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出版者:湖南文艺出版社

作者:刘建辉 朱莉

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1998-07-01

价格:23.7

装帧:

isbn号码:9787540418809

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《古典钢琴的金色时代：从巴赫到德彪西的键盘艺术》 一部全面、深入、富有洞察力的古典钢琴演奏与史学指南 内容简介 《古典钢琴的金色时代：从巴赫到德彪西的键盘艺术》并非一本侧重于现代或流行音乐风格的教程，而是一部旨在带领读者穿越浩瀚的古典音乐历史长河，深入探究自巴洛克早期至印象主义盛期的钢琴（及早期键盘乐器）演奏技法、美学思想与文献演变的权威著作。本书旨在为严肃的古典钢琴学习者、音乐史研究者以及所有对西方键盘音乐文化抱有深厚热情的听众，提供一套系统、精炼且极具实践指导意义的知识体系。 全书结构清晰，逻辑严密，共分为六大部分，辅以大量的乐谱分析实例和历史文献佐证。 --- 第一部分：键盘音乐的黎明与巴洛克精魂（1600-1750） 本部分聚焦于钢琴的前身——羽管键琴（Harpsichord）与古钢琴（Clavichord）的黄金时期。我们将探讨意大利、法国、德国三大流派在这一时期键盘音乐创作上的核心差异。 前奏与赋格的结构奥秘： 深入剖析巴赫《平均律钢琴曲集》的对位法原理，不仅仅停留在技术模仿层面，更着重于逻辑构建和“音高戏剧”的表达。详细讲解如何运用指尖的清晰度与均匀度来区分各个声部的独立性，而非依赖触键的力度变化。 法国键盘组曲的优雅： 考察库普兰（Couperin）的“风格化”（Style galant）理念，特别是“装饰音的表情性”——如何使用颤音（Tremolo）、回音（Echo）和各种精妙的装饰音来赋予音乐生命，而非仅仅是程式化的标记。 早斯卡拉蒂的活力与地域性： 分析多梅尼科·斯卡拉蒂（Domenico Scarlatti）奏鸣曲中蕴含的西班牙民间音乐元素，探讨其独特的跨指技巧和宽广的和声色彩在羽管键琴上的实现方式。 核心技术侧重： 强调指位固定、声音颗粒感（Clarity of articulation）以及对踏板（在羽管键琴上多为换音踏板或调节音色）使用的历史准确性理解。 --- 第二部分：古典主义的平衡与“歌唱性”（1750-1820） 随着古钢琴（Fortepiano，即现代钢琴的直系祖先）的兴起，音乐的重心从对位转向旋律与和声的清晰表达。本部分重点解析海顿、莫扎特和贝多芬早期作品中的审美范式转变。 海顿的幽默与结构： 分析海顿奏鸣曲中如何运用突然的力度对比（Sforzando）和节奏上的机智来达到喜剧效果，以及其在奏鸣曲式结构中的精妙布局。 莫扎特的线条艺术： 深入探讨莫扎特音乐中“歌唱性”（Cantabile）的极致体现。如何通过对旋律线条的呼吸控制，使之听起来仿佛是由最优美的女高音或小提琴所演奏，探讨其对连奏（Legato）的细腻要求。 贝多芬的“力量”与古钢琴的极限： 考察早期贝多芬作品（如作品2、作品10）中，如何开始探索古钢琴的动态范围。讨论如何运用指尖的重量感而非蛮力，来表现早期“英雄主义”的萌芽。 核心技术侧重： 连奏的建立（如何不依赖过多的踏板实现）、清晰的音阶与琶音跑动，以及对古典曲式（奏鸣曲、回旋曲）段落划分的敏感度。 --- 第三部分：浪漫主义的激情与钢琴的工业革命（1820-1900） 此阶段是钢琴制造技术飞跃的时期，铁骨架、十字交叉弦和更重的击弦机赋予了钢琴前所未有的音量、延音和音色深度。本书将详细论述这些技术进步对演奏美学带来的根本性改变。 肖邦的“诗意”与手指的独立性： 剖析肖邦作品中对不和谐音、揉弦（Rubato）的精确运用。重点讲解其“非对称的揉弦”——即保持左手伴奏的稳定节奏，而让右手的旋律线条自由呼吸的技巧。分析其夜曲、叙事曲中对踏板的创新性使用（例如，延音踏板作为色彩工具而非简单的持续音）。 李斯特的炫技与“管弦化”： 研究李斯特如何将交响乐的织体浓缩到键盘上。详细拆解其大型练习曲中那些看似不可能的八度、和弦跨度以及快速的分解和弦技巧的训练路径。强调李斯特时代对“手腕的放松”和“手臂重量转移”的强调。 舒曼与室内乐的精神： 探索舒曼作品中标题音乐的特点，以及他如何在钢琴上模仿人声对话、管乐组的音色。探讨《幻想曲集》这类作品中，内在叙事逻辑如何指导技术处理。 核心技术侧重： 揉弦的控制、宽广和弦的均匀性、远距离跨越的精准性、以及对钢琴延音踏板的“半踏”与“全踏”的深度理解。 --- 第四部分：后浪漫主义的色彩探索与德彪西的曙光（1890-1920） 本部分关注那些开始挑战传统调性和音色界限的作曲家，他们为20世纪的音乐打开了大门。 勃拉姆斯：回归严肃与复调的厚重： 分析勃拉姆斯作品中对巴赫与贝多芬精神的回归，但运用了更加饱满、更深沉的钢琴音色。重点讨论其内声部处理的复杂性，以及如何使厚重的和声织体依然保持清晰的轮廓。 德彪西与“水”的听觉体验： 详细解读德彪西如何通过非传统的和声（全音阶、五声音阶）和复杂的踏板运用，创造出“印象主义”的光影效果。分析《前奏曲》中如何通过指尖的轻柔触碰，模仿雨滴、微风和波光的质感。 拉赫玛尼诺夫的宏大叙事： 探讨拉氏作品对钢琴指法要求的“俄式”极端化，尤其是其标志性的宽幅琶音和需要极大爆发力的和弦堆叠。 核心技术侧重： 音色控制的细微差别（从ppp到fff的平稳过渡）、对非传统音阶的熟练掌握，以及如何避免在复杂织体中“粘连”声音。 --- 第五部分：历史演奏实践与文献考据 本部分是本书的独特价值所在。它不教授如何弹奏某一首曲子，而是教导读者如何研究“历史上的演奏者是如何思考的”。 乐谱版本的批判性阅读： 如何辨别不同版本（如“原稿”、“首版”、“编辑版”）之间的差异？如何解读早期的指法标记（如Busoni的深刻见解）？ 早期录音的启发： 分析早期钢琴大师（如克拉拉·舒曼、哈农、或早期的演奏家）的录音，并非盲目模仿，而是从中提取关于节奏弹性、连奏习惯和装饰音处理的“历史信息”。 踏板的“哲学”演变： 梳理从巴赫时代缺乏踏板，到古典时期的谨慎使用，再到浪漫主义时期的全面解放，这一过程中踏板如何从一种机械工具演变为一种核心的艺术表现手段。 --- 第六部分：古典钢琴家的必备素养 本部分为实践指导，旨在将理论与技术融会贯通。 技术训练的“古典化”： 强调技术训练应服务于古典作品的特定需求，例如如何针对巴洛克时期的清晰度进行音阶练习，而非仅仅追求速度。 对位思维的再激活： 如何在演奏浪漫主义作品时，依然保持巴洛克时期对声部独立性的关注。 舞台演绎的沉静力量： 探讨在不依赖现代电子乐器增幅的情况下，如何通过对音色的掌控力和对乐思的深刻理解，在音乐厅中有效地传达音乐意图。 本书的最终目标是培养一位具备深厚历史意识、能够与作曲家进行跨时代对话的古典钢琴演奏家。 它不提供捷径，而是提供地图、指南针和历史知识，让学习者能够自主探索古典键盘音乐的无限宝藏。

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对于我这种已经有一定的钢琴基础，但对爵士和声感到非常“敬畏”的人来说，这本书简直是一剂强心针。我之前看过一些国外的爵士乐教材，它们要么过于学术化，充斥着大量难以理解的术语，要么就是只教你模仿套路，却不告诉你背后的原理。《跟我学爵士钢琴》巧妙地找到了一个平衡点。它没有回避复杂的理论，比如二级属七和弦的替代、三全音替代这些“大招”，但是它总是用最直观、最生活化的语言来解释这些概念，让人觉得“原来爵士乐的和弦进行也没那么玄乎”。我尤其欣赏作者在讲解“旋律线条”时强调的那种“对话感”，它教会我如何让自己的演奏听起来像是在跟乐队里的其他乐手进行一场精彩的对话，而不是一个人的独白。读完这本书，我感觉自己不再是被动地弹奏谱子上的音符，而是开始真正地“创作”属于我自己的音乐了。它真正做到了“跟我学”，而不是“看我教”。

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我发现很多爵士乐教材都忽略了“风格化”的重要性，它们总是一味地追求速度和复杂性，结果教出来的学生弹的都是“标准答案”，缺乏个性。《跟我学爵士钢琴》的独特之处在于，它非常鼓励学习者去发掘自己的声音。在教授了基础的爵士和声框架之后，书中花了不少篇幅来讨论如何“打破”这些框架，如何根据不同的爵士乐流派（比如放克、拉丁爵士、后波普）来调整自己的演奏色彩。我过去总是弹得太“直”，缺乏那种慵懒或者紧张的表情，读了这本书后，我开始有意识地去模仿不同大师的“语气”，尝试在同一个和弦进行上弹出完全不同的情绪。这种引导式的学习方法非常高明，它让你在掌握规则的同时，也学会了如何运用规则去表达情感。这本书不是给你一条路走到黑，而是为你打开了通往无限可能性的爵士音乐宇宙的大门，非常值得深入研究。

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这本《跟我学爵士钢琴》真是太给力了，我简直不敢相信我能如此快地入门爵士乐的圈子。我一直对那种自由、即兴的音乐风格充满向往，但每次打开钢琴前都感到无从下手。这本书简直就是我的救星，它不是那种枯燥的理论堆砌，而是用一种非常实用的方式，把我从基础的和弦进行一步步引导到真正的爵士乐演奏中。特别是关于“和弦转位”和“即兴独奏”的那几章，讲解得清晰透彻，配上的示范音轨让我能立刻听到并模仿那种地道的爵士味儿。我以前总觉得爵士乐太复杂，需要很高的乐理基础，但这本书的编排逻辑非常聪明，它把复杂的概念拆解成可以一口口吃掉的小块，让你在不知不觉中就掌握了核心技巧。而且，书中还穿插了很多爵士乐史上的小故事和著名音乐家的演奏心得，这让学习过程不再是机械的练习，更像是一次深入音乐殿堂的探索之旅。我强烈推荐给所有想摆脱古典束缚、渴望用钢琴自由表达的音乐爱好者。

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我以前学过一些流行钢琴和古典乐，但总觉得在即兴和和声上总有点“打不开”的感觉，尤其是在爵士乐这种需要大量“色彩”的和弦里打转时，感觉自己像个迷路的孩子。直到我接触到这本教材，它彻底改变了我的看法。《跟我学爵士钢琴》这本书的厉害之处在于，它非常注重“听觉训练”和“手指的记忆”。它不只是告诉你Cmaj7后面接什么，而是让你真正去“感受”和弦之间的色彩变化和连接的流畅性。书中对于“步伐”（walking bass line）的讲解简直是教科书级别的，我以前总是弹得很僵硬，读了这本书后，我开始理解了贝斯手在爵士乐中的灵魂作用，这对我的伴奏和独奏都有了质的提升。更让我惊喜的是，它提供的练习曲目选择非常地道，从布鲁斯基础到Bebop的骨架，循序渐进，让你能踏实地走过爵士乐的各个关键阶段。这本书的排版也很舒服，关键的指法和节奏型标注得非常清晰，即使是自学者，也能很快找到方向感。

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说实话，我买过好几本爵士钢琴入门书，大多都是雷声大雨点小，要么是介绍性质的，要么是只讲基础和弦然后就没了。《跟我学爵士钢琴》这本完全是另一番光景。它的内容深度和广度都超出了我的预期。我最喜欢的部分是关于“律动”（Groove）的解析。爵士乐的精髓在于那个摇摆（Swing）的感觉，但光靠听是很难把握那个微妙的节奏错位感的。这本书用图文并茂的方式，细致地拆解了八分音符“摇摆”时前后音符的细微时值差异，并且给出了大量的练习范例，让我能在练习中不断调整自己的触键和时间感。读这本书的过程，就像是有一位经验老到的爵士乐导师在你旁边手把手地指导一样，他不仅教你弹什么音，更重要的是教你“怎么弹”，弹奏的力度、触键的轻重，都直接影响到爵士乐的最终质感。这本书绝对是那种可以长期放在琴边，时常翻阅的宝典。

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嘛……还是非常好的，虽然主体部分要靠意会????

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