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出版者:北京环球音像出版社

作者:null

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1900-01-01

价格:15.0

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isbn号码:9787880585087

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江南烟雨：宋代文人画的婉约与精微 一部带领读者穿越回宋代，品味文人画中“诗意栖居”的深度鉴赏之作。 本书并非聚焦于写意花鸟一类的技法探讨或题材研究，而是将目光投向一个更为宏大而精微的领域：宋代文人画的精神内核、时代背景及其美学追求。我们试图通过对宋代士大夫阶层独特的审美情趣、哲学思想与社会生活的细腻剖析，重构一幅完整的“宋画”精神图景。 本书的叙事逻辑，将从时代精神的溯源开始，深入探讨文人画的“不著一笔，尽得风流”的境界是如何在北宋的士大夫群体中孕育、发展并最终定型的。 --- 第一章：士林风骨——宋代理学与艺术的形塑 本章将详细梳理北宋中后期程朱理学的兴起，及其对知识分子精神世界的深刻影响。理学强调的“格物致知”、“存天理，去人欲”，是如何巧妙地转化为绘画中的审美标准？我们重点分析了苏轼提出的“论画以形似，见与儿童邻；论画以神似，见与智者邻”的理论，并考察了这一理论在当时士大夫山水、竹石题材创作中的具体体现。 从“匠气”到“学问”： 考察宋代画院与民间画工的区别，以及文人如何通过诗、书、画三绝的结合，确立艺术的“士人身份”。 静穆之美： 分析宋代对“平淡天真”、“冲和之美”的追求，如何消解了唐代那种恢弘气象下的外放表达，转而追求内敛、沉思的意境。 第二章：水墨的语言——宋画的笔墨精神与物质载体 本书将深入探讨宋代水墨技法的成熟，但这并非侧重于笔法细节的教学，而是探究水墨作为一种哲学载体的意义。我们关注墨色的层次变化——焦、浓、重、淡、清，如何不再仅仅是描绘对象的外形，而是成为表达心境、气韵流转的媒介。 “无画处皆成妙境”的留白哲学： 探讨宋画中大面积的“虚白”空间，这片“空”不仅是未完成的画布，更是对宇宙本源、禅宗“空性”的隐喻。分析其与文人对自然“不可言说之美”的体认之间的关系。 “一竹可画千里”： 聚焦于文人画中对物象的高度凝练。例如，如何在几笔竹枝的疏密之间，表现出士人宁折不弯的品格，而非仅仅是对竹子的写实记录。 第三章：山水为师——宋代山水画中的“可行、可望、可游、可居” 宋代山水画达到了一个前所未有的高峰，但本书关注的焦点是：山水画如何成为文人精神的寄托所？ 面对日益僵化的官场生活，山水不再是单纯的风景，而是士大夫退隐的理想世界。 范宽与“纪念碑性”的敬畏： 考察范宽笔下北方山脉的雄伟与冷峻，这种“仰视”的角度，体现了士人面对自然规律时的谦卑与敬畏，而非征服欲。 南宋“一角半边”的意境： 深入分析马远、夏圭等人在偏安一隅的背景下，如何通过“边角构图”和浓雾弥漫的氛围，表达一种“不完整”的忧伤与对故土的深沉眷恋。这种构图本身，就是对失落国度的隐晦表达。 “可居”的愿景： 剖析画中亭台楼阁、草庐茅舍的布局，这些建筑元素并非描绘实际居所，而是士人心中“隐逸”理想的具象化。 第四章：梅兰竹石——文人精神的象征谱系 虽然本书不涉足写意花鸟的技法，但我们必须分析梅、兰、竹、石这四种核心“题材”如何在宋代被赋予了超越物象的文化内涵，成为文人自我标榜的符号。 竹的“中空”与“有节”： 论述竹子如何成为正直、气节的代名词，及其笔墨表达中对虚心与气节的并重。 梅的“傲骨”与“耐寒”： 探究梅花在严冬中绽放的意象，如何对应士人身处逆境却坚守气节的高洁品格。 诗意入画的典范： 通过对多位文人画家的题跋研究，展示诗歌的意境如何引导观者进入画面的情境，实现“诗中有画，画中有诗”的最高境界。 结语：宋画遗韵与当代回响 本书的最后，将简要总结宋代文人画对后世的深远影响，特别是在元代的“复古”运动中，宋代所奠定的美学基调如何被继承和发扬。我们思考，在信息爆炸的当代社会，重温宋画那种“慢”下来的、向内求索的艺术精神，对我们理解何为真正的“生活美学”，有何启发。 本书面向对象： 对中国艺术史、宋代文化、传统哲学有浓厚兴趣的读者，艺术史研究者，以及所有渴望从艺术中汲取精神力量的普通爱好者。它提供的是一种深层次的文化解读，而非一套实操性的绘画指南。读者将通过本书，学会“看”宋画，理解宋人“如何思考”世界与艺术的关系。

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这本书的装帧和内容固然精美，但真正让我着迷的是它所构建的那个“意境场”。每一次翻阅，都像是我在喧嚣的都市生活中，获得了一个临时的庇护所。它没有强迫你必须在特定的时间段内读完，你可以随手翻到任何一页，那几笔勾勒的麻雀，或是那团朦胧的莲花，都能立刻将我的心神拉回到一个安静、清雅的东方庭院之中。我甚至尝试着跟着书中的一些“留白”布局，重新整理了我的书桌，试图将书中的那种气韵带入我的日常生活空间。这种潜移默化的影响，远比那些教导如何配色、如何用墨的工具书来得持久和有效。它教的不是技巧，而是一种对生活的审美态度，一种在快节奏中保持慢速观察的能力。

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坦白讲，这本书的定价让我犹豫了很久，但收到货之后，我才明白它的价值所在。它完全不是市面上常见的、追求批量生产和快速消耗的艺术读物。从纸张的克数、油墨的渗透度到装订的牢固性，每一个环节都体现了极高的成本投入和工匠精神。我特别留意了其中关于“墨分五色”的探讨部分，作者并非简单罗列了不同浓度的墨水效果，而是通过一系列极具对比性的范例，展示了墨色在光线下如何微妙地变化。这种对细节的偏执，使得这本书在同类题材中，具备了极高的收藏级标准。我甚至开玩笑说，如果哪天我所有的其他画册都散架了，这本书依然能屹立不倒。

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这本书给我的最大启发在于打破了“写意”的神秘感。我一直以为“写意”是大师们信手拈来的神来之笔，是可望而不可即的天赋。但作者在书中通过大量的历史典故和个人心得，将那些看似飘逸的创作过程，梳理得条理清晰，充满了人性化的挣扎与思考。比如，书中有一段描述画家在等待花开时，那种焦躁与沉静的反复拉扯，让我感同身受。它不是冰冷地展示成品，而是赤裸裸地展示了艺术家面对自然时的谦卑与敬畏。这种真实感，极大地鼓舞了我这个初学者，让我意识到，艺术创作的本质是人与自然的真诚交流，而不是技巧的炫耀。这本书真正做到了“授人以渔”，但给的“渔”是灵魂层面的。

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这本书的装帧设计简直是艺术品！封面那种水墨晕染的效果，拿到手里就感觉沉甸甸的，不是那种轻飘飘的印刷品。我特别喜欢它封底用的那种带有肌理感的纸张，触摸起来很舒服，每一次翻开都像是在进行一场仪式。内页的排版也极其用心，留白处理得恰到好处，让每一幅画作都能“呼吸”。尤其是那些放大展示局部细节的插页，装订得非常平整，即便是跨页的构图，过渡也毫无违和感。我通常有阅读时不小心折角或者弄脏书的“坏毛病”，但这本书我简直爱不释手，生怕破坏了它的整体美感。它更像是一件可以长期珍藏的工艺品，而不是单纯的阅读材料。那些关于材质、印刷工艺的介绍文字，虽然简短，但透露出出版方对品质的极致追求，这对于我们这些对手工和艺术品有执念的读者来说，是最大的吸引力。

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我本来对纯粹的技法书有些望而却步，总觉得那些枯燥的线条和步骤讲解会让人昏昏欲睡。然而，这本书的叙事方式完全颠覆了我的认知。作者似乎不是在“教”你画画，而是在与你进行一场关于自然哲学的深度对话。它用非常散文化的笔触，讲述了每一类花卉或飞鸟背后的文化意涵和精神寄托。比如，描绘竹子的那一章，通篇都在探讨“虚心”与“有节”，而不是教你如何画出竹节的粗细。这种由内而外的引导，让我从“临摹”的层面，提升到了“理解”的境界。阅读的过程中，我常常会放下笔，走到窗边静静地观察真实的世界，再去回顾书中的文字，突然间，那些看似随意的笔触中蕴含的深意便豁然开朗了。这对于我这种学习多年仍停留在匠人阶段的爱好者来说，无疑是醍醐灌顶的指引。

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