华服刺绣图案 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:天津人民美术出版社

作者:王淑娟

出品人:

页数:58

译者:

出版时间:2005-6

价格:21.00元

装帧:

isbn号码:9787530529072

丛书系列:

图书标签:

• 画集/设定集
• 刺绣
• 华服
• 图案
• 传统工艺
• 服饰设计
• 中国传统文化
• 纹样
• 工艺美术
• 装饰艺术
• 历史

《古韵雅韵：明清服饰艺术探微》 书籍简介 本书是一部深度聚焦于明清两代服饰文化、工艺技术与社会变迁之间复杂关联的学术专著。它摒弃了对单一服饰品类或单纯工艺的罗列，而是以宏观的历史视角和精微的实物分析相结合的方式，全景式地展现了这一时期中国服饰艺术的巅峰成就及其背后的文化意涵。全书内容扎实，考据严谨，力求为读者构建一个立体、生动的明清服饰历史图景。 第一编：历史背景与服饰变迁的宏观脉络 本篇首先回顾了明清两代在政治、经济、思想领域发生的重大转折，这些社会基础如何深刻地影响了服饰的形制、色彩和等级制度。 一、明代服饰制度的恪守与演变： 重点剖析了洪武和永乐时期确立的服色、品级制度的严苛性，以及嘉靖、万历时期因士绅阶层崛起和商品经济发展所带来的服饰“僭越”现象。探讨了“比德”思想（服饰象征道德与礼仪）如何贯穿于明代服饰设计的始终，特别是常服、祭服中对宋代遗风的继承与改造。 二、清代满汉服饰的冲突与融合： 详细考察了清初“剃发易服”政策对传统服饰体系的颠覆性影响。分析了马褂、长袍、坎肩等满族服饰元素如何逐渐融入日常穿着，并与汉族传统衣冠（如立领、开衩、褶裥的处理）进行创造性的结合，形成了兼具游牧民族实用性和中原王朝华丽感的独特风格。特别关注了清宫廷服制中，对藏传佛教元素、异域色彩（如孔雀蓝、宝石红）的吸纳过程。 第二编：材质、工艺与技法革新 本篇是本书的核心，着重探讨支撑起明清服饰华美的物质基础和精湛工艺。内容避开了对基础刺绣针法的重复描述，转而聚焦于复杂面料的开发与特殊装饰技法的运用。 一、丝织业的巅峰：提花技术与面料创新： 深入研究了南京云锦、苏州宋锦在明清时期的技术飞跃。重点分析了“库缎”（明代宫廷用缎料）的组织结构，以及清代“妆花”工艺中对多重纹样叠加、色彩晕染的精妙处理，如何使得面料本身就具有了极强的立体感和视觉冲击力。 二、色彩的哲学：染料的采集与应用： 探讨了明清时期矿物染料（如铅白、石青）与草本染料（如栀子、苏木）的精细配比，以及如何通过复杂的浸染过程，达到特定等级所需的“正色”或“间色”。分析了清代宫廷对“洋靛”的引进，对蓝色调层次丰富化的影响。 三、装饰技法的“集成化”运用： 本部分详细拆解了当时工匠如何将多种装饰手段并置于同一服饰部件上，以达到极致的繁复美学。 缂丝（织造的绘画）： 论述了清代缂丝技术在袍服、褂子上的应用，如何用“通经断纬”的方式，在织物上“雕刻”出山水、花鸟的细腻画卷，而非仅仅是简单的图案填充。 贴花与堆绫： 研究了清代流行的在素色底布上剪裁、堆叠丝绸色块形成立体装饰的技法，以及它在民间戏服、寿服中的普及。 金属丝线的使用与“盘金”工艺的成熟： 探讨了金线、银线在常服、补子上的应用规范，以及清代金属丝线编制技术（如软金、片金）的进步，使其在不破坏丝绸光泽的前提下，增强了图案的刚性和亮度。 第三编：纹饰的符号学解读 本编将服饰纹样视为一种“视觉语言”，系统阐释了明清时期不同社会阶层所使用的、具有明确指向性的符号系统。 一、礼制纹饰的严格界定： 详尽分析了明清补子（文官禽鸟、武官兽类）的演变，包括其形制、边饰（如海水江崖纹）的变化，以及所代表的官阶序列的细微差别。同时，解析了清代朝服、礼服上的“十二章纹”的排列规制及其在不同场合的取舍。 二、世俗生活与审美情趣的反映： 关注了民间服饰中流行的吉祥纹样，如“五福五寿”、“万福万寿”、“福禄寿三星”的组合方式。探讨了在女性服饰（如袄裙、比甲）中，以“宝相花”、“缠枝莲”为代表的，象征繁荣昌盛的几何化花卉图案，如何与社会对多子多福的期盼相契合。 三、园林艺术与服饰纹样的互动： 这是一个独特的章节，探讨了明末清初文人阶层在江南园林生活中形成的新审美趣味，如何渗透到服饰图案中。例如，对嶙峋怪石、竹影婆娑、水墨写意花卉的描摹，如何在精细的苏绣和缂丝上得到体现，使服饰从僵硬的礼器逐渐向更具文人气息的艺术品过渡。 结语：服饰的“非物质”价值 本书最后总结，明清服饰不仅是御寒蔽体的工具，更是当时社会结构、审美风尚、等级观念和工艺水平的综合性物质载体。通过对这些精美服饰的研究，我们得以窥见一个复杂、华丽而又遵循严格秩序的古代王朝的日常图景。 本书参考了大量的宫廷档案、织造局遗存、清代画册以及出土实物，配有大量高清的器物细节图和工艺流程示意图，旨在提供一个全面、深入且兼具学术深度与欣赏价值的明清服饰研究范本。

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这部《华服刺绣图案》真是让人眼前一亮，拿到书的那一刻，我就被它精美的封面设计和细腻的纸张质感所吸引。这本书的内容丰富得超乎我的想象，简直是刺绣爱好者的宝藏。它不仅仅罗列了各种图案，更像是一本深入浅出的教程，从基础的针法讲解到复杂的构图布局，都讲解得极其到位。我尤其欣赏作者在介绍不同历史时期刺绣风格演变时的独到见解，这让每一幅图案背后都有了深厚的文化底蕴。书中的插图印刷质量极高，色彩饱满，细节纤毫毕现，即便是初学者也能清晰地辨认出针脚的走向和丝线的粗细变化。我尝试着临摹了其中几款比较简单的花卉图案，原本以为会手忙脚乱，没想到书中的步骤分解得非常科学，每一步都有详细的图示说明，跟着做下来，成就感满满。这本书无疑是我近年来收藏的艺术类书籍中最具实用价值的一本，它成功地架起了传统工艺与现代审美之间的桥梁，让我对刺绣这门古老的技艺燃起了全新的热情。

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说实话，我原本对这种题材的书籍抱持着一丝怀疑，总觉得市面上同类书籍太多，难免流于表面。然而，《华服刺绣图案》完全颠覆了我的预期。它最大的亮点在于其对“图案”本身的深度挖掘。书中不仅仅展示了成品图样，更重要的是，它剖析了图案背后的象征意义和地域特色。比如，书中有一章节专门对比了苏绣、蜀绣和粤绣在龙凤图案上的差异处理，那种对细节的考究，那种对文化语境的尊重，着实令人叹服。我过去总是盲目地追求数量，试图收集尽可能多的图样，但这本书教会了我如何去“看”图案，去理解它们是如何构建和讲述故事的。阅读过程中，我常常需要停下来，反复琢磨作者对光影、层次的描述，这些文字描述如同高级的绘画教程，而非简单的说明文字。对于有一定基础，希望提升自己艺术修养的绣友来说，这本书简直是打开了新世界的大门，它提供的不是工具，而是思维方式。

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我是一名服装设计专业的学生，在寻找具有中国传统元素灵感时，偶然发现了这本书。起初，我只是想找一些现成的纹样参考，但读完之后，我发现它对我的帮助远不止于此。它提供了一个系统的、可供拆解和重构的视觉语汇库。书中对“空白处理”和“动态平衡”的论述，让我开始重新审视刺绣在服装整体设计中的地位，它不再仅仅是装饰，而是一种结构性的语言。例如，书中对宋代服饰上纹样布局的分析，精准地指出了如何在有限的空间内创造出最大的视觉冲击力，这对于我的毕业设计灵感激发起到了决定性的作用。文字行文流畅，逻辑严密，虽然主题是工艺技术，但其探讨的深度已然触及设计哲学的层面，读起来酣畅淋漓，充满了启发性，让我迫不及待地想将这些元素融入到我的现代设计草图中去。

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作为一位资深的古籍收藏家，我对涉及传统手工艺的书籍的考据和严谨性向来要求苛刻。《华服刺绣图案》在这方面表现得非常出色，它展现出令人尊敬的学术态度。书中引用的历史资料和文物出处标注得清晰准确，这一点对于我们这些希望深入研究纹样源流的人来说至关重要。我惊喜地发现，书中收录了一些相对罕见、在一般出版物中难以见到的宫廷刺绣纹样细节图，这些图片清晰到足以辨认出当时宫廷绣工所使用的特有针法和工具的痕迹。作者在介绍每一种主要图案时，都追溯了其在不同朝代中的演变轨迹，这种跨越时空的梳理，使得整本书的知识体系非常扎实可靠。阅读过程中，我感觉不是在看一本面向大众的工艺书，而是在研读一本面向专业人士的珍贵档案集，它的学术价值和艺术价值是等量齐观的。

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这本书的装帧设计，简直是艺术品级别的。我必须强调这一点，因为在如今这个信息爆炸的时代，一本实体书的触感和视觉体验变得尤为重要。《华服刺绣图案》在版式设计上做到了极致的平衡——既要清晰展示复杂的针脚细节，又要保持整体的审美愉悦感。它没有采用那种密密麻麻、让人喘不过气的信息堆砌方式，而是留出了大量的留白，让每一组图案都像被精心框裱的画作一样，得到了充分的展示空间。翻阅起来，仿佛在进行一场优雅的博物馆之旅，而不是在查阅一本枯燥的图谱。我特别喜欢其中关于色彩搭配的章节，作者用近乎科学的方式解释了不同丝线在特定光线下产生的视觉效果，这种对材料特性的深刻理解，远远超出了普通图鉴的范畴。这本书的价值，绝不仅仅体现在图案本身，更在于它对“制作过程美学”的呈现。

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