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翻阅这本书的过程，像是一次漫长的、需要耐心的精神徒步。它不是那种可以快速浏览、泛泛而谈的图册，每一页都像是设置了一个观察点，需要驻足、沉思。对于长期关注当代艺术动态的人来说，这本书提供了一个难得的、系统回顾一位重要雕塑家创作脉络的机会。它清晰地勾勒出了艺术家从具象写实到高度抽象的演变轨迹，但这种转变并非突兀的断裂，而是基于对形式语言的不断提纯和内省。那些几何形体的运用，尤其是对“负空间”的强调，处理得极为老道和精妙。书的后半部分收录了评论家对不同阶段作品的深刻解读，这些文字的切入点非常独特，没有落入俗套的赞美，而是直指创作中的难点和突破口，使得这本书的学术价值和收藏价值都得到了极大的提升。
评分读完全书，我首先感受到的是一种强烈的震撼，这种震撼并非来自作品的巨大尺幅，而是源自其中蕴含的哲学深度和情感张力。于庆成的作品似乎总是在探讨“静止中的运动”这一悖论，那些看似静默的形体内部，却涌动着一股强大的生命力，仿佛下一秒就要挣脱束缚，向外迸发。书中对创作过程的侧面描写非常细腻，例如那些关于打磨、焊接的瞬间记录，让人体会到雕塑家与材料之间那种近乎于搏斗的坚持。这种搏斗最终凝结成了作品中特有的那种近乎于宗教般的虔诚感。与我以往接触的许多雕塑集不同，这本书没有过多冗余的理论分析，而是让作品本身说话，通过高质量的图像和精心布置的版式，引导读者进行最直接、最本能的对话。这是一种非常“硬核”的艺术呈现方式，它要求读者拿出百分之百的注意力，去解读每一道切割线、每一处残缺的意义。
评分这本关于于庆成雕塑艺术的画册，拿到手时，就被其厚重的质感和精美的印刷所吸引。内页的排版设计堪称一绝，无论是作品的局部特写，还是全景展示，都处理得恰到好处，让观者仿佛能触摸到艺术家指尖的温度。我印象最深的是他对材料的掌控力，那些粗粝的金属与光滑的大理石在他的手中仿佛拥有了生命，呈现出一种既原始又极富现代感的张力。特别是几件早期作品的扫描件，那些略显斑驳的表面纹理，无声地诉说着岁月在他创作轨迹上留下的痕迹，那种厚重的历史感，是单纯的文字描述永远无法传达的。这本书不仅仅是作品的记录，更像是一部视觉的编年史，它引导着我们一步步深入于庆成的内心世界，去感受他如何用冰冷的石头和钢铁，雕刻出对人性、对自然最深沉的思考与礼赞。每一次翻阅，都会有新的细节被捕捉到，那光影在雕塑表面流转的微妙变化，简直是摄影艺术的教科书级别展示。
评分这本书的装帧和纸张选择，都体现了出版方对艺术本体的尊重。纸张的选择带有微微的哑光质感，既能完美还原金属表面的反光细节，又不会因为过度光滑而产生刺眼的眩光，这对于欣赏雕塑这种三维艺术形式至关重要。其中关于“纪念碑系列”的专题部分尤其引人入胜，那组作品所体现出的那种对集体记忆和个人命运的复杂关照，是极其深刻的。编辑显然下了大功夫去搜集那些罕见的、未曾公开展示过的草图和模型照片，这些“幕后花絮”极大地补充了我们对艺术家创作思路的理解。我尤其喜欢其中一篇简短的访谈节选，于庆成提到他认为雕塑的本质是“空间的呼吸”，这句话如同一把钥匙，瞬间打开了我对之前所有作品的新认知，让我开始关注作品与陈列空间之间的相互作用，而不是仅仅停留在作品本身的形态分析上。
评分这本画册的意义，在于它将冷峻的雕塑艺术以一种极其温暖和人性的方式呈现了出来。通过高清的图像，我们看到了艺术家在创作中付出的体力与心力，那些刀痕凿迹，仿佛能让人感受到工作室里的烟尘与汗水。特别是其中一套关于人像的系列作品，它们的面部表情克制到了极点，但正是这种克制，使得人物内心的挣扎与坚韧得到了最强有力的表达。我特别喜欢书里对光影处理的细微观察，书中的摄影师明显是一位深谙雕塑美学的行家，他懂得如何引导光线，使得材料的质地被最大化地凸显出来，从而增强了作品的叙事感。这本书无疑是艺术爱好者、雕塑专业人士案头必备的参考书，它提供的不仅仅是视觉享受，更是一场关于如何用永恒的物质语言，去捕捉瞬息万变的内心世界的深度研讨。
评分于老师做的泥人非常好
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