新世纪电子琴考级大教本(上册)

新世纪电子琴考级大教本(上册) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

出版者:湖北科学技术
作者:贺其辉,张友瑜主
出品人:
页数:196
译者:
出版时间:2006-3
价格:35.00元
装帧:
isbn号码:9787535233691
丛书系列:
图书标签:
  • 电子琴
  • 考级
  • 乐理
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  • 新世纪
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  • 音乐
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具体描述

本教程是在《新编电子琴系列教程》和《电子琴考级教程》两本书的基础上修订而成。全书分启蒙篇、基础练习篇及进级篇三大部分,前两部分从电子琴入门到基础练习,共十个单元,循序渐进地展现了电子琴演奏中的一些基本技巧和方法,每单元除完成必要的基本练习外,还安排了一定量的书面作业,旨在加强学生的基本乐理知识。在进级篇中本教程充分考虑入选曲目的难度系数,力求尽可能准确地将其置于合适的级别,曲目编排由浅入深,由易而难,自低至高构成合理的阶梯,方便学琴者拾级而上。每一级后面均附有经典钢琴曲及乐理知识、节奏练习。

本教程对左右手技巧的平衡训练给予了充分的关注,在不同级别的曲目中,安排有车尔尼的练习曲,巴赫的小型复调乐曲以及其他一些钢琴练习曲,其目的是力图使学琴者通过系统的学习,不但能弹奏较多难度的各级别电子琴乐曲,并且在音乐知识、音乐感、节奏感以及音乐理论等方面打下一个较好的基础。

本书附CD光盘

探寻音乐的奥秘:当代钢琴演奏技法与理论精讲 本书集结了二十世纪后期至当代钢琴演奏领域中最为前沿和实用的技巧、理论及实践指导。它并非专注于某一特定乐器或考级体系,而是旨在为所有致力于提升钢琴演奏水平的学习者、演奏者和教育工作者提供一套全面、深入、具有前瞻性的知识体系。 第一部分:钢琴演奏的生理学与人体工程学基础 本部分深入剖析了钢琴演奏中的人体运动学原理。我们摒弃了传统教学中对“放松”的模糊要求,转而探讨肌肉群的协同工作、关节的力学结构以及神经系统的反馈机制。 触键的物理学: 详细解析了手指、手腕、手臂乃至整个身体重量如何高效、精准地转化为琴键上的动力。通过高分辨率的解剖图谱和运动捕捉数据分析,我们展示了不同力度(从 pianissimo 到 fortissimo)下,指尖与琴键接触点的压力分布和持续时间。特别关注了颤音、分解和弦以及快速琶音中,手指的独立性与整体协调性的平衡点。 姿态的优化与预防性护理: 探讨了标准坐姿、手臂角度、手型弧度的科学依据。引入了运动生物力学专家的观点,指导读者如何根据自身体型调整琴凳高度和距离,以避免长期练习导致的肌肉劳损和慢性疼痛。内容包括针对手腕隧道综合征、肌腱炎的预防性拉伸和基础康复练习。 节奏感与时间感知的神经科学: 跨学科地探讨了音乐节奏的形成机制。如何通过听觉皮层和运动皮层的有效连接,实现内在节拍的稳定与灵活变化。提供了基于节拍器进阶训练法和“身体律动”导入的实践方案,旨在将“数拍子”提升到“感受脉搏”的层次。 第二部分:和声与曲式分析的深度解构 本章节着眼于超越基础三和弦与调性范围的复杂音乐语言,特别是浪漫主义晚期、印象派乃至二十世纪现代音乐的和声特色。 功能和声的延伸与突破: 系统梳理了瓦格纳、德彪西等作曲家如何运用半音进行、复杂的九和弦、十一和弦、变化和弦,以及增六和弦在功能上的拓展。分析了调性模糊化(Tonal Ambiguity)的技法,并提供了一套从传统功能和声向无功能和声过渡的分析框架。 复调思维与织体构建: 重点分析了巴赫晚期作品以及布鲁克纳、肖斯塔科维奇等作曲家作品中的复调处理。探讨了声部线条的独立性、交叉、模仿和对比在构建宏大音乐结构中的作用。提供了如何通过分析声部进行来快速掌握复杂对位段落的方法。 曲式结构的现代视角: 不仅停留在奏鸣曲式、回旋曲式的基础框架上,而是引入了“片段化”(Fragmentation)、“发展动机”(Motive Development)和“非线性叙事”等概念。通过分析斯特拉文斯基或勋伯格的部分作品,展示了作曲家如何在打破既有曲式规范的同时,保持音乐逻辑的内在统一性。 第三部分:演奏诠释与风格研究 本部分旨在培养演奏者对作品背景、作曲家意图和时代风格的深刻理解,从而实现个性化而又忠于原作的诠释。 历史演奏实践(HIP)的当代应用: 探讨了对早期钢琴(古钢琴、钢琴的演变)演奏实践的研究成果,如何反作用于现代钢琴演奏。分析了不同时期(巴洛克、古典、浪漫)对踏板使用、触键力度、速度处理的潜在线索,强调了对原稿(Urtext)版本细致入微的考察。 不同风格时期的技术侧重: 针对不同时期作品对演奏技术的要求进行细致区分。例如,古典主义的清晰度与平衡感、浪漫主义的歌唱性与色彩变化、印象派对音色的“模糊处理”与颗粒感,以及二十世纪作品中对节奏的精确控制与特殊音效的模拟。 踏板的艺术: 远超“延音踏板”的基础用法,深入探讨了中央弱音踏板(Sostenuto Pedal)的精确运用,以及“半踏”(Half-Pedaling)和“切分踏板”在创造特定声响环境中的作用。通过大量实例分析,指导演奏者如何利用踏板如同运用色彩的画家一般,构建听觉空间。 第四部分:视奏与高效排练策略 本书的实践导向部分,侧重于提升学习效率和应对现场演奏压力的实用技巧。 视奏的认知心理学: 将视奏视为一种信息预处理过程。教授如何快速扫描乐谱(提前预测、识别模式),如何处理突发的节奏或调性变化,以及如何在大脑中同步处理“看”、“想”、“弹”三个层面的信息流。 记忆的结构化: 介绍多维度记忆法,包括肌肉记忆、听觉记忆、视觉记忆(乐谱形态)和分析记忆(和声结构、曲式框架)的相互印证。重点讲解了如何通过“结构分解”而非“逐小节重复”来进行高效的记忆巩固。 舞台表现力与心理调适: 探讨了演奏前的准备仪式、缓解紧张情绪的生理技巧,以及如何在舞台上保持专注力的策略。分析了身体语言(如鞠躬、眼神交流)如何影响听众对演奏的感知,使演奏者在技术稳定之余,展现出成熟的舞台风范。 本书内容广泛,力求将科学研究、音乐理论、演奏实践融为一体,为追求卓越的音乐学习者提供一个超越单一考试标准的、面向未来音乐世界的综合性知识宝库。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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这本书的曲目选择实在太老套了,缺乏时代感和吸引力。翻开目录,几乎清一色都是我们小时候听过的那些红歌或者非常公式化的民谣小调,旋律性虽然不错,但对于追求现代流行音乐或轻快风格的当代学习者来说,吸引力实在太低了。我尝试着弹奏了其中几首为了练习音阶而改编的简单曲目,但弹奏过程中枯燥乏味的感觉挥之不去。现代电子琴教学应该更多地引入一些符合当下年轻人审美的音乐元素,比如简单的影视配乐片段、节奏感更强的流行舞曲的简化版,这样才能真正抓住学习者的注意力。现在的教材内容仿佛停在了上个世纪八十年代,对电子琴在现代音乐制作中的应用和技巧几乎没有涉及,比如音色选择、效果器基础运用等。这使得学完这些曲目后,我感觉自己的演奏技巧虽然可能有所提升,但对如何用电子琴演奏“现代音乐”依然感到迷茫和无措,缺乏实践指导意义。

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教材的编排逻辑存在明显的跳跃性和不连续性,让人在学习过程中感到十分困惑,仿佛是把不同阶段的内容随意拼凑在一起。比如,前一页还在讲解如何用左手保持稳定的基本伴奏型,下一页却突然跳到了复杂的跨把位和弦练习,中间完全缺乏过渡性的技术衔接或理论说明。这种突兀的难度提升,使得学习者在技能还未完全掌握时,就被推向了下一个高难度挑战,极易造成基础不牢固的现象。我个人在学习第三章关于琶音技巧的过渡部分时感受尤为明显,教材作者似乎默认读者已经具备了某种程度的手指独立性和肌肉记忆,但对于那些真正需要循序渐进练习的新手来说,这种跳跃是致命的。一本好的教程应该像一位耐心的老师,每一步都铺好垫脚石,确保学习者稳扎稳打,但这本教材的结构更像是一份知识点的大纲罗列,而非细致的教学路径图。

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这本书的排版和印刷质量简直是一场灾难,拿到手的第一感觉就是廉价。纸张薄得跟卫生纸似的,稍微用力翻动,边角就容易卷曲或撕裂,这对于一本需要频繁翻阅和练习的教材来说,简直是设计上的疏忽。更别提那些五线谱和指法图示了,印得模糊不清,线条之间粘连,初学者根本无法准确分辨哪个音符对应哪个键盘位置,更别提复杂的和弦指法了。我对着谱子研究了半天,才勉强辨认出几个简单的音符,这极大地挫伤了学习的热情。想象一下,一个刚刚接触电子琴的孩子,面对这样一份令人困惑的教材,他的耐心和兴趣很容易就被消磨殆尽了。如果说学习电子琴本身就需要极大的专注力,那么这本教材就像设置了一道无形的障碍,让学习过程充满了不必要的摩擦和困惑。我真的建议出版社对纸张和印刷工艺进行一次彻底的升级,毕竟,好的工具是成功的一半,而这本教材的硬件条件,实在是不容乐观,让人怀疑它是否真的经过了专业的编辑和校对流程。

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在配套资源方面,这本书的表现近乎于零,这在数字化时代是不可接受的。虽然书名里带着“大教本”的字样,但完全没有提供任何音频示范或伴奏轨道下载的链接或二维码。对于初学者而言,仅仅依靠阅读乐谱来模仿正确的节奏感和速度是极其困难的,听觉输入是理解音乐不可或缺的一环。我不得不花费大量时间去网上搜索与书中学谱相似的范例音频,但由于曲目实在太过于冷门或古老,找到的匹配度很低,这导致我在练习速度和准确性时,始终无法确定自己弹奏出的“感觉”是否符合教材作者的预期。如果能提供至少是标准速度和慢速的示范音频,并辅以简单的鼓点或基础贝斯伴奏,那么学习效率将会得到质的飞跃。缺乏这种基础的视听支持,使得这本书的实用性和学习体验大打折扣,它更像是一份只能靠想象力去完成的“理论说明书”。

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作为一名希望系统学习电子琴演奏技巧的成年人,我对于教材内容的深度和广度抱有很高的期待,然而这本书给我的感觉更像是一本面向小学低年级入门的简易读本,深度严重不足。它似乎把所有的精力都放在了介绍键盘的物理结构和最最基础的单音弹奏上,对于和声学的基本原理,比如三和弦的构成、转位、七和弦的初步概念,几乎是点到为止,甚至很多地方的解释过于口语化和浅薄,缺乏严谨的理论支撑。比如在讲解节奏型时,只是简单地给出几个固定的伴奏模式,并没有深入探讨不同音乐风格下节奏律动的细微差别和变化技巧。我花了大量时间去查阅其他更专业的音乐理论书籍来补充这部分的知识空缺,这让我感觉这本书作为“大教本”的名不副实。它也许适合作为音乐启蒙的第一步,但如果想通过它进阶到能够自己编配或理解复杂乐曲的层面,那这本书的容量和深度是远远不够的,更像是一份简单的“操作说明书”而非深入的“学习指南”。

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