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出版者:上海人民美术出版社

作者:朱大醉

出品人:

页数:157 页

译者:

出版时间:2005年5月1日

价格:280.0

装帧:精装

isbn号码:9787532244041

丛书系列:

图书标签:

• 绘画
• 艺术
• 中国画
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• 绘画技法

《古画意蕴：中国传统绘画的审美与技法》 一、引言：穿越时空的笔墨对话 本书旨在深入探索中国传统绘画的宏大脉络与精微之处，梳理自新石器时代陶器纹饰到近现代水墨画的演变轨迹。我们不将绘画视为孤立的艺术形式，而是将其置于中国数千年文化、哲学、社会结构变迁的宏大背景之下，探究笔墨如何承载“道”与“气”，如何成为文人士大夫精神世界的物化载体。本书将超越简单的技法罗列，侧重于对中国画独特审美范式——“写意”精神的深度解读。 二、远古之源与先秦气象：线条的诞生与象征 我们将从中国绘画的物质基础——早期陶器、玉器上的抽象纹样开始。这些朴拙的线条和符号，蕴含着先民对宇宙、自然最初的敬畏与认知。随后，进入商周青铜器上的饕餮纹、云雷纹的时代。此时的图像不再仅仅是装饰，它们是礼制、神权和血缘秩序的视觉宣言。笔法尚未成熟，但“线”的力度与形态已初步确立了后世金石入画的基础。 春秋战国时期，思想的解放带来了艺术上的变革。随着楚文化中浪漫主义色彩的兴起，帛画开始出现，如《长沙子弹越图》的残片，展现了早期人物造型的自由与神怪色彩。这一阶段的绘画，完成了从“物象描摹”向“精神寓托”的初步过渡。 三、汉唐气魄：界画的严谨与壁画的叙事 汉代画像石与画像砖是研究古代社会生活与神话信仰的宝库。其构图饱满，线条浑厚有力，注重叙事性与象征性。特别是对历史故事、孝道伦理的描绘，体现了儒家思想对图像表达的规范作用。 隋唐五代是绘画史上的黄金时期。这一时期，宫廷画院制度的初步建立，以及佛教石窟造像艺术的繁荣，极大地推动了人物画和界画的发展。 1. 盛唐气象与人物画的定型： 吴道子“吴带当风”的笔法，标志着线条的独立品格达到高峰。人物造型不再是僵硬的符号，而是充满了生命力和动态美。阎立本的人物画，则体现了唐代政治秩序的威仪与士大夫的沉稳。 2. 界画的精湛： 这一时期，对建筑、宫殿的描绘达到了前所未有的精确，如李思训父子的“金碧山水”，将青绿设色与严谨的界尺技法完美结合，形成了富丽堂皇的宫廷审美风格。 3. 敦煌壁画的百科全书式呈现： 敦煌莫高窟的壁画，集写实、装饰、叙事于一体，不仅是佛教故事的视觉化，更是中古时期服饰、建筑、风俗的活态记录。 四、宋元的转折：文人画的崛起与审美转向 宋代是学院派与文人画（士大夫画）开始分流的关键时期。 1. 院体画的巅峰： 以范宽、郭熙、李唐、马远、夏圭为代表的北宋及南宋院体画家，将山水画推向了技法与意境的极致。他们对自然观察入微，确立了“高远、深远、平远”的三远法，使山水画成为表达宇宙哲思的载体。巨碑式的北宋山水（如范宽《溪山行旅图》）追求“可行、可望、可游、可居”的境界。 2. 水墨的自觉： 以苏轼、米芾为代表的文人，高举“尚意不尚似”的大旗，反对院体的“匠气”与过于写实的描摹。水墨的运用不再是辅助色彩的工具，而是直接表达作者心性、笔墨趣味的媒介。米芾的“刷书”与“点皴”，是对笔墨语言极大的解放。 元代，在异族统治下，文人画家退回精神家园，山水画的哲学意味更加浓厚。四王（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）的作品，是对前代笔墨的继承、融合与个人情感的强化。倪瓒的“疏简”与“寒逸”，标志着极简主义美学在绘画中的成熟。 五、明清的融合与变奏：地域风格与个性的张扬 明代绘画呈现出“复古”与“创新”并存的局面。 1. 浙派与吴门画派的争锋： 浙派（如戴进）继承了南宋院体的雄健，笔法劲健；而以沈周、文徵明为首的吴门画派，则主导了文人画的正统，强调对元代笔墨的温润继承，注重学养与书卷气的体现。唐寅的潇洒和仇英的工丽，则展现了风格的多样性。 2. 董其昌与“南北宗论”的构建： 董其昌的理论总结，虽有划分流派之嫌，却清晰地确立了以元代文人画为正统的审美标准，强调“笔墨趣味”高于“形似”。 3. 清代的“四王”与“四僧”： “四王”继承了董其昌的衣钵，形成了程式化、学院化的集大成，以“集古”为核心。与此同时，“四僧”（如髡残、八大山人）则以其怪诞、强烈的个性和反传统倾向，展现了对压抑环境的激烈回应。八大山人笔下的花鸟、鱼鸟，以极度简约的符号，传递出深沉的孤独与愤懑。 六、技法精析：皴法、点苔与章法结构 本书的技法部分，将详细分析中国画的“骨法用笔”原则： 1. 皴法的系统分类与应用： 从披麻皴、斧劈皴到荷叶皴、牛毛皴，分析不同皴法如何塑造山石的质地和结构，以及其背后的哲学意涵（如披麻皴的柔和与斧劈皴的刚劲）。 2. 点苔与墨韵： 探讨点苔在山水画中对层次感、湿润感和生机的营造作用，以及墨分五色的层次变化在营造空间深度上的关键性。 3. 章法布局的奥秘： 分析“计白当黑”的留白艺术，如何引导观者的视线，创造出呼吸感和无限的想象空间，体现道家“有无相生”的理念。 七、结语：走向现代的中国笔墨 最后，本书将简要回顾近现代画家（如齐白石、张大千）如何将传统笔墨语言移植到新的题材和时代精神中，证明中国传统绘画的生命力在于其可塑性和对“写意”精神的坚持。这部作品试图为读者提供一把钥匙，去开启中国传统艺术中那片深邃而迷人的笔墨精神世界。

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我最近在看的那本关于城市变迁的纪实文学，简直是打开了我对这座城市过去面貌的全新认知。作者投入了惊人的精力去搜集那些被遗忘的口述历史和泛黄的档案照片，让那些早已消逝的街景和生活方式重新鲜活起来。特别是其中关于老城区棚户区改造那一段的描述，那种对逝去邻里温情的复杂情绪的刻画，非常真实、接地气，让人读得热泪盈眶。它没有采用宏大叙事的腔调，而是聚焦于一个个小人物的命运起伏，通过他们的视角，折射出整个时代背景下的无奈与坚韧。这本书的史料扎实到令人发指，每一个引用的数据和每一个引述的片段，都经过了严谨的考证，让人对内容的真实性深信不疑。这种将严肃的历史研究与饱满的人文关怀完美结合的作品，实在太难得了。

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不得不提我手上正在啃的那本关于古代园林美学的专著，它的图解分析简直是教科书级别的存在。作者对于中国古典园林中“借景”、“对景”、“框景”这些核心概念的阐释，详细到连新手都能瞬间领悟其精妙之处。书里收录了大量高清的园林平面图、立面图以及三维透视图，有些图例甚至是从不同的季节、不同的时间点进行绘制对比的，这种细致入微的观察角度，让我对传统造园艺术的层次感有了全新的认识。更让我惊喜的是，作者还穿插了大量古代文人墨客在园中题咏的诗词歌赋，将物质空间与精神意境完美地结合起来。阅读这本书，就像是收到了一份邀请函，带我走进了那些山水之间的哲学沉思，它教会我的不仅仅是看景，更是如何“读懂”一座园林所承载的文化密码。

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天哪，这本书的封面设计简直是视觉的盛宴！那种古朴中透着灵动的气息，让我一打开就仿佛被带入了一个完全不同的时空。内页的纸张质感处理得非常到位，触感温润，拿在手里沉甸甸的，能感受到出版方在细节上的匠心。装帧的工艺也相当精湛，每一页的装订都牢固而平整，即使是频繁翻阅，也丝毫没有松动的迹象。光是欣赏这本书的物理形态，就已是一种享受。我特别喜欢它字体排版的选择，那种既有传统韵味又不失现代易读性的字体组合，让阅读体验变得极其舒适。它不仅仅是一本书，更像是一件精心制作的艺术品，放在书架上都显得格外有格调。这本书的整体布局，从目录的引导到章节的过渡，都设计得极为考究，每一步都引导着读者的好奇心，让人迫不及待地想要探索接下来的内容。这种对物料和工艺的极致追求，着实令人印象深刻。

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这本书的文字功底实在是令人拍案叫绝，作者的叙事视角非常独特且富有穿透力。他似乎拥有一种魔力，能够将那些日常生活中难以察觉的细微情感，用极其精准且富有诗意的语言捕捉并呈现出来。我读到某一章节时，其中关于“时间流逝”的描绘，那种带着淡淡忧伤却又充满哲理的笔触，让我反复咀嚼了好几遍。他的遣词造句，既有古典文学的厚重感，又充满了当代思维的敏捷与犀利，形成了一种非常迷人的张力。读起来一点也不觉得枯燥，反而像是在聆听一位智者娓娓道来，每一次呼吸之间都蕴含着对人生的深刻洞察。那些复杂的意象，经过作者的提炼，变得清晰可见，直击人心最柔软的部分。这种文字的魅力，是任何廉价的文学作品都无法比拟的，它需要深厚的文化积淀和敏锐的艺术感知力才能达成。

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最近沉迷于一本探讨未来科技伦理的科幻小说，那想象力之天马行空，简直让人怀疑作者是不是偷偷去过未来世界。小说构建的世界观逻辑严密到令人发指，对于人工智能、基因编辑等前沿议题的探讨，绝非浅尝辄止的科普，而是深入到了哲学层面——“何为人性？”、“意识的边界在哪里？”。书中角色的复杂性也处理得极其到位，没有绝对的善恶之分，每一个决定背后都有其难以言说的苦衷和驱动力，让人在阅读过程中不断地反思自己的立场。更令人称奇的是，作者在描述高科技场景时，所采用的科学术语和设定，既保持了专业性，又通过恰到好处的比喻，让非专业读者也能轻松理解其核心概念。这本小说带来的智力上的愉悦和对未来世界的忧思，是极其强烈的。

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