工笔牡丹线描画谱 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:天津人民美术

作者:天津人民美术出版

出品人:

页数:154

译者:

出版时间:2005-5

价格:35.00元

装帧:

isbn号码:9787530528747

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• 工笔画谱
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《宋代山水画的审美取向与技法演变》 导言：北宋的壮丽与南宋的内敛 本书旨在深入探究中国艺术史上一个至关重要的转型时期——宋代（960年—1279年）山水画的独特发展脉络。宋代，特别是北宋中后期，是中国山水画艺术成就的巅峰，其后南宋则展现出另一种截然不同的审美情趣和笔墨语言。我们将从宏大的时代背景入手，剖析这一时期文人士大夫阶层与宫廷院体审美观如何共同塑造了山水画的面貌，并系统梳理其在构图、皴法、点苔以及意境营造等方面的技术革新与流派分野。 第一章：北宋的“巨碑式”山水——庙堂之高与文人之远 北宋（尤其是神宗、哲宗时期）的山水画，以其雄浑博大、气势磅礴的特点著称，被誉为中国山水画的“盛唐之音”。 1.1 范宽的“近岸峻极”与“全景式”构图 范宽是北宋山水画的集大成者。他的作品，如《溪山行旅图》，展现了对北方秦岭山脉的深刻体验。本章将详细分析范宽如何运用其标志性的“雨点皴”来表现北方山石的厚重、坚实与苍茫之感。重点讨论其构图策略——如何通过层层叠叠的山体结构，将观众的视线从近景的迎客松引导至远景的茫茫云雾，营造出一种令人屏息的崇高感（Sublime）。同时，我们将探讨范宽作品中“人迹罕至”的哲学内涵，即人与自然的谦卑关系。 1.2 郭熙的“可行、可望、可游、可居”的理论建构 郭熙不仅是杰出的画家，更是重要的山水画理论家。其《林泉高致》对后世影响深远。本节将剖析郭熙提出的“三远法”（高远、深远、平远）如何系统化地指导了山水画的空间处理。我们将对比分析郭熙作品中处理云雾的技巧，探讨他如何使用“卷云皴”和湿笔晕染，来表现空气的流动感和气候的变化，使画面具有“可呼吸性”。 1.3 李成的遗风与李唐的过渡 北宋早期李成开创的“寒林平远”风格，对后来的范宽、郭熙产生了深刻影响。本章将回顾李成对北方冬季萧瑟景致的描绘，并指出随着时代发展，到宋徽宗时期，院体画风如何趋向于精细化和装饰化，为北宋的终结埋下了伏笔。 第二章：南宋的“诗意微茫”——院体与湖山派的对峙 靖康之变后，山水画的焦点南移至杭州，审美趣味发生了显著变化，从北宋的“雄伟壮阔”转向南宋的“清秀简约”与“抒情内省”。 2.1 李唐与刘松年的“斧劈皴”的成熟 自北宋末年，画院中开始出现李唐。其对山石的造型更加凝练、硬朗，标志着“斧劈皴”的成熟。本章将集中分析李唐和其弟子刘松年如何将传统皴法向更具雕塑感和速度感方向发展，用强劲的笔触勾勒出江南丘陵的轮廓，画面色彩和墨色的对比更加强烈。 2.2 马远与夏圭的“边角式”构图与“一角两边” 马远和夏圭是南宋院画的代表人物，他们确立了宋代山水画的另一种高峰——“意笔山水”或“小景山水”。 马远： 他的作品常用“留白”处理，将主体景物置于画面的左角或右角，形成强烈的聚焦效果。本节将细致解析马远如何利用大面积的空白（水面或云雾）来象征无限的空间和深远的意境，即“空”的哲学。 夏圭： 夏圭则更侧重于水边景象的描绘，其笔法更为洒脱，常常用侧锋和湿墨，体现出南宋文人对自然瞬间感受的捕捉。我们将探讨夏圭的“半边山水”如何反映了时代变局下的不安与对故土的追忆。 2.3 湖山派的抒情转向与禅宗意境的渗透 南宋时期，以湖州为中心的文人士大夫群体（如吴琚、姜夔的审美趣味），开始追求笔墨自身的表现力，而非仅仅是再现自然。本章将探讨禅宗思想如何通过“简笔写意”的手法渗透入山水画，表现为笔墨的洗练、形象的符号化，以及对“空寂”之美的追求。 第三章：技术细节的深入解析 本章将从技术层面系统总结宋代山水画在工具使用和技法上的创新与传承。 3.1 皴法的体系化与差异化 详细对比北宋的披麻皴（董源遗风）、大斧劈皴（李唐）与南宋的卷云皴、雨点皴在结构上的区别，分析不同皴法对应着何种山体质地和审美倾向。 3.2 墨色的层次与水法的运用 论述宋代画家如何运用“焦、浓、重、淡、清”五墨法来丰富山石、树木和水面的质感。重点分析南宋院体如何通过精确控制水分，使画面在墨色晕染中呈现出丰富的肌理变化。 3.3 点苔与树法的成熟 宋代点苔技法的复杂化是其成熟的标志。本节将分析不同流派点苔的差异，例如北方重在表现古老苍劲的生命力，而南方则倾向于表现湿润的生机。同时，研究不同时期对松、柏、杂树的程式化描绘，及其在画面意境中的功能性作用。 结语：宋代山水画对后世的深远影响 宋代山水画确立了中国绘画的审美标准和技术范式，为元代文人画的兴起奠定了坚实的基础，并深刻影响了明清两代。本书总结了宋代在“格律”与“意境”之间探索的成果，强调了其作为中国艺术史分水岭的地位。

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这本画谱简直是为我们这些喜爱花卉写生，却苦于起步太难的朋友量身定做的！我拿到手后，首先被它的装帧和纸张质量所吸引，一看就是用心制作的精品。内页的线条清晰得令人赞叹，每一笔的力度和走向都似乎蕴含着画家对牡丹的理解。它不仅仅是简单的描摹，更像是一本解构大师笔法的教科书。我试着用最简单的铅笔去临摹其中的几朵初级形态的牡丹，发现之前困扰我的那些关于花瓣层次和叶脉走势的难题，在这本画谱的引导下，仿佛茅塞顿开。尤其是那些关于花蕊细节的处理，简直是教科书级别的示范，那些细密的点与线如何交织出蓬勃的生命力，让人受益匪浅。对于希望提升工笔画技法的爱好者来说，这本画谱的价值无可估量，它提供的不是一个终点，而是一条清晰、平坦的起点之路，让人对接下来的学习充满了信心和期待。

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作为一名有着多年国画经验的画者，我对市面上针对“线描”的工具书往往抱有一种审慎的态度，因为很多所谓的线描谱，其实只是粗糙的轮廓，缺乏神韵。但这本画谱，在“神”的表达上做得非常到位。它体现出一种对传统笔墨精神的继承和发展。那些纤细的、游丝一样的线条，精准地勾勒出了牡丹花瓣特有的那种**天鹅绒般的质感**。我尤其注意了其中关于“双勾填彩”前的准备工作，线描的力度变化直接决定了后续上色的效果。作者在示范中对墨色的轻重缓急把握得炉火纯青，那些看似随意却又恰到好处的“飞白”，为后期的设色留足了空间。对于有一定基础，想把自己的工笔作品线条提上去的朋友，这本书绝对值得收藏，它提供的不是简单的“描”，而是“写”的技巧。

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我给这本书的评价是：**高阶艺术的普及化实践指南**。我不是科班出身，自学绘画多年，一直感觉自己的作品“形似”有余而“意境”不足。这本画谱的独特之处在于，它不仅教你如何画出“一朵花”，更教你如何理解“一朵花在自然中的姿态”。例如，它对光影的理解是如何通过线条的疏密和交叠来表现的，这一点在其他的线描书中是很少见到的深度解析。我试着模仿了书中关于“风中摇曳”的几组动态线稿，结果收到了身边朋友的一致好评，他们说我的牡丹突然有了灵气。这让我深刻体会到，**精妙的线描是超越色彩的艺术表达**。这本书让我认识到，工笔画绝不是僵硬的复制品，而是充满了生命力的再创造过程。

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这本书的实用性简直是惊人地高，我已经开始将书中的一些经典组合应用到我的实际创作中了。我之前画牡丹，最头疼的就是花朵之间的空间布局和疏密安排，总感觉画面拥挤或者空旷。但这本画谱的精妙之处在于，它提供的不是孤立的花朵范例，而是完整的**“花卉组合场景”**的线描示范。这些示范图兼顾了视觉美感和传统构图原则，有大量的留白处理，读起来非常舒服。而且，它的图例覆盖面非常广，无论是单枝的清雅，还是群簇的富丽堂皇，都有对应的清晰示范，这使得我在进行大幅面创作时，心里更有底气去进行结构组织。这本书与其说是画谱，不如说是一位经验丰富的前辈在旁边手把手指导你如何搭建一个完美的“牡丹世界”，对于提高实战能力，帮助极大。

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说实话，我本来对市面上那些泛滥的“速成”画册有些审美疲劳了，总觉得它们要么过于程式化，要么就是图库式的堆砌。然而，这本《工笔牡丹线描画谱》彻底颠覆了我的看法。它最大的亮点在于其**系统性与艺术性的完美平衡**。我特别欣赏它对于不同盛开阶段牡丹的处理，从含苞待放的羞涩，到完全盛放的雍容华贵，每一种状态都有详尽的线描解析。这种循序渐进的编排，极大地降低了初学者的入门难度。我最喜欢的是其中关于“结构拆解”的部分，作者似乎深谙结构是造型之本的道理，将复杂的牡丹结构拆分成了几何图形和基本线条，然后再逐步复合，这种“化繁为简”的教学思路，极大地提高了学习效率。我已经把它当作日常练习的案头必备，常常在泡茶之余，拿出来对着临上一两枝，感觉整个人都安静下来了。

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一般般吧，讲解再多点就好了。

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