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出版者:河北教育出版社

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页数:0

译者:

出版时间:1996-11-01

价格:248.0

装帧:

isbn号码:9787543426627

丛书系列:二十世纪书法经典

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• 书法&书法研究
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书海拾贝：二十世纪书法经典之外的瑰宝 在浩瀚的书海中，我们总会被一些经典之作所吸引，正如您提到的《二十世纪书法经典》那样，它以其独特的视角和精湛的选材，为我们展现了近现代书法艺术的辉煌成就。然而，艺术的脉络从未止步于某一特定时期或某一类风格。为了更全面地认识中国书法的博大精深，本文将为您勾勒出不涵盖《二十世纪书法经典》中所涉猎的那些同样璀璨夺目的艺术宝藏。 本书的视角将聚焦于魏晋至清代中晚期的碑学复兴之前的书法探索，以及当代书法在地域性、技法创新和文化融合方面的新锐实践，旨在呈现一个更广阔、更具张力的书法世界。 --- 第一部分：古韵流长——魏晋至清初的书法基因库 《二十世纪书法经典》的重点往往放在近现代转型时期的大家，如康有为、吴昌硕、沈曾植等。然而，支撑起他们艺术大厦的基石，深埋于更古老的时光之中。本部分将深入探讨那些奠定后世格局，却可能在“二十世纪经典”范畴内被略微弱化的源头活水。 一、魏晋风骨：从“二王”到“逸品”的内在精神 虽然“二王”（王羲之、王献之）的法帖影响了后世千年，但二十世纪的研究往往侧重于他们对民间和碑学的反思。本书将着重于早中期书家对魏晋精神的纯粹继承与初期探索： 1. 东晋卫夫人与早期楷书的范式： 探讨卫夫人如何将草隶的流美融入楷书的规范化之中，这种“内擫”的笔法，是后世唐楷建立前的关键过渡形态。书中将收录对《笔阵图》的细致考辨，以及探讨其对初唐虞世南等人的无形影响。 2. “永字八法”的哲学意蕴： 不仅是技法，更关乎中和之美。我们将分析《黄庭经》、《乐毅论》等作品中，那种不事雕琢、自然天成的“韵味”，这与二十世纪追求的“金石气”形成了鲜明的对比，代表了一种内敛、温润的士人情怀。 3. 南北朝碑刻的原始张力： 重点呈现北魏楷书向唐楷演进的那些“未完成”的过渡作品。例如，龙门二十品中那些带有隶意、笔画方峻、结构奇险的造像题记。这些作品的“拙朴”与二十世纪“尚丑”的审美，有着异曲同工之妙，但其驱动力是“造像立碑”的宗教使命而非纯粹的艺术自觉。 二、盛唐气象：唐楷的规范与草书的“狂放” 唐代书法，是楷书的巅峰，也是草书的成熟期。二十世纪的书法家多从唐碑中汲取力量，但往往会选择性地吸收。 1. 欧阳询的“险绝”结构： 重点分析《九成宫醴泉铭》中那种高度内敛、结构严谨的“险劲”，探讨其对宋人“欹侧”书风的潜在影响。本书将对比虞世南的圆润，展现唐初楷书的风格分野。 2. 颜真卿的“忠义”与“雄强”： 颜书的厚重是二十世纪学习的重点。本书则着重于其早期的行草，如《祭侄文稿》之外的行书墨迹，分析其如何将楷书的笔画力量平移到连绵的行笔中，这种“点画之间皆有筋骨”的内在逻辑，是理解其后苏轼“我行我素”的关键。 3. 张旭与怀素的“颠覆性”： 他们的狂草代表了盛唐精神的解放，但二十世纪的书法家（如于右任）对草书的理解多倾向于“易识性”或“装饰性”。本书将聚焦于张旭《古诗帖》中那种气势连贯、笔法多变的“一气呵成”，以及怀素《自叙帖》中由细到粗的线条律动，解析其如何以纯粹的线条艺术挑战视觉的极限。 三、宋元转换：文人书法的自觉与多元化 宋代是书法从“法度”向“性情”转化的关键时期。 1. 宋四家与禅宗精神： 重点不在于他们对苏轼的推崇，而是他们各自在“意临”与“性情表达”上的实践。例如，黄庭坚对“长枪大戟”式线条的偏执，以及米芾对“八面出锋”的追求，这些技法是宋代“尚意”哲学的具体体现，与二十世纪末期对传统“法度”的回归，形成了有趣的对照。 2. 元代赵孟頫的“复古”路径： 分析赵孟頫如何通过对晋人尺牍的精准模仿，构建了一个“雅正”的标准。这与清代碑学兴起时对“雅”的批判性反思，构成了古代书法史上的重要张力。 --- 第二部分：清代中晚期：碑学兴起前的侧翼探索 《二十世纪书法经典》通常会浓墨重彩地描绘康有为、吴昌硕等碑学大家。而本书的视角将转向那些在碑学大潮来临之前，或是在碑学潮流中保持独立思考的书法家。 一、清初与中期：帖学最后的坚守与对“馆阁体”的反思 1. 姜宸英与“馆阁体”的精微： 姜宸英是清初帖学的集大成者，他的楷书追求极致的工整与秀美。研究他，是为了理解帖学发展到极致后可能出现的“甜熟化”倾向，这为后世碑学家的“尚丑”提供了反面教材。 2. “金农与碑学先声”： 郑燮、金农等“扬州八怪”在书法上的大胆创新，常常被归类为碑学萌芽。本书将更细致地剖析金农的“漆书”和郑燮的“乱石铺阶”，探讨他们如何利用民间艺术和异域文字的元素，在帖学主流中开辟出一条极具个性的通道，这种探索早于清中晚期碑学的普遍爆发。 二、清代碑学研究的“未被充分挖掘的角落” 当碑学如火如荼时，一些书家对金石的理解是独特的，而非简单地追求北碑的方笔。 1. 赵之谦的“集古成今”： 重点分析赵之谦如何将北碑的方峻、汉碑的古拙，与帖学的秀润熔于一炉。他的篆刻与书法相互印证，形成了独特的“雅拙”风格，这与吴昌硕后期那种气势磅礴的“金石入纸”略有不同，更注重结构的精巧安置。 2. 邓石如的篆书革新： 邓石如是篆书复兴的里程碑，但本书将侧重于其对泰山碑的独特理解，以及他如何将篆书的线条美感引入楷书的结构之中，强调其“笔法”的创新性，而非仅仅是“复古”。 --- 第三部分：当代书法的新维度——地域、媒介与跨文化对话 《二十世纪书法经典》的收尾往往是那个时代的定论。本书则将目光投向二十一世纪的今天，关注那些在“后经典时代”寻求突破的新方向，这些探索往往突破了传统的“法帖”或“碑帖”二元对立的框架。 一、地域书风的“非主流”发声 当代书法研究已不再局限于京津沪的传统中心。 1. 西南少数民族书法的渗透： 探讨如云南、贵州等地，少数民族文字（如彝文、傣文）的笔画结构和造型逻辑，如何潜移默化地影响当地汉文书法的形态，形成独特的“边缘艺术”。 2. 岭南书派的当代延续与转化： 关注在继承吴昌硕、齐白石那种“写意”传统的背景下，当代岭南书家如何将本土文化（如侨乡文化、海洋文化）的元素融入笔墨，形成更具现代感和装饰性的书风，区别于传统意义上的“岭南画派”书法。 二、媒介与观念的创新：书法的“延展性” 当代艺术的冲击使得书法开始思考自身的边界。 1. 纸本之外的探索： 研究利用非传统材料（如金属、布料、影像）进行创作的书法家。这要求我们从“笔墨语言”转向“符号语言”来理解书法，探讨书法在当代艺术语境下的“可读性”与“观念性”。 2. 数字化时代的“动态书法”： 探讨书法在交互媒体和动态影像中的应用。这种研究不再关注静态的美感，而是聚焦于时间、速度、运动轨迹如何成为书法的核心构成要素，这是对传统“定格瞬间”审美观的颠覆。 三、跨文化语境下的书法：西方现代主义的映照 二十世纪的书法发展与西方艺术思潮的交融是热门话题，但本书将聚焦于那些更深入、更早期的借鉴与对比。 1. 抽象表现主义与中国书法的内在联系再审视： 探讨德·库宁、克莱因等西方抽象画家在材料和行动上的选择，与中国草书（特别是六朝写经和唐代狂草）在“行动绘画”层面的结构性相似性，但强调这些相似性是基于不同文化背景的独立演化，而非简单的模仿。 --- 通过上述梳理，我们可以看到，书法艺术的生命力恰恰在于其不断衍化、吸收和自我批判的丰富性。《二十世纪书法经典》为我们提供了时代的标杆，而本书则意在为您打开一扇窗，去探索那些尚未被主流叙事完全收编的古老根源、清代侧影以及面向未来的前沿试验，构建一个更为立体和多维度的书法世界图景。

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这本书的另一个亮点，在于其收录作品的广度和代表性。它并非仅仅聚焦于某几个家喻户晓的巨匠，而是试图勾勒出整个世纪的艺术图景。从早期那些试图力挽狂澜、坚守碑学的大家，到中期在各种政治和社会思潮影响下探索新路径的实践者，再到后期更加自由、更具个人化表达的探索者，几乎涵盖了各个重要阶段和流派的关键人物。这种全景式的梳理，为读者建立起了一个清晰的、有脉络可循的二十世纪书法发展框架。它打破了以往只关注少数“圣人”的局限性，让更多在特定历史时期做出了独特贡献但可能鲜为人知的艺术家得以曝光。这使得整本书的论述更有厚度和说服力，真正做到了“经典”二字的重量，因为它收录的不仅仅是“名家”，更是那个时代“选择”的艺术方向。

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我原以为这本关于现代书法的集册，会是那种枯燥的、学院派的理论堆砌，充斥着晦涩的术语和难以理解的碑帖比较，但事实证明我的担忧是多余的。作者（或编者）的叙事视角非常巧妙地避开了生硬的学术说教，而是采用了更具人文关怀的笔触来勾勒出那个时代书法家们的心路历程。他们不仅展示了惊人的笔墨技巧，更深入挖掘了这些艺术实践背后所蕴含的时代精神、个人挣扎与文化传承的困境。例如，书中对某位大家在战乱时期如何以“飞白”来表达对时局的隐忍与反抗的论述，就写得极其深刻，仿佛能穿透时空的阻碍，直接感受到那个挥毫人笔下的颤抖与坚韧。这种将艺术与历史、哲学熔于一炉的叙事方式，使得即便是初涉书法的读者，也能被故事所吸引，从而在不知不觉中领悟到书法作为一种精神载体的力量。

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这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，从拿到手的那一刻起，就感受到了出版方在细节上的用心。封面采用了一种略带肌理感的纸张，触感温润而厚实，那种低调的奢华感与所选主题——二十世纪的艺术瑰宝——形成了完美的呼应。设计者没有采用过于张扬的色彩，而是选择了沉稳的墨黑与典雅的米白为主色调，只在书名烫金的处理上略作点缀，这使得整体视觉效果既有历史的厚重感，又不失现代的简洁美学。内页的纸张选择同样考究，那种微微泛黄的米色调，不仅保护了视力，更营造出一种仿佛在翻阅陈年档案的珍贵体验。更值得称赞的是，内页的排版布局，每一幅精选的书法作品都被给予了足够的“呼吸空间”，留白处理得极其得当，这使得观者可以完全沉浸于墨迹的韵律之中，去揣摩每一笔、每一个结体的内在张力。这种对物质媒介的精雕细琢，无疑提升了阅读体验的层次，让我觉得这不只是一本印刷品，更像是一件值得收藏的艺术品。

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作为一名长期关注中国传统艺术的爱好者，我最欣赏这本书的地方在于它对于“创新”与“继承”之间辩证关系的探讨。二十世纪无疑是中国文化经历剧烈变革的时期，书法艺术也面临着前所未有的冲击与重塑的压力。这本书没有简单地将那个时代的书法家们划分为“守旧派”和“革新派”的二元对立，而是细致入微地展示了他们如何在固守传统法度的同时，又勇敢地融入个体的情感体验和现代审美趣味。书中对于不同地域、不同流派之间相互影响、互相借鉴的过程描述得极为生动。那种对传统帖学的“解构与重建”的论述，不是简单的颠覆，而是一种在尊重前人基础上进行的有机生长，让人看到了传统艺术在面对现代化浪潮时所爆发出的惊人生命力。这不仅仅是一本关于书法的书，更是一部关于文化自我调适与精神突围的精彩编年史。

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我得说，这本书的图片质量简直是业界标杆级别的。在研究书法艺术时，我们知道，印刷的精细度直接决定了对原作神韵的还原程度。许多市面上的字帖在复制时，往往丢失了墨色的微妙变化——焦、浓、重、淡的层次感，以及飞白处入纸的力度和速度。然而，在这本册子中，我惊喜地发现，即便是那些极为细微的枯笔和飞白，都得到了惊人的还原。放大细节时，你能清晰地看到纸张纤维被笔锋刮擦留下的痕迹，仿佛能通过图片感受到那股带着热度的、即将干涸的墨汁是如何在宣纸上散开又凝结的。这种对原作“笔触”的尊重和高精度再现，使得这本书在作为学习资料方面，其价值几乎无可替代。它让身处异地的我们，也能获得一种近距离临摹的体验。

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