其背后的逻辑和思考。我经常会花很多时间,去揣摩每一个批注的含义,去猜测吴让之先生当时的想法。这种“深度挖掘”式的阅读,让我对书法艺术有了更深的理解和更广阔的视野。这本书,就像是一扇窗,让我窥见了大师的内心世界,也让我找到了自己在艺术道路上前进的方向。

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《吴让之手批印存》带给我的,是一种难以替代的“亲切感”。与那些严谨的学术论著相比,这本书更像是一本充满生活气息的手稿。你可以看到吴让之先生在批注时,可能会有笔触的轻重缓急,会有墨色的浓淡变化,甚至在某些字的旁边,还会有一些不经意的涂鸦,这些都像是他当时心绪的真实写照。这种“不完美”恰恰是其最动人的地方。它让我们看到,即便是如此伟大的书法家,在艺术探索的道路上,也充满了过程中的思考、挣扎和感悟。我曾尝试着去模仿某些批注的风格,去感受他当时的心境,这让我对书法有了更深层次的理解。我不再仅仅关注字形的美丑,而是开始去体会字里行间所蕴含的“气韵”。每一次翻阅,都能发现新的东西,都能获得新的感悟。这本书,就像是一位老友,在你需要时,默默地为你指点迷津,但又不失亲切与鼓励。它让我明白,学习书法,不仅仅是技术上的磨练,更是情感上的共鸣和精神上的交流。

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《吴让之手批印存》带给我的,是一种全新的阅读体验。它打破了我以往对书法类书籍的刻板印象,不再是单纯的碑帖摹写或理论阐述,而是以一种更具“人情味”的方式呈现。那些泛黄的纸页上,吴让之先生的批注,时而细腻入微,时而扼要点睛,甚至偶尔还会流露出些许随性的涂鸦。这些看似零散的笔触,却共同勾勒出了一位鲜活的艺术家的形象。我看到了他在某个瞬间的灵感迸发,看到了他对某一字的反复推敲,也看到了他对特定风格的偏爱与扬弃。这种“二手”的解读,反而比直接面对原碑更加立体,更加生动。它让我明白,艺术的传承并非单向的灌输,而是一种双向的互动,是前人对后人的一种启发和引领。在欣赏这些批注的同时,我也会不自觉地去对比原碑,去感受吴让之先生的眼光和判断,这种对照的过程,极大地提升了我对碑帖本身的理解深度。我开始留意到那些我之前可能忽略的细节,开始思考为什么他会在这里做出这样的批示。这就像是和一个智者在进行一场跨越时空的对话,他的话语,让我受益匪浅。这本书,就像是一扇窗,让我窥见了吴让之先生的内心世界,也让我更深刻地理解了艺术的魅力所在。

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《吴让之手批印存》给我最深刻的感受,是一种“人与艺术的深度互动”。这本书不是一本冷冰冰的教科书,而是吴让之先生与古人、与艺术之间产生深度连接的载体。那些手批的痕迹,就是他与艺术对话的证明。我惊叹于他观察的细腻,那些细微到极致的笔画变化,他都能洞察秋毫,并用简练的批注表达出来。更让我感动的是,在一些他认为非常精彩的字或段落,他的批注会显得尤为热情,甚至会用一些特别的符号来标记,这是一种发自内心的赞叹。这种“情感的流露”让我觉得,吴让之先生的学习过程,是充满乐趣和激情的。我尝试着去模仿他的批注方式,去感受他当时的兴奋或沉思。这种“代入式”的学习,让我对书法有了更深的体悟,不仅仅是技法上的模仿,更是精神上的学习。这本书,就像是一位经验丰富的老者,在分享他的人生智慧,也在传承着一种对艺术的热爱和执着。

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初次翻阅《吴让之手批印存》,我脑海中涌现的并非是对具体的碑帖内容的细致揣摩,而是对吴让之先生治学精神的一种由衷敬佩。这本书,宛如一位饱学之士在灯下伏案,细细审视、圈点,将自己对艺术的理解、对经典的体悟,用最直接、最亲切的方式呈现在读者面前。这种“手批”的形式,本身就蕴含着一种独特的温度和生命力。它不像印刷体那样冷峻、标准化,而是充满了书写者的个人痕迹,每一次的批注,每一个圈点,都仿佛是先生在与古人对话,在与历史交流。阅读的过程,就像是走进了一个私人的学堂,亲耳聆听一位大师的教诲,感受他那严谨而又灵动的思维过程。那种对文字的敬畏,对艺术的虔诚,通过这些批注,穿越时空,直抵人心。我能想象到,在那个没有电子设备的年代,先生是如何在一个个宁静的夜晚,伴着微黄的灯光,一遍遍地研读,一遍遍地思考,然后在字里行间留下自己的印记。这是一种何等寂寞而又充实的付出,也正是这份寂寞,造就了其背后无穷的精彩。我并非书法大家,也无意成为那样的人,但我能在这些批注中,感受到一种纯粹的学问追求,一种对艺术的执着,这本身就足以令人动容。这本书,不仅仅是关于书法,更是关于一种治学态度,一种对知识的敬畏,一种对生命的投入。我愿意花费更多的时间去品味,去揣摩,去感受其中蕴含的深意。

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我之所以对《吴让之手批印存》情有独钟,很大程度上是因为它展现了一种“生命化的学习”过程。传统的书法书籍,往往是成品展示,而这本书则将“半成品”——吴让之先生的学习手稿,以最真实的面貌呈现出来。你可以清晰地看到他在研习过程中,是如何审视、评价、甚至修正自己对原碑的理解。那些圈点、批注、甚至偶有的一些修正性的笔触,都像是他思维活动的轨迹,直观而有力。我发现,自己在学习书法时,遇到的许多困惑,在吴让之先生的批注中,都能找到某种程度的共鸣或启发。他不仅仅是在“教”,更是在“示”,用他自己的实践,为后学者提供了一条可供参考的学习路径。这种“示范”的力量,远胜于千言万语的理论说教。我经常会拿出原碑与他的批注进行对比,这种“跨时空的对话”让我受益匪浅。它让我懂得,艺术的学习,是一个不断探索、不断求索的过程,没有终点,只有不断前进的步伐。这本书,让我看到了大师的成长轨迹,也让我坚定了自己学习的信心。

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手握《吴让之手批印存》,我感受到的是一种“匠人精神”的传承。这不是简单的碑帖集合,而是吴让之先生在研习过程中,倾注了无数心血的“工作手稿”。每一个批注,无论是细致的笔画分析,还是整体的风格评价,都凝聚了他对艺术的执着追求。我看到,在某些地方,他会用不同的笔触或颜色来强调不同的内容,这是一种非常直观的“信息传递”方式,让我能够快速把握他的重点。他并不是简单地复述原碑,而是加入了自己独特的理解和感悟,让这些古老的文字焕发出新的生命力。我尤其喜欢的是,在一些难以判断字迹或有争议之处,吴让之先生的批注往往会显得尤为审慎,有时会给出多种可能的解释,这显示了他严谨的治学态度。这种“严谨”并非刻板,而是对艺术的尊重,对学问的敬畏。这本书,让我看到了一个艺术家是如何通过不懈的努力和深入的思考,最终达到艺术的巅峰。它激励着我,在自己的学习道路上,也要保持这份“匠心”,精益求精,不断超越。

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《吴让之手批印存》对我来说,是一种“情境式”的学习体验。这本书并非仅仅是展示成果,而是将吴让之先生在学习过程中的“现场感”呈现给了读者。那些手批的痕迹,就像是他在与古人对话时留下的“对话记录”。我能看到他如何仔细地审视每一笔,如何精准地捕捉每一个字的精神,以及他对于不同风格的理解和取舍。我尤其欣赏的是,在某些他认为特别精妙之处,吴让之先生会用更加细腻的批注来表达,这是一种“点石成金”的智慧。他并非简单地复制,而是融入了自己的思考和创造。我曾尝试着去模仿他的批注,去感受他当时的专注和投入。这种“沉浸式”的学习,让我对书法艺术有了更深的感悟,不仅仅是形体上的模仿,更是神韵上的体悟。这本书,就像是一位循循善诱的导师,通过他的实践,引导着我去理解艺术的真谛,去发掘艺术的魅力。

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仔细端详《吴让之手批印存》中的每一个批注,我常常会沉浸在一种难以言喻的宁静之中。这并非是那种机械的、重复性的学习,而是一种沉浸式的体验,仿佛置身于吴让之先生的书房,亲眼目睹他如何与古人为伴,如何与经典对话。那些墨迹,无论是勾勒、圈点,还是寥寥数语的评点,都充满了生命力。它们不是冰冷的文字,而是有温度的思想,有情感的表达。我尤其欣赏的是,在某些段落,吴让之先生的批注显得尤为集中,显示出他对该部分内容的特别重视,甚至可能包含了他一生中某个关键时刻的顿悟。这种“匠心独运”的痕迹,是任何标准化印刷品都无法替代的。它让我看到了艺术学习的“过程”本身,而非仅仅是结果。在学习书法,我常常会遇到瓶颈,会感到迷茫,而看到吴让之先生这样的大师,也同样需要如此细致的琢磨和反复的推敲,这反倒给了我一种莫大的鼓舞。它告诉我,优秀并非一蹴而就,而是源于日复一日的坚持和对细节的极致追求。这本书,不仅仅是关于书法技法,更是一种精神的启迪,一种对“道”的探寻。

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《吴让之手批印存》带给我的,不仅仅是视觉上的享受,更是一种精神上的洗礼。翻开这本书,仿佛穿越了时空,置身于吴让之先生的案头,亲眼见证他如何对待古人的墨迹。那些圈、点、画、写,都是他智慧的结晶,是他对艺术的深刻理解。我尤其欣赏的是,在某些字的处理上,吴让之先生的批注显得尤为精到,他可能只是轻轻一点,或者画一条短线,但却能准确地指出该字的精髓所在,或者某个需要注意的细节。这种“四两拨千斤”的功力,令人惊叹。它让我明白,真正的艺术鉴赏,并非是浮于表面的赞美,而是深入骨髓的理解和洞察。我经常会反复揣摩那些批注,试图去理解吴让之先生为何会这样处理,他当时是怎样的心境,又是抱着怎样的目的。这种“探究式”的学习,极大地提升了我对书法艺术的鉴赏能力。这本书,就像是一位循循善诱的老师,通过他的批注,引导着我去发现美,去理解美,去创造美。

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