罗宗贤音乐作品选集 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:文化艺术出版社

作者:张洪宇 胡晋 等

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2004-07-01

价格:38.0

装帧:

isbn号码:9782000009979

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• 罗宗贤
• 中国当代音乐
• 作曲家
• 艺术歌曲
• 器乐作品
• 音乐选集
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• 音乐
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音乐的史诗与革新：20世纪中叶德奥作曲家的艺术之旅 一部回溯德奥音乐黄金时代的深度考察 本书旨在为音乐爱好者、学者以及所有对20世纪中叶欧洲（尤其是德语区）古典音乐发展轨迹抱有浓厚兴趣的读者，构建一个详尽而立体的知识图谱。我们聚焦于这一时期涌现的，在调性、结构乃至音乐哲学上进行深刻探索与变革的一批关键作曲家，剖析他们的创作语言、思想根源及其在历史语境中的地位。 第一部分：战后审美的嬗变与重建（1945-1960） 第二次世界大战的硝烟散去后，欧洲的文化版图经历了剧烈的重塑。音乐领域也随之进入了一个寻求突破与重建的阶段。本部分将深入探讨这一时期涌现的几种主要的创作思潮，它们是如何对既有的瓦格纳式晚期浪漫主义传统进行决裂或继承的。 一、 序列主义的深化与“第二维也纳乐派”的遗产继承： 我们首先将目光投向了对勋伯格十二音体系进行激进发展的一批作曲家。他们不再满足于传统十二音的“无中心化”，而是试图将所有音乐元素——节奏、力度、音色——纳入严格的序列控制之下。 节奏的彻底解放： 重点分析布莱兹（Pierre Boulez）的早期钢琴作品，如其对梅西安《节奏、力度和色彩的参数化》的继承与超越。探讨如何通过复杂的数值序列来构建宏大而严密的结构，以及这种极端理性的手法如何在听觉上引发了听众的疏离感与新鲜感并存的复杂体验。 音色的本体论探索： 深入研究韦伯恩的遗产能如何催生了对“纯粹音色”的迷恋。分析一些关键作品中，对极简乐器配置、空气感以及精确到毫秒的事件（Point-Event）的构建，这为后来的电子音乐和偶然音乐提供了重要的理论基础。 二、 对“新古典主义”的批判性反思： 尽管新古典主义在战前曾是主流，但在战后，这种对莫扎特、巴赫形式的回归，被许多激进的作曲家视为一种对历史责任的逃避。 汉斯·维尔纳·亨策（Hans Werner Henze）的早期探索： 分析亨策在这一时期如何试图融合社会批判内容与严谨的序列技巧，尤其是在他的歌剧创作中，如何试图重建叙事性与现代音乐语言之间的张力。探讨他对西班牙内战等政治题材的关注，以及音乐如何承载时代精神。 三、 经验主义与偶然性的萌芽： 在德奥音乐的边缘地带，一些作曲家开始质疑作曲家对作品的绝对控制权，将“不确定性”引入创作过程。 早期电子音乐的介入： 探讨科隆的 WDR 工作室在这一时期的作用。分析早期使用振荡器、噪声发生器等非传统乐器创作的实验性作品，这些作品如何挑战了“音乐必须由可预见的音高和节奏构成”这一根深蒂固的观念。 第二部分：结构主义的深化与多元化的并存（1960-1980） 进入六十年代，音乐语言开始从前一阶段的极端理性主义中解放出来，进入了一个更加多元、更注重听觉体验和感知实验的阶段。 一、 场域音乐（Field Composition）与空间化： 随着对序列主义过度控制的反思，一些作曲家开始将注意力转向声音的“密度”、“纹理”和“空间分布”。 克日什托夫·潘德列茨基（Krzysztof Penderecki）的音块研究： 尽管潘德列茨基的创作中心不在德奥，但其早期作品对大规模群组音响（Massed Chords）和微观结构（Micro-structures）的运用，深刻影响了德语区作曲家对管弦乐队“声音物质”的理解。详细分析《广岛受难者的挽歌》中对音色密度的革命性处理。 二、 极简主义的涓涓细流： 尽管极简主义主要在美国兴起，但其对重复、过程和缓慢变化的美学理念，也辐射到了欧洲。 结构过程的透明化： 探讨一些作曲家如何采用更平缓、更渐进的音高或节奏变化，让听众能够清晰地“追踪”音乐的生成过程，从而产生一种沉思或冥想的效果，区别于前一阶段序列主义的“不可穿透性”。 三、 媒介的融合与音乐剧场（Music Theater）： 艺术边界的模糊化使得歌剧和戏剧的界限变得模糊。 对传统歌剧叙事的解构： 分析作曲家如何利用多媒体元素——灯光、投影、舞台动作——与音乐本身共同构建意义，探讨音乐在支撑或反讽戏剧场景中的复杂角色。这一部分的重点在于，音乐如何从传统的“表达工具”转变为“结构支撑”或“环境氛围”的营造者。 第三部分：后现代的回响与回归的张力（1980至今） 八十年代以来，音乐界出现了一股寻求“新主观性”和“情感回归”的思潮，对激进的现代主义进行了修正。 一、 新调性与新浪漫主义的复兴： 对“无调性”持续了半个世纪的统治地位的反思，导致一些作曲家开始重新审视调性材料的潜力，但并非简单地回归过去。 有目的的“调性残片”的运用： 探讨如何在高度复杂的和声结构中，有意识地植入可识别的、具有情感指向性的调性片段，以重建与听众的情感联结，但这些片段往往是异化的、被扭曲的。 二、 历史的回声与戏仿（Pastiche）： 在后现代主义思潮下，对音乐史的引用变得普遍。 间接引用与致敬： 分析作曲家如何巧妙地在作品中嵌入对早先大师（如巴赫或马勒）音乐元素的碎片化、抽象化的引用，这种引用不再是单纯的模仿，而是作为一种对话和评论。 结语：开放的未来 本书最终将总结20世纪中叶德奥音乐家们在追求艺术自由和技术突破的历程中所展现出的勇气与困境。他们的创作不仅是对音乐语言本身的探索，更是对现代人精神状态、社会动荡和技术冲击的深刻回应。这一时期的作品，是理解当代音乐图景不可或缺的基石。

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初读这本乐集，我最深刻的感受是创作者对于传统音乐语汇的继承与创新达到了一个令人惊叹的平衡点。那些旋律片段，乍听之下似乎有着熟悉的中国传统音乐的影子，比如某些悠扬的五声音阶的运用，或是对某些传统戏曲腔调的巧妙化用。然而，当你深入聆听，或者说，当你尝试用演奏者的视角去剖析时，便能发现其中蕴含着极为现代和西化的和声织体和配器手法。这种“古为今用”的处理方式，绝非简单的拼贴，而是如同水乳交融般自然。某些段落的转调处理，灵动得让人措手不及，但细想之下，却又合乎情理，仿佛是遵循着一套只有创作者才懂的内在逻辑在运行。这使得作品既能唤起听众对民族音乐的亲切感，又能带来面对当代前沿音乐时的那种智力上的挑战和愉悦。这种跨越时空的对话，正是衡量一部音乐作品是否具有持久生命力的重要标志。

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我特别欣赏这本书在技术处理上的严谨性。作为一位业余的爱好者，在研习一些复杂的室内乐作品时，我常常被那些密集的记号和复杂的演奏指示所困扰。但在这本选集中，即便是最细微的力度变化（比如从 $ppp$ 到 $mp$ 的渐强），或是那些对弓法、指法有着特殊要求的段落，都有清晰明确的标注。编者似乎深知，这些作品的精髓往往隐藏在这些看似不起眼的细节之中。此外，如果遇到一些可能存在历史版本差异的乐谱片段，书本还很贴心地在脚注中进行了说明或提供了参考，这极大地帮助我们这些非专业人士避免了因信息不对称而产生的误解。这种对演奏实践的深刻体恤，使得这本书不仅仅是研究资料，更是一本非常实用的“演奏指南”。它教会我们，真正的艺术不仅在于宏大的结构，更在于对每一个微小元素的尊重与呈现。

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这本书的装帧和设计真是让人眼前一亮。封面选用的那种深邃的藏青色，搭配烫金的字体，透露出一种古典而又沉稳的气息，让人在众多书籍中一眼就能被它吸引。翻开扉页，纸张的质感也十分考究，摸起来温润细腻，即便是长时间阅读，手指也不会感到疲惫。排版上，字里行间留出的空白恰到好处，既保证了阅读的舒适度，又使得整体视觉效果显得疏朗有致，丝毫没有那种拥挤和压迫感。特别是那些乐谱的印刷，线条清晰，墨迹浓重，即便是那些复杂的对位和声部分，也能看得一清二楚，这对于我们这些需要仔细揣摩每一个音符的演奏者来说，简直是太友好了。而且，装订非常牢固，即便经常翻阅，也不担心书页松散，足见出版方在细节上的用心。这本书不仅是知识的载体，更像是一件值得收藏的艺术品，每一次将它从书架上取下来，都像是在进行一次庄重的仪式。那种厚重感和历史的沉淀感，让人肃然起敬，也更加期待内容本身能带给我怎样的惊喜。

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这本书的选编逻辑，我认为是相当精妙的，它并非简单地按照创作年代的线性排序，而是似乎在构建一条探索创作者内心世界的脉络。前几页的那些作品，风格相对内敛、线条分明，仿佛是清晨薄雾中缓缓展开的一幅水墨画，侧重于单线条的叙事和意境的营造。随着页数的递进，作品的张力和情感密度逐渐增强，配器的复杂性也开始提升，仿佛进入了午后激烈的交响乐章，充满了冲突与和解的戏剧性。尤其值得一提的是，在选曲的过程中，编辑似乎非常注重体现创作者在不同人生阶段对“家乡”或“故土”主题的不同理解。有些作品是对田园风光的直接描摹，有些则是对历史变迁的深沉反思，这种情感的层次感，让读者在阅读过程中，能够清晰地感受到创作者心路历程的轨迹，仿佛陪伴他走过了一段漫长而丰盛的艺术旅程。

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阅读这本选集，带给我一种如同探访老友故居般的温暖与亲切。它不像某些学术著作那样高高在上、拒人千里之外，反而充满了一种邀请人加入对话的姿态。在那些看似平静的乐句背后，我仿佛能“听见”创作者在某个安静的夜晚，面对着乐谱，细细打磨每一个音符时的呼吸声和思考的痕迹。那些抒情的慢板部分，拥有着一种穿越时间的力量，能瞬间将我带入一种超脱于日常琐碎的情境之中，心灵得到了极大的抚慰与沉静。它让我思考音乐的本质——究竟是情绪的宣泄，还是哲理的阐述？从这本书中，我得到了一种模糊而美好的答案：优秀的音乐是两者兼具的，它既能触动我们最原始的情感，又能启发我们对世界更深层次的理解。这本选集，无疑是一扇通往这位伟大音乐家内心世界的、精致而耐人寻味的门。

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