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出版者:人民教育出版社

作者:陈暐 编

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页数:0

译者:

出版时间:2002-04-01

价格:14.70元

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isbn号码:9787107127311

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• 音乐
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• 第一册
• 小学音乐
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《声之轨迹：西方音乐史精要》 一部关于人类听觉文明演进的深度探索 本书旨在为读者勾勒出西方音乐自古至今的恢弘图景，深入剖析各个历史时期音乐风格的嬗变、重要作曲家的思想内核以及技术革新对艺术表达的影响。我们避免了对基础乐理的冗余讲解，而是将焦点集中于音乐作为一种文化载体和精神表达的独特路径。 第一编：古老的回响与信仰的旋律（古代至中世纪早期） 本篇将我们带回到音乐的起源，探讨其在人类早期仪式、劳作和宗教活动中的作用。 1. 声音的史前与萌芽： 音乐并非凭空产生，它是人类社会化过程中对自然界声音的模仿与提炼。我们将考察古代乐器（如骨笛、石磬）的出土文物，分析它们在部落文化中的地位。重点探讨古希腊对“乐之三律”（如多利亚调式、弗里吉亚调式）的理论构建，以及毕达哥拉斯学派对音高与数学比例关系的哲学思考。音乐在古希腊悲剧中扮演的角色，以及对后世戏剧音乐的影响，是本章探讨的重点。 2. 罗马的衰落与教会的兴起： 随着罗马帝国的瓦解，音乐的承载中心转移至基督教教会。本章详细梳理了早期赞美诗（Chants）的发展脉络。格里高利圣咏（Gregorian Chant）的规范化过程，是西方音乐史上第一次大规模的“标准化”努力。我们分析其单音音乐（Monophony）的特点、自由的节奏结构，以及它如何服务于教会的礼拜仪式，成为一种沉思和虔诚的听觉体现。 3. 记谱法的诞生与早期复调的曙光： 中世纪中期（约9世纪起），为了保证圣歌的统一性，记谱法应运而生。从纽姆记谱法（Neumes）到线条的引入，直至指示音高的精确标记，这一技术飞跃彻底改变了音乐的传承方式。随后，我们进入复调（Polyphony）的早期探索阶段——奥尔加农（Organum）。从平行进行的简单复调，到诺特丹画派（Notre Dame School，以列奥宁和佩罗坦为代表）对多声部织体复杂性的尝试，标志着音乐思维从垂直和谐到水平旋律交织的巨大转变。 第二编：理性与情感的交织（文艺复兴与巴洛克早期） 这是一个音乐从服务于神权转向服务于世俗与个体的时代。 4. 文艺复兴：人文主义与音乐的平衡： 文艺复兴的核心在于“人”的回归。音乐的创作更加注重文本的清晰表达（Word Painting）和情感的细腻刻画。本章重点分析法兰德斯画派（如约斯坎·德普雷）如何通过精妙的模仿复调（Imitative Counterpoint）构建出天衣无缝的声乐织体。同时，世俗音乐如法国香颂（Chanson）和意大利牧歌（Madrigal）的兴盛，展现了对爱情、自然等主题的自由表达。印刷术的发明，使得乐谱得以广泛流传，极大地促进了音乐的普及。 5. 音乐的“奇观”时代：巴洛克风格的诞生： 17世纪初，意大利歌剧的诞生是西方音乐史上最重大的事件之一。克劳迪奥·蒙泰威尔第的《奥尔费奥》标志着“情感表达的狂热”（Doctrine of Affections）的确立。本章详细探讨了巴洛克早期风格的核心元素：通奏低音（Basso Continuo）、对比的运用（强弱、独奏与合奏的交替），以及咏叹调（Aria）和宣叙调（Recitative）的结构确立。 6. 对位法的巅峰与早期协奏曲的形成： 巴洛克中后期，以约翰·塞巴斯蒂安·巴赫为代表的作曲家将复调艺术推向了极致。《赋格的艺术》和《平均律钢琴曲集》是结构思维与对位技巧的教科书。与此同时，协奏曲（Concerto）形式在科雷利和维瓦尔第手中成熟，特别是“快-慢-快”的结构确立，以及对小提琴演奏技艺的不断挑战，为古典主义时期的大规模器乐奠定了基础。 第三编：秩序、清晰与情感的释放（古典主义与浪漫主义早期） 此阶段音乐强调结构的美学、清晰的线条感以及个体心灵的深度探寻。 7. 古典主义的“黄金标准”：维也纳三杰： 18世纪后半叶，欧洲进入启蒙运动的时代，音乐审美转向追求清晰、平衡与普适性。海顿奠定了奏鸣曲式（Sonata Form）的规范，完善了四乐章交响曲和弦乐四重奏的结构。莫扎特则以其无可匹敌的旋律天赋和对歌剧戏剧性的深刻理解，将古典主义的完美推向顶峰。本章着重分析了结构对称性与形式逻辑在这一时期的统治地位。 8. 贝多芬的革命：从古典到浪漫的桥梁： 路德维希·范·贝多芬是艺术史上的分水岭。他的早期作品继承了古典主义的框架，但中晚期作品开始注入前所未有的主观意志、对“英雄主义”的颂扬和对命运的抗争。交响曲篇幅的拉长、奏鸣曲式中冲突的加剧，以及对配器色彩的革新，预示着音乐将更加侧重于表达作曲家个人的、超越时代的精神困境与凯旋。 9. 浪漫主义的序幕：抒情与幻想的时代： 19世纪初，音乐美学转向对想象力、民间传说、异域风情和强烈个人情感的迷恋。舒伯特将艺术歌曲（Lied）提升至与交响乐同等重要的地位，通过钢琴伴奏的象征性语言，描绘出细腻的内心世界。肖邦的钢琴独奏曲（如叙事曲、夜曲）则将民族精神与极致的钢琴技巧完美融合。本章探讨了标题音乐（Program Music）的兴起，以及“循环往复”主题在李斯特的作品中如何构建宏大的叙事结构。 第四编：时代的冲突与现代的回响（19世纪中后期至20世纪初） 民族主义的觉醒、技术的进步以及对传统和声系统的挑战，将音乐推向了前所未有的多元化。 10. 民族乐派的兴起与德奥传统的延续： 在德奥音乐体系占据主导地位的同时，中东欧和北欧的作曲家开始从本民族的民间音乐、舞蹈和史诗中汲取灵感，以确立国家音乐身份。柴可夫斯基的宏大叙事、德沃夏克的斯拉夫韵味，以及斯美塔那描绘祖国山河的音画，展示了音乐在构建民族认同中的强大力量。 11. 瓦格纳的“总体艺术作品”与调性危机： 理查德·瓦格纳的“乐剧”（Musikdrama）是对传统歌剧的彻底颠覆。他倡导的“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）概念，将音乐、诗歌、舞台设计融为一体。本章重点剖析了瓦格纳如何运用主导动机（Leitmotif）来标记人物和概念，以及他在《特里斯坦与伊索尔德》中对传统功能和声的无限延伸和模糊化处理，这直接导致了20世纪初调性系统的崩溃。 12. 印象主义与表现主义的对立： 世纪之交，法兰西的克劳德·德彪西以其对光影、水波的描绘，开创了印象主义（Impressionism），注重音色、和声色彩的瞬间感受，而非严格的结构逻辑。与之相对，中欧的阿尔诺德·勋伯格等人则走向了表现主义（Expressionism），通过极端的主观视角和无调性（Atonality）的探索，揭示人类内心深处的焦虑、恐惧和潜意识的黑暗面。 本书通过对这些历史节点的梳理和关键作品的深入解读，旨在提供一个清晰、有力的框架，帮助读者理解西方音乐如何从单一的宗教工具，逐步演变为表达人类复杂情感和哲学思辨的强大艺术形式。

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说实话，我是一个对“枯燥”二字深恶痛绝的人，尤其是在学习理论知识的时候。但《音乐 第一册》却让我看到了理论学习的另一番风景。这本书的语言风格非常活泼，作者似乎有一种魔力，能够将那些看似冰冷的乐理概念，描绘得生动有趣。比如，在讲到和弦的构成时，它用了一个很形象的比喻，让我瞬间就明白了不同音符组合在一起会产生什么样的“色彩”和“情感”。而且，它并没有回避一些相对深入的话题，比如不同调性给人的心理感受差异，或者音乐的结构如何影响听众的情绪。这些内容对于我这样一个初学者来说，无疑是打开了新世界的大门。我发现，原来音乐不仅仅是旋律和节奏的简单组合，它背后蕴含着如此丰富的理论和深刻的学问。更重要的是，这本书的实践性非常强，书中提供的练习不仅仅是为了检验你的知识掌握程度，更是为了让你将理论知识运用到实际的音乐创作和欣赏中去。我尝试着分析了几首我喜欢的歌曲，用书中学到的知识去解读它们，发现自己对音乐的理解又上了一个台阶。

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坦白讲，我一开始对《音乐 第一册》并没有抱太高的期望，毕竟市面上同类书籍太多了，但它的表现大大超出了我的预期。这本书的排版设计非常出色，文字清晰，重点突出，图片和图表的质量也很高，不会让人有眼花缭乱的感觉。我特别欣赏作者在内容组织上的逻辑性。它不是将所有知识点一股脑儿地堆砌，而是层层递进，环环相扣。在学习完一个概念后，后面的内容会自然而然地建立在前面的基础上，形成一个完整的知识体系。我在阅读过程中，几乎没有遇到任何理解上的障碍，即使是那些我之前认为非常晦涩难懂的乐理知识，在这本书的讲解下也变得清晰明了。更难能可贵的是，它鼓励读者进行批判性思考，引导你去分析为什么某些音乐会有这样的表现，而不是简单地接受结论。这种开放性的教学方式，让我觉得自己不仅仅是在被动地接受信息，而是在主动地参与到音乐的理解和思考中来。这本书就像一个精心设计的地图，为我指明了音乐学习的正确方向，让我不再迷失在浩瀚的音乐海洋中。

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这本《音乐 第一册》真是让我眼前一亮！作为一名从小就对音乐怀有浓厚兴趣，但苦于缺乏系统学习的“门外汉”，我一直希望能找到一本既能入门又不至于过于枯燥的书。这本书的出现，简直像及时雨。它的封面设计简洁却又不失艺术感，让人一看就心生亲近。翻开目录，发现内容安排得非常合理，从最基础的乐理知识，比如音符、节拍、调性等，循序渐进地展开。我尤其喜欢它讲解节奏的部分，不再是干巴巴的理论，而是配上了生动的图示和简单的练习，让我一下子就明白了那些复杂的拍号到底是怎么回事。而且，书中穿插了大量的音乐史小故事和著名作曲家的逸闻趣事，这不仅增加了阅读的趣味性，也让我对音乐有了更宏观的认识。我发现自己不再是机械地记忆概念，而是开始真正理解音乐是如何发展演变，以及不同时期音乐风格的独特性。对于像我这样的初学者来说，这本书提供了一个非常友好的起点，让我感觉学习音乐不再是遥不可及的事情，而是充满乐趣的探索过程。它没有给我造成任何压迫感，反而像一位耐心细致的老师，一步一步引导我走进音乐的世界。

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我必须说，《音乐 第一册》在教学方法上非常有独到之处。我之前尝试过几本音乐入门书籍，但都因为过于强调理论而让我望而却步。这本书不同，它仿佛懂得我们这些业余爱好者的“痛点”。它并没有回避专业的术语，但却巧妙地用通俗易懂的比喻和贴近生活的例子来解释它们。比如，在讲解音程的时候，它并没有直接给出一堆数字和符号，而是引导你去感受不同音程之间的“距离感”，甚至让你尝试用声音去模仿和体会。这种“体验式”的学习方式，让我印象深刻。此外，书中大量的练习题也设计得非常实用，不仅仅是机械的填空或选择，更多的是让你动手去创作、去分析。我尝试着根据书中的指导，写了几段简单的旋律，虽然稚嫩，但那种从无到有的成就感是难以言喻的。最让我惊喜的是，它还提供了一些基础的乐器演奏指导，虽然只是浅尝辄止，但对于我这种想尝试吉他或钢琴的人来说，已经足够让我迈出第一步了。这本书真的做到了“授人以鱼不如授人以渔”，它不仅仅是传授知识，更重要的是教会你如何去学习和感受音乐。

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这本书《音乐 第一册》在内容的深度和广度上都做得相当不错，对于想要系统学习音乐基础知识的人来说，绝对是一个非常理想的选择。它并没有停留在非常基础的层面，而是为读者建立起了一个扎实的理论基础，并且为进一步深入学习音乐打下了良好的铺垫。我特别欣赏它在解释一些复杂的音乐术语时，能够兼顾严谨性和易懂性。它没有因为是入门书籍就故意简化内容，而是力求准确地传达音乐理论的核心要义。同时，它也充分考虑到了读者的接受能力，通过大量的图表、范例和拓展阅读，帮助读者更好地理解和消化这些知识。我发现，这本书不仅仅是讲解“是什么”，更重要的是讲解“为什么”，它引导读者去思考音乐背后的逻辑和规律。这种启发式的教学方式，让我能够更主动地去探索音乐的世界，而不是被动地接受信息。看完这本书，我感觉自己对音乐的理解不再是停留在表面，而是有了一种更深刻的认识，也更有信心去进行下一步的学习了。

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