中国绘画质地表现 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:辽宁美术出版社

作者:韩敬伟

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2000-06-01

价格:18.0

装帧:

isbn号码:9787531424888

丛书系列:

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• 中国绘画
• 绘画技法
• 质感表现
• 绘画材料
• 水墨画
• 工笔画
• 重彩画
• 绘画技法研究
• 艺术教育
• 绘画理论

好的，这是一本关于中国古代建筑装饰艺术的图书简介，内容涵盖了从早期萌芽到清末演变的全过程，重点探讨了彩画、砖雕、木雕和石雕等主要装饰形式的技法、风格流变及其文化内涵，力求展现中国建筑美学的精髓与时代特征。 --- 图书名称： 《华夏之脊：中国古代建筑装饰艺术的流变与意蕴》 图书简介： 本书是一部系统梳理中国古代建筑装饰艺术发展脉络的学术专著。它超越了对单一工艺的简单罗列，致力于从宏观的历史维度和微观的艺术本体出发，深入剖析了作为建筑“皮肤”与“灵魂”的装饰艺术，是如何承载礼制教化、寄托哲学思想、并随朝代更迭而不断演进的。全书以时间为经，以装饰类型为纬，构建了一幅从先秦萌芽至清代成熟的立体画卷。 第一编：源起与奠基——早期装饰的礼制色彩与精神寄托 本篇追溯了中国建筑装饰艺术的远古渊源，重点考察了新石器时代陶器纹饰在早期建筑（如夯土台基与木构架）上的投影。 第一章：史前遗存与信仰萌芽。 探讨了早期聚落中对于“图腾”与“符号”的崇拜如何转化为建筑构件上的简单几何纹样或动物造型。此处着重分析了半坡、仰韶文化遗址出土的与建筑相关的装饰母题。 第二章：夏商周的“威仪之美”。 聚焦于夯土台基、宫殿基座的“下部装饰”的初步形成。重点分析了青铜器纹饰在建筑领域（特别是瓦当、滴水）的扩散，如饕餮纹、夔龙纹的符号学意义，它们如何直接服务于宗法礼制与等级秩序的建构。这一时期的装饰尚处于“象征性”阶段，重于观念的表达而非纯粹的审美愉悦。 第二编：秦汉的博大与融合——恢弘气象中的秩序构建 秦汉大一统格局对建筑装饰提出了新的要求：既要彰显帝国的雄浑气魄，又要规范化既有的地域性装饰语汇。 第三章：秦汉宫殿的象征语汇。 详细考察了汉代瓦当（包括布纹瓦当、几何纹瓦当）的成熟及其在确立帝国官方审美标准中的作用。分析了砖雕的早期形式——高浮雕与浅浮雕在画像砖中的应用，这些装饰不再是单纯的几何图案，而是开始叙事化，融入了神仙故事、历史典故，成为教化百姓的“图像百科”。 第四章：装饰主题的世俗化倾向。 探讨了在地方豪强与中产阶级建筑中，装饰主题开始向“享乐”与“生命力”倾斜，如车马出行、宴饮场景的出现，预示着装饰艺术从纯粹的礼器属性向生活美学的过渡。 第三编：魏晋南北朝的灵性觉醒与地域分化 这一时期是中国文化史上思想交锋、艺术多元化的关键期。佛教的传入对本土装饰体系产生了颠覆性的影响。 第五章：佛塔与石窟的装饰冲击。 深入分析了犍陀罗、笈多艺术对中国装饰母题的改造。重点阐述了飞天、莲花、宝相花如何在石窟壁面和建筑斗栱上落地生根，并与本土的云气纹、卷草纹进行复杂的“混血”与融合。 第六章：南北风格的迥异与交融。 考察了南方以木结构为主的建筑装饰（如梁架彩绘的早期形态）与北方石质建筑装饰（如碑刻、画像石）之间的对话。讨论了“秀逸”与“古拙”两种审美倾向的并存状态。 第四编：隋唐的盛世气象与装饰的成熟体系 隋唐是古典建筑装饰的巅峰时期，形成了结构严谨、气势磅礴、色彩华丽的成熟体系。 第七章：彩画的制度化。 详细描绘了唐代官式建筑彩画的“格律”——自和玺彩画、旋子彩画到苏式彩画（早期形式）的初步确立。分析了“金线大点金”等核心技法的出现，及其如何利用色彩的明度与饱和度来强化木构架的立体感和等级区分。 第八章：雕刻艺术的集大成。 聚焦于石雕与木雕在唐代建筑上的应用。研究了唐代狮子、天王像的造型语言，如何从拘谨走向雍容大气。特别是殿宇屋檐下斗栱、梁枋上的“主题性”木雕装饰，它们不再是简单的结构附属，而是独立叙事单元的载体。 第九章：装饰母题的“吉祥化”与“人性化”。 探讨了“万字纹”、“联珠纹”等抽象纹样的流行，以及唐代装饰中对“生命活力”的赞美，如繁复的花鸟、瑞兽图案的成熟，为宋代审美转向埋下伏笔。 第五编：宋元的精微与雅致——技术进步与审美取向的转变 宋代，重文抑武的国策和市民阶层的崛起，使建筑装饰从宏大叙事转向精巧写实。 第十章：院体画风对装饰的影响。 宋代“格物致知”的思潮深刻影响了装饰的写实程度。重点分析了宋代彩画中“分心花”、“组成”的细密化，以及木雕中对自然形态（如竹、梅、水波）的精微刻画，强调“理趣”与“意境”。 第十一章：地域装饰的勃兴与技术规范。 考察了宋代“营造法式”对装饰做法的标准化影响。同时，南方（如徽派、闽派）的砖雕、木雕开始展现出强烈的地域特色，装饰题材逐渐走向“世俗化教化”与“文人审美”的结合。 第十二章：元代装饰的多元性。 探讨了蒙古族统治下，中原装饰艺术与西域艺术元素的再次交融，如藏传佛教装饰元素在元代宫殿中的渗透。 第六编：明清的集大成与程式化——繁复的华美与文化的固化 明清两代，建筑装饰艺术达到了技术和规模上的顶峰，但同时也趋向于过度装饰和程式化的表达。 第十三章：明代官式建筑的规范化重塑。 分析了明代“五彩”、“沥粉贴金”等复杂工艺的成熟。重点阐述了“和玺彩画”在紫禁城中的至高地位，其色彩体系和结构布局的严格程度，体现了皇权至上的政治意图。 第十四章：清代繁复的极致与“万象更新”。 聚焦清代装饰艺术的“满工”趋势，特别是繁复的“通景画”在屏风、藻井上的运用。深入研究了掐丝珐琅、螺钿、镶嵌等新工艺在皇家建筑装饰中的创新应用，以及官式装饰语汇的僵化趋势。 第十五章：地方流派的辉煌与反叛。 详尽对比了徽派的“三雕”（砖雕、木雕、石雕）如何以其独特的“意在笔先”的写意精神，对北方程式化的装饰风格构成强烈的艺术回应。分析了岭南建筑中色彩的大胆运用及其与本土气候、风俗的适应性。 结语：装饰艺术的文化责任 全书最后总结了中国建筑装饰艺术在数千年间的核心价值：它不仅是美的附加，更是“礼”、“道”、“数”在物质空间的投射。装饰的每一次演变，都折射出特定历史时期社会的权力结构、哲学思潮和审美趣味的深刻变迁。本书旨在提供一个多维度的观察视角，探寻这些凝固在梁枋、砖瓦之上的历史记忆与文化基因。 ---

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这本书对于当代艺术创作的启发性，是它最让我惊喜的一部分。我原本以为这是一本纯粹的“考古学”式的研究，但实际上，它为我们这些身处数字时代的创作者提供了宝贵的“触感”线索。作者对于“笔触在特定材料上留下的物理痕迹”的分析，让我重新审视了自己日常使用的媒介。我开始思考，如果我用现代丙烯在粗粝的麻布上作画，其“质地”的表达是否可以借鉴古人处理粗糙的生宣纸的方式？书中对于古代画师如何利用材料的“瑕疵”来增强画面表现力的探讨，简直是为我打开了一扇新的大门。它提醒我们，技术进步不应以牺牲材料的本真性为代价。这本书不再是将古代视为一个不可逾越的高峰，而是将其转化为一个可以对话、可以借鉴的资源库，指导我们在新的语境下，如何更真诚地与我们手中的材料对话。

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这本书的理论深度远超我的预期，它没有停留在对传统绘画技法表面的罗列和赞美，而是真正深入到了“质地”这一核心概念的哲学层面进行探讨。作者对于不同历史时期、不同画派对“物质性”的理解和处理方式，进行了细致入微的比较和剖析。比如，它对于北宋院画中那种“绢本上肌理的微妙变化”与元代文人画中“纸本上笔触的即时反馈”之间的差异，分析得极其透彻，不仅仅是技法层面的差异，更是士人精神世界在材料选择和处理上的投射。我特别欣赏其中对于“皴法”的再定义，作者似乎将皴法视为对材料“抵抗性”的驯服过程，这种视角非常新颖，一下子打通了材料学和审美学的壁垒。读完关于江南湿润气候如何影响水墨渗化效果的那几章，我再去审视那些古代画作时，仿佛能“听见”墨在宣纸上洇开的声音，这种感官上的联通，是其他同类书籍所不曾给予的。

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从文献引用的规范性和学术严谨性来看，这本书完全达到了顶尖水平。我特意查阅了后记和引文部分，可以看到作者对历代文献的搜集和考证是何等细致入微，标注的精确性令人叹服。它似乎囊括了从宋代《图画宝鉴》到清代画论的几乎所有相关论述，并且对其中的矛盾之处进行了审慎的辨析。这种扎实的基础工作，使得全书的论述都建立在坚不可摧的史料之上，让人读起来信心十足，不会出现那种“空中楼阁”式的臆测。即便是对于一些存疑的材料来源，作者也保持了学者的审慎态度，明确指出其推测性质，而不是草率下定论。对于需要进行深入研究的学生或学者来说，这本书不仅是阅读材料，更是一个极佳的、可信赖的参考工具书。其参考文献的广度与深度，充分体现了作者多年的潜心钻研。

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这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，封面采用了那种微微泛着古朴光泽的特种纸张，触感温润细腻，仿佛能让人联想到宣纸经过岁月沉淀后的那种历史厚重感。装帧的整体风格简约而不失典雅，留白恰到好处，没有那种市面上许多艺术类书籍常见的繁复堆砌，而是用一种内敛的方式烘托出内在的学术价值。内页的印刷质量更是无可挑剔，色彩还原度极高，即便是对于那些极其微妙的墨色变化和矿物颜料的颗粒质感，也能展现得淋漓尽致。尤其是那些高清放大的局部细节图，简直是视觉的盛宴，那些细如发丝的线条、晕染开来的水痕，都清晰可见，让人在阅读理论的同时，也能享受到纯粹的视觉愉悦。装帧不仅仅是保护内容，更是对艺术本身的一种致敬，体现了出版方对这部作品的尊重和用心。我甚至忍不住多看了几遍扉页和目录的设计，那种字体排版的匠心独运，更增添了阅读的仪式感。这种对物理形态的极致追求，已经超越了一本普通图书的范畴，更像是一件值得收藏的艺术品。

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阅读体验上，这本书的叙事节奏掌控得非常巧妙，它不像是一本枯燥的学术专著，更像是一位经验丰富的画廊策展人，带领着读者缓缓走进一个层层递进的展览空间。每一章的过渡都非常自然流畅，理论的引入往往伴随着生动的实例解析，而不是突兀的理论堆砌。例如，当讨论到“矿物颜料的饱和度与耐久性”时，作者紧接着就选取了敦煌壁画中特定时期颜料退变案例进行分析，这种图文并茂、理论联系实际的写法，极大地降低了理解门槛。更难得的是，作者的文笔兼具学者的严谨和艺术家的浪漫，语句中时常闪现出对传统美学的深沉热爱，读起来让人心情愉悦，丝毫没有阅读学术著作常有的晦涩感。即便是那些涉及材料化学的描述，也被作者用富有画面感的语言描绘出来，让人在不知不觉中就吸收了大量专业知识。

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