张仁芝 傅家宝 刘宝平 万鼎当代中国图画名家小品画谱 2//中国画自学技法丛书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:中国工人出版社

作者:张仁芝

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页数:0

译者:

出版时间:2001-04-01

价格:55.0

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isbn号码:9787500825210

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• 中国画
• 小品画
• 技法
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• 绘画
• 艺术
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• 刘宝平

浩瀚丹青：《近现代中国山水画的演变与探索》 本书聚焦于近现代中国画坛，特别是山水画领域，对自晚清至当代的重要流派、代表画家及其核心技法演变进行了深入、系统的梳理与剖析。它旨在为研究中国画史，尤其是对关注转型时期艺术精神与笔墨革新有兴趣的读者，提供一部兼具学术深度与鉴赏广度的参考指南。 第一部分：晚清画坛的革新与守正（约400字） 本卷首先回溯了晚清民国之际，在西方文化冲击与传统艺术面临危机的背景下，中国山水画所经历的“数千年未有之大变局”。重点考察了“四僧”及“四王”画学在新的时代背景下的继承与突破。 海上派的世俗化与世俗趣味的引入： 书中详细分析了以吴昌硕为代表的海派巨匠，如何将金石入画，用古拙厚重的笔法来革新传统文人画的“秀雅”之风。我们探讨了其大写意山水在构图、用墨上的革新之处，以及他们如何在新旧交替的时代中，为中国画注入了更为强健的生命力。 岭南画派的岭南气象与融合： 另一重要章节致力于阐述岭南画派的兴起，特别是对如何吸收日本画家（如日本“四条派”）的写生技巧，并将其融入中国水墨体系的复杂过程。赵洁 बुला、高剑父、陈树人的“折衷主义”并非简单的模仿，而是将岭南独特的自然风光（如热带植物、奇石）与传统皴法相结合的创造性实践。本书通过大量实例，辨析了其如何打破传统“笔墨中心论”的束缚，强调“以形写神”的新路径。 京津画派的学院化倾向： 本部分亦不回避对京津画派的考察，特别是徐悲鸿、张大千等画家在吸收西方透视学、解剖学后，对传统山水画在空间处理和造型基础上的影响。虽然他们的贡献主要体现在人物花鸟，但其对中国画教育体系的重塑，间接影响了后辈山水画家的学习路径与审美取向。 第二部分：20世纪中叶的学术整合与国家叙事（约550字） 本部分深入探讨了新中国成立后，中国山水画在体制化教育和国家主流意识形态影响下所展现出的巨大变化。这一时期是传统技法向“时代精神”转化的关键时期。 “新山水”的理论建构： 书中详尽梳理了以潘天寿、傅抱石、李可染等为代表的画家群体，在“改造传统”过程中的理论贡献。 李可染的“为祖国河山立传”： 重点分析了李可染如何将传统积墨法推向极致，用浓黑、厚重的墨色表现新中国建设的磅礴气势与人民的艰辛历程。他对光影的运用，如何在不失中国画韵味的前提下，模拟出西画中的立体感和氛围感。 傅抱石的“抱石皴”与浪漫主义： 探讨傅抱石如何创造性地运用“散锋破墨”技法，结合金陵的苍茫山水意境，表达时代变革中的浪漫情怀与悲壮色彩。 潘天寿的“一味大胆”与结构张力： 剖析潘天寿如何以极简的笔墨、极强的结构感，在有限的画面中爆发无限的张力，体现出中国传统美学中对力量和气势的极致追求。 学院教育对笔墨标准的重塑： 本部分考察了中央美术学院等顶级学府在教授传统山水画时，如何提炼和规范化了清初“四王”的笔墨语言，使其成为新一代画家的共同技术起点。这在客观上提升了中国画的造型基础和规范性，但也引发了关于“程式化”的争议。 南派与北派的地域性差异： 此外，本书也对比了南（以巴蜀、岭南为代表的写生探索）与北（以京津为代表的笔墨规范）在风格上的侧重与交融，展示了在国家统一叙事下的艺术地域性的微妙存续。 第三部分：当代山水画的多元探索与回归本土（约550字） 进入20世纪末和当代，随着改革开放的深入，山水画摆脱了单一的意识形态束缚，进入了一个前所未有的多元探索时期。 从“现代性”到“后现代性”的转向： 本部分重点分析了艺术家如何面对全球化和信息爆炸的时代，重新审视“山水”的意义。 观念水墨的兴起： 探讨部分艺术家如何利用山水符号进行观念表达，突破传统技法的限制，关注社会变迁、城市化进程对人与自然关系的影响。他们可能采用拼贴、综合材料等方式，挑战观众对传统山水画的既有认知。 对传统文脉的深度回归： 与观念水墨并行的是一股强劲的“回归传统”浪潮。许多当代画家开始重新钻研宋元古法，特别是对“元四家”的笔墨进行现代性的转译。例如，通过极简的构图、微妙的墨色层次变化，表达对传统士人精神的理解，而非简单复古。 “小品画”的价值重估： 简要提及了在宏大叙事之外，那些坚持传统小品、册页形式的画家群体。他们更注重笔墨的即时性、个体的性情流露，以及对中国文人画“闲适”审美趣味的坚守。他们的作品往往更贴近传统文人画“胸中逸气”的本质要求。 技法层面的细微革新： 书中也关注当代画家在具体技法上的微小创新，如对水份控制的极致追求、对传统皴法的解构与重组，以及如何利用现代宣纸和颜料的特性来丰富画面语言。 总结： 《近现代中国山水画的演变与探索》试图描绘出一条清晰的脉络：中国山水画如何在激荡的时代中，既保持了其独特的东方哲学与笔墨根基，又不断吸收外来元素，完成了从古典到现代，再到当代的复杂转型。它不仅是一部技法史，更是一部关于中国艺术精神如何在变局中求存、求新的思想史。

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作为一名纯粹的业余爱好者，我对绘画的热情很高，但苦于没有名师指点，自己摸索起来常常走弯路。市面上关于中国画技法的书也不少，但很多都过于强调理论，或者展示的作品太过高深，让我望而却步。而这本书，我希望它能够真正做到“自学技法”，并且是“小品画谱”的形式。我期待它能够提供一些非常具体、非常实操的绘画步骤或者技巧讲解。比如，如何勾勒一朵花的轮廓？如何渲染一片树叶的颜色？如何用简单的几笔画出一只栩栩如生的鸟？我希望这本书不是简单地罗列一些名家的作品，而是能够像一位耐心的老师，一步步地引导我，让我能够跟着书中图谱的示范，一点点地去模仿，去练习。如果里面能有一些对笔墨运用、色彩搭配的深入浅出的解释，那就更好了。我希望通过这本书，能够建立起自己对中国画技法的基本认识，并且能够通过反复练习，逐渐掌握一些绘画的基本功，能够画出一些自己满意的作品，哪怕只是简单的花鸟虫鱼。

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这本书的书名给我的第一印象就是“实用”和“精炼”。“名家小品画谱”听起来就很接地气，不像那些厚重的学术著作，而是更适合像我这样想动手尝试绘画的读者。我希望这本书能够提供一些具有示范性的“小品”创作范例，这些范例应该足够清晰，并且能够吸引人去临摹。我特别希望能看到一些关于如何捕捉事物“神韵”的讲解，因为我觉得这是中国画最迷人的地方。比如，怎么才能画出猫咪慵懒的眼神，或者是一片叶子在风中摇曳的姿态。我也希望这本书的“技法”部分能够非常具体，不仅仅是文字的描述，更要有大量的插图和示范，最好能有不同的线条处理、晕染技巧的演示。因为我一直觉得，看懂理论是一回事，真正做到动手画又是另一回事。我希望这本书能成为我学习中国画的“入门指南”，帮助我建立信心，克服对绘画的畏难情绪，让我能够真正地享受绘画的乐趣，并从中找到属于自己的艺术表达方式。

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这本书的封面设计倒是挺吸引人的，古朴的风格，几个名字排在一起，感觉很有分量。我一直对中国画有兴趣，但总觉得理论书太枯燥，实践性不强。市面上也有不少图谱，但很多都太学院派了，看得我云里雾里。所以，当我看到这本书的封面时，内心还是蛮期待的。我希望它能像书名里暗示的那样，是“小品画谱”，意味着更容易上手，更贴近日常的绘画练习。我也很想知道，这几位“当代中国图画名家”究竟会带来怎样的小品画作品，他们的笔触、构图、色彩运用，是不是能给我一些灵感，让我觉得中国画并不是高不可攀的艺术，而是可以融入生活，可以尝试去描绘的。特别是“自学技法丛书”这个副标题，让我觉得这本书更有实践价值，如果能有一些图文并茂的讲解，告诉我们如何去观察、如何去下笔，那简直是再好不过了。我希望这本书能给我打开一扇窗，让我看到中国画的魅力，并且有勇气去迈出自己绘画的第一步。

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翻开这本书，扑面而来的是一种沉静而雅致的氛围。我尤其喜欢它所呈现的那些“小品”作品，尺寸不大，但意境悠远。每一幅画都像是作者在某个宁静的午后，随手拈来的灵感，寥寥几笔，却勾勒出了山水的灵动，花鸟的生机，或是人物的韵味。我仔细品味着那些线条的粗细变化，墨色的浓淡干湿，还有那些恰到好处的留白，仿佛能感受到画师笔尖下的情感流淌。我发现，这些小品画并不追求宏大的叙事，而是着重于捕捉瞬间的美好，这一点对我这个初学者来说，实在是太友好了。我常常被一些细节所打动，比如一片飘落的叶子，一只栖息在枝头的鸟，或是远山上一抹淡淡的云。这些元素组合在一起，却能营造出一种宁静致远的感觉。我希望通过学习这些小品，能够慢慢体会到中国画的精髓，学会用简练的笔触去表达丰富的内涵，而不是被那些复杂的技法所吓倒。

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我一直对中国画的意境之美非常着迷，尤其是那些能够触动心灵的写意作品。这本书的作者都是当代中国画界的名家，所以，我非常期待能从中领略到他们独特的艺术风格和创作理念。我希望书中的作品能够展现出“写意”的精髓，即不拘泥于形似，而是注重神韵的表达。我特别想看看，这些名家是如何通过寥寥几笔，就能勾勒出事物的神态和生命的活力。我希望书中能够有一些作品，能够让我感受到“计白当黑”的妙处，体会到留白在画面中所起到的重要作用。我更希望，这些“小品”作品中，能够蕴含着深厚的文化底蕴和生活情趣，让我不仅仅是学习绘画技巧，更能从中汲取艺术的养分，提升自己的审美情趣。我希望在欣赏这些作品的同时，能够引发我自己的思考，去体会画师想要传达的情感和意境，从而能够将这些感悟融入到我自己的绘画尝试中，慢慢培养出属于自己的绘画风格。

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