当代中国画优秀作品选。山水 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:人民美术出版社

作者:王玉山 编

出品人:

页数:255

译者:

出版时间:2005-7

价格:48.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787102033686

丛书系列:

图书标签:

• 美术
• 绘画
• 中国山水画
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故纸堆里的微光：西方现代艺术思潮与中国传统绘画的对话 图书名称： 《西方现代艺术思潮与中国传统绘画的对话》 图书简介： 本书深入探究了二十世纪初以来，西方现代艺术的诸多思潮——从野兽派的色彩解放到立体主义的空间解构，从抽象表现主义的情感爆发到极简主义对形式的纯粹追求——如何与中国传统绘画，尤其是宋元以来的文人画体系，产生了复杂而深刻的互动与碰撞。 我们摒弃了以往将两者简单对立或盲目推崇的二元论视角，转而采取一种细致入微的比较美学和文化史分析方法。全书分为六个主要部分，层层递进，力求勾勒出一种跨越文化边界的视觉语言演变图景。 第一部分：传统的坚固与裂隙——二十世纪初的艺术觉醒 本部分首先回顾了晚清至民国时期，中国画坛面临的“三千年未有之大变局”。我们将重点分析西学东渐对中国传统“格物致知”的认识论构成的冲击。重点讨论了陈独秀、胡适等人对中国画“不合时宜”的批判，以及林风眠、徐悲鸿等人如何试图在引入西方写实主义素描和油画的造型观念后，重新确立中国画的现代性。 特别关注了“写实”与“写意”的矛盾在新的时代背景下的变异。我们详细剖析了徐悲鸿的“素描为骨”论如何在实践中重塑了民间和学院派对“笔墨”的理解，这种理解如何偏离了古代士大夫文人对“意在笔先”的本体论坚持。同时，我们也考察了早期留日画家对日本“新画运动”（如日本画）的借鉴，这一过程实则是对中国传统媒介——绢和纸——在新的审美压力下的适应性实验。 第二部分：色彩的解放与笔墨的重构——野兽派、后印象主义与国画的色彩革命 本部分聚焦于色彩理论的介入。西方野兽派对色彩的非自然主义运用，以及后印象派（如塞尚对体积的强调、梵高对情感的宣泄）如何为中国画家提供了摆脱传统“随类赋彩”束缚的理论支持。 我们选取了潘天寿和吴大羽作为核心案例进行深入分析。潘天寿如何吸收了早期西方现代主义的几何构成感，将其融入其大写意的结构之中，形成了“以拙胜巧，以重压轻”的独特风格。而吴大羽则更进一步，他晚年纯粹的抽象线条和色彩实验，虽然在当时被视为离经叛道，但其对中国“线条”本体的感性提炼，实则呼应了康定斯基对音乐性和纯粹形式的追求。我们探讨了这种对“非再现性色彩”的探索，是否是中国笔墨“气韵生动”在现代语境下的另一种表达。 第三部分：空间的重组与视角的颠覆——立体主义与中国画的平面性危机 立体主义对三维空间和多重视角的解构，对中国传统山水画构图思维构成了最直接的挑战。中国山水画的核心在于“可行、可望、可游、可居”的体验式空间，通过散点透视和高远、平远、深远来组织视觉流程。 本书详细比对了毕加索的分析立体主义与董源、巨然的“披麻皴”在处理空间层次上的异同。重点分析了李可染晚期对“黑”的运用，以及他对传统“卧游”方式的现代化处理。李可染如何通过强调块面结构和光影对比，试图在二维平面上建立起一种近似于立体主义所追求的、更为坚实的物质感和结构感。此外，我们还考察了部分画家如何借鉴立体主义的拼贴手法，在水墨画中引入新的肌理和结构逻辑。 第四部分：情感的内化与抽象的回归——表现主义、抽象表现主义与文人画的“自性”表达 二十世纪中叶，西方艺术转向了对艺术家内在精神世界的极端关注。表现主义对主观体验的强化，以及美国抽象表现主义（如波洛克、德·库宁）对“行动绘画”的推崇，与中国文人画强调“胸中丘壑”、“抒发性灵”的精神内核产生了奇妙的共振。 本书认为，中国水墨画中的“写”与“写意”，本质上就是一种内在精神的直接投射。我们将重点分析“新文人画”的代表人物如何将抽象表现主义的“偶然性”和“过程性”融入笔墨的“湿、浓、重、淡”之中。例如，讨论“一笔画”的现代转化，以及画家如何在不再依赖具象描摹后，通过对墨色的控制和笔触的速度、力度，来完成对个体存在感的宣告，这与抽象表现主义的“Action Painting”在哲学层面上达成了某种一致性。 第五部分：极简的张力与观念的先锋——对“物性”与“非物质性”的探讨 在艺术走向极简主义和观念艺术的浪潮中，中国画的“材料性”和“空”的概念再次成为焦点。极简主义对艺术对象的去装饰化、回归其基本材料属性的做法，促使中国画家重新审视“纸”和“墨”作为媒介的本体意义。 本章细致考察了大地艺术和极简主义对中国园林、太湖石等传统元素的观念性挪用。同时，我们也分析了当代艺术家如何通过对宣纸的刻意做旧、染色乃至撕裂，来强调材料的脆弱性和时间的侵蚀性，以此对抗西方艺术中常有的对永恒形式的追求。这种对“空”的物质化处理，挑战了传统山水画中“计白当黑”的意境营造，将其转化为一种更具批判性的空间介入。 第六部分：跨文化语境下的融合与超越——当代中国画的未来图景 最后一部分是对当代艺术实践的总结与展望。我们认为，当代中国画的强大生命力，恰恰在于它能够容纳和消化来自不同文化体系的视觉语言，并将其熔铸为自身叙事的一部分。 本书探讨了数字媒体和装置艺术对传统水墨画边界的拓宽。它不再局限于二维平面，而是进入了时间、空间和观念的场域。通过对多位活跃在国际舞台上的当代中国艺术家的个案分析，我们试图揭示：当代中国画的“现代性”并非是简单地模仿西方，而是在对自身传统进行深刻反思后，利用西方提供的工具和理论框架，重新定义“笔墨精神”在当代语境下的可能性和边界。 结论： 本书旨在提供一个既尊重中国绘画的深厚历史积淀，又正视全球视觉文化交流的复杂性的人文视野。它是一次关于线条、空间、色彩和精神如何在不同文明的对话中，不断自我更新的宏大叙事。

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作为一位业余的艺术爱好者，我非常看重一本画册的“教育意义”，而这本书在这方面做得极为出色。它不仅仅是展示“结果”，更像是在引导你思考“过程”。由于作品风格的多样性，它自然而然地提出了许多关于“什么是当代性”、“如何处理传统与革新”的议题。例如，某几幅作品中对色彩大胆的运用，完全跳出了传统水墨的固有范畴，使用了近乎油画般的饱和度，这立刻引发了我对传统水墨材料局限性的思考。对于想要学习或深入研究中国画的读者来说，这本书提供了一个绝佳的参照系，它展示了优秀作品是如何在恪守笔墨精神的同时，成功地与现代审美接轨，这种“有迹可循”的示范性价值，是任何理论书籍都无法替代的。

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这本书的选目跨度相当广博，展现出当代中国画坛蓬勃的生命力。我发现，里面收录的作品在题材的选择上非常多元化，除了大气磅礴的雄山大川，也有许多聚焦于日常生活中的微小景致，比如一隅竹林的光影变化，或是云雾缭绕中的山涧溪流。这种视角上的转换非常迷人，它提醒着我们，艺术的根基在于观察和感悟，而非一味追求宏大叙事。更值得称赞的是，不同地域、不同学院派的风格都能在这里找到一席之地，这使得整本画册的阅读体验如同进行了一场跨越全国的艺术考察之旅，见识到了各种流派和技法的交汇与融合，对于了解中国画的现状和未来的走向，提供了极佳的样本参考。

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这本书的整体阅读感受，更像是一次酣畅淋漓的“精神漫步”。欣赏这些作品时，我发现自己很难用那种刻板的、标签化的词汇去界定它们。它们有的雄浑如瀑布，有的则细腻得像是耳语，每一页都带着一种无可复制的“气场”。特别是那些在水墨的干湿浓淡上做足了功夫的作品，那种渗透、渲染出来的层次感，让人屏息凝神。看完一轮后，我常常会合上书本，闭目回味刚才看到的某几处精彩的笔触——比如某棵树的枝干如何用飞白表现出遒劲的生命力，或者某片云雾如何用淡墨晕染出空灵的境界。这种能够在脑海中形成持久“视觉记忆”的艺术品，才真正称得上是优秀的选本，它带来的不仅仅是欣赏，更是一种对美的持续滋养。

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这部画册的装帧设计着实让人眼前一亮。封面那淡雅的米白色，配上烫金的书名“当代中国画优秀作品选”，透露出一种沉稳又不失格调的艺术气息。内页的纸张选择也颇为考究，厚实且有一定的肌理感，使得那些精选的画作在色彩表现上显得尤为饱满和富有层次。我尤其欣赏它在排版上的用心，每一幅作品都占据了足够的空间，边缘留白恰到好处，既不显得拥挤，又能让观者完全沉浸于画作本身。即便是印刷品，那些墨色的晕染和皴法的细节也得到了最大程度的还原，触摸纸张时，仿佛能感受到画师指尖的力度与温度。这种对细节的极致追求，无疑提升了阅读和鉴赏的体验，让人感觉这不是一本简单的画集，而是一件精心制作的艺术品，即便是作为案头陈设，也显得格调非凡。

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翻开这本书，首先感受到的是一种强烈的时代气息与艺术精神的碰撞。这些作品显然不是对传统技法的简单重复，而是充满了当代画家们对生活、对自然、对精神世界的独特解读。有些画作的构图大胆而新颖，打破了传统山水的窠臼，将现代主义的抽象元素巧妙地融入到写意之中，那种笔墨的张力，仿佛能听见山风呼啸，水流奔腾的声响。另一些作品则在继承宋元笔墨精髓的基础上，融入了更细腻、更具个人情绪的表达，即便是描绘熟悉的景物，也让人感受到一种前所未有的情感深度。它不是那种让你一眼就能看透的“漂亮画”，而是需要你静下心来，去体会画家如何在方寸之间构建出一个属于他自己的宇宙，这种探索的乐趣，远超出了单纯的视觉愉悦。

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去东晓路图书批发中心的时候，看到了好多书，各类图书相当丰富，看到一个档口专营美术，当时犹如进入了一个桃源盛世。这本书里面的画作相当好看，可惜正发生经济危机，不然就买回来了，还有其他诸如速写油画好多本。

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