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出版者:中国林业出版社

作者:吴兴亮

出品人:

页数:115

译者:

出版时间:2005-8

价格:48.00元

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isbn号码:9787503840074

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园林水彩：寻踪迹，悟意境 卷首语 在这纷扰的尘世中，我们常常渴望寻得一隅宁静，让心灵得以栖息。而园林，便是这尘世中的桃花源，是自然与人文交织的诗意空间。它们以其独特的韵律、精巧的设计、四季的变幻，吸引着无数目光，触动着人们内心深处对美的向往。 本书《园林水彩》，并非是描绘具体的园林景致，亦非是教授绘制技法的指导手册。它更像是一场穿越时空的对话，一次与古往今来无数园林匠人、文人墨客的心灵交流。我们将共同探寻园林艺术背后那深邃的哲学思考，感受其所承载的文化底蕴，体味其蕴含的东方美学，并尝试从一种全新的视角，去理解和欣赏这些凝聚着智慧与匠心的艺术瑰宝。 我们希望通过本书，能够引导读者超越对园林表象的观赏，进入到其精神内核的探索。那些亭台楼阁、山石流水、花草树木，固然是园林不可或缺的构成，但它们最终所要传达的，是对自然规律的尊重，对人生哲理的体悟，以及一种超然物外的生活态度。 第一章：无形之境，意在笔先 园林之妙，不在于堆砌，而在于“意”。中国古典园林，尤其注重“寓情于景，托物言志”。每一处景致的设计，都蕴含着创作者的情感寄托和审美追求。我们将在这一章中，深入探讨“意境”在中国园林中的核心地位。 “意”的溯源： 探究“意”在中国传统文化中的含义，如何从文学、哲学中延伸至园林艺术。从《诗经》中的“兴”，到《易经》中的“象”，再到魏晋名士的“寄情山水”，理解“意”是如何在艺术创作中逐渐成形并成为核心追求的。 “境”的生成： 园林中的“境”，并非是简单的物质组合，而是通过对空间的巧妙分割、对景物的精心选择、对光影的细致运用，所营造出的能够引发观者想象和情感共鸣的氛围。我们将分析“框景”、“借景”、“障景”、“透景”等手法，如何将有限的空间无限地延伸，如何将外界的自然融入园林，从而达到“咫尺之内，再造乾坤”的境界。 “意”与“境”的互动： “意”是内在的精神，“境”是外在的呈现。“意”指导着“境”的创造，“境”又反过来深化和拓展了“意”。我们将通过剖析不同时期、不同风格园林的案例，展示“意”与“境”是如何巧妙地融为一体，共同构建出令人回味无穷的艺术作品。例如，苏州园林的“咫尺之内，自有山林”的精巧，与文人追求隐逸、超脱的“意”之间的呼应。 第二章：师法自然，道法自然 “天人合一”是中国哲学思想的重要组成部分，也深深地影响着中国园林的设计理念。园林并非是对自然的简单模仿，而是通过提炼、升华自然中的精华，使其更具艺术感染力，并借此传达人与自然和谐相处的哲学观。 “法”与“道”： 园林艺术中的“法”，指的是创作的规则、技法和审美原则；而“道”，则是指自然运行的规律、宇宙万物的根本法则。真正的园林艺术，是在遵循“法”的框架下，去体悟和融入“道”。我们将探讨“师法自然”并非照搬，而是“取其神，去其形”，是如何从自然中汲取灵感，而非机械复制。 山水的哲学： 山水在中国园林中占据着极其重要的地位。它们不仅仅是装饰，更是承载着哲学寓意的象征。我们将分析“山”的稳重、厚重、象征阳刚，“水”的灵动、柔美、象征阴柔，以及它们之间的相互依存、相互衬托，是如何体现阴阳平衡的哲学思想。从“堆山叠石”的技法背后，去理解古人对大地隆起的敬畏，对山脉绵延的联想。 生生不息的律动： 园林中的植物，不仅仅是色彩和形态的点缀，它们代表着生命的律动和季节的变迁。我们将探讨“岁寒三友”（松、竹、梅）所蕴含的坚韧不拔的精神，“海棠”的娇艳、繁盛所象征的富贵吉祥。理解园林如何通过植物的生长、凋零，来表现生命的循环往复，以及其中蕴含的“无常”与“永恒”的辩证关系。 第三章：几何之外，流动之韵 与西方古典园林强调轴线对称、几何构图不同，中国古典园林更注重空间的流动性、曲折变化，以及在不经意间产生的视觉惊喜。这种设计方式，不仅仅是为了美观，更是一种对人生体验的模拟。 曲径通幽的意趣： 园林中的路径，很少是笔直的。蜿蜒曲折的小径，引导着游人的脚步，也引领着他们的思绪。我们将分析“曲径通幽”的设计理念，如何通过路径的变化，创造出“步移景异”、“山重水复疑无路，柳暗花明又一村”的奇妙感受。这 parallels 生活中的探索与发现，以及在困难中寻求突破的精神。 空间的转折与开合： 园林的空间组织，并非一览无余，而是通过建筑、植物、山石等元素，进行巧妙的分割与组合。时而豁然开朗，时而又曲折掩映，这种“收放自如”的空间处理，既能营造出宏大的气势，又能展现出精巧的细节。我们将探讨“漏窗”、“月洞门”等建筑构件，如何打破空间的界限，实现视觉的穿透与连接，同时又为园林增添无限的趣味。 “虚实相生”的妙用： 园林中的“虚”，并非指不存在，而是指那些留给观者想象的空间，例如空旷的水面、留白的山石。而“实”，则是指具体的建筑、植物等实体。虚与实的结合，使得园林在视觉上更加丰富、层次更加分明，也让观者的感受更加立体、深刻。我们将分析“空山不见人，但闻人语响”的意境，理解“虚”如何能够比“实”更能打动人心。 第四章：时光的印记，人文的沉淀 园林不仅仅是自然景观的再现，更是历史的见证，文化的载体。每一座园林，都凝聚着建造者的匠心独运，也承载着不同时代的审美情趣和社会风貌。 “借古”与“出新”： 许多园林的设计，都融入了古人的典故、诗词、画作的意境。这种“借古”并非是简单的复制，而是在理解古人精神内涵的基础上，进行“出新”，使其在新的时代焕发新的生命力。我们将探讨如何从历史文献、文学作品中，解读园林背后的文化故事和人文情怀。 文人园林的雅逸： 以苏州园林为代表的文人园林，是艺术家们精神世界的投射。它们追求的是一种超然物外的淡泊情怀，一种寄情山水的隐逸生活。我们将分析文人园林如何通过精巧的布局、考究的陈设，以及诗书画的融入，来营造出一种宁静致远、风雅脱俗的艺术氛围。 皇家园林的恢弘： 与文人园林不同，皇家园林更注重气势的宏大、色彩的绚丽，以及对权力与尊崇的彰显。但即使在恢弘的背后，也同样隐藏着对自然之道的敬畏和对天人合一的追求。我们将对比分析皇家园林与文人园林在设计理念、空间格局、文化内涵上的异同，从而更全面地理解中国园林艺术的多样性。 结语 《园林水彩》，期望成为您走进园林艺术的一扇窗。它所描绘的，并非是看得见的色彩与线条，而是那些弥漫在空气中的韵味，那些沉淀在历史中的智慧，那些触动心灵深处的情感。 园林，是一本读不完的书，一首唱不完的歌。每一次驻足，都能有新的发现；每一次沉思，都能有新的体悟。希望本书能激发您对园林艺术的兴趣，引导您用一种更加深入、更加人文的视角去欣赏这些凝结着中华民族智慧与美学的璀璨明珠。 在喧嚣的世界里，愿您能寻得一处心灵的园林，在那片静谧之中，感受生命的美好，品味人生的意境。

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我发现这本书的选材视角非常独特，它似乎避开了那些千篇一律的静物写生或者大众化的风景题材，而是将目光投向了一些更具生活气息和文化底蕴的场景。比如其中几页似乎展示了关于江南庭院中光影穿过竹林的瞬间捕捉，那种斑驳的、跳跃的光点，用极为克制的色彩表现出来，让人仿佛能听到风吹过竹叶的沙沙声。还有一些章节，专注于表现不同材质的纹理，例如青石板上的苔藓，或者被雨水打湿的木门，这些细节的处理极其到位，既保留了水彩的轻盈感，又赋予了物体厚重的历史感。这不仅仅是技法的展示，更像是一场关于“时间与记忆”的视觉呈现，它教会了我如何从日常的碎片中提炼出值得描绘的美感，让我的创作视野一下子开阔了许多，不再局限于宏大叙事，而是沉浸于微观的美学世界。

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这本书的封面设计简直是艺术品，那种淡雅的水墨晕染效果，透过纸张的纹理都能感受到一股清新的气息扑面而来，让人忍不住想立刻翻开看看里面到底蕴藏了怎样的视觉盛宴。我原本以为这会是一本厚重的理论著作，结果拿到手里却意外地轻盈，装帧精致考究，光是摩挲着封面就觉得心情舒畅。内页的纸张选择也十分到位，那种略带粗粝感的哑光质地，非常适合表现水彩的通透与层次感，不像那种光滑的铜版纸，一上手就让人觉得少了点“画味”。我尤其欣赏它在排版上的用心，文字和留白的比例拿捏得恰到好处，每幅作品都有足够的空间呼吸，不会让人感到拥挤，真正做到了“留得有余”。从初翻的印象来看，这本书似乎更侧重于意境的表达而非僵硬的技法罗列，这正是我期待的，希望它能带我进入一个充满诗情画意的东方美学空间，去感受那种“计白当黑”的东方哲学在水彩媒材上的独特演绎。

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这本书的后记部分，篇幅虽然不长，但其思想深度却给我留下了极其深刻的印象。它没有落入俗套地谈论未来展望或自我褒奖，而是回归到了对“创作心态”的探讨上。作者以一种近乎禅宗的口吻，谈及了艺术家在面对画布时应有的“空”与“定”，强调了心性的修炼比笔触的精进更为重要。他暗示，所有的技巧最终都要归于无形，画出的作品，其真正动人之处，在于画家投入其中的那份宁静与专注。这种对内在世界的关注，远超了一本普通绘画书籍的范畴，它更像是一本关于如何通过艺术来安放灵魂的指南。读完这部分，我感觉自己不仅仅是学会了如何调配颜料，更是对艺术创作有了一种更成熟、更内在的理解，准备以更平和的心态去面对接下来的每一次落笔。

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这本书的开篇导言部分，文字的笔触非常细腻且富有哲思，它并没有急于展示成品，而是先探讨了水彩这种媒介的“不确定性”与“生命力”，将这种媒材的特性提升到了哲学层面去解读，这一点着实让我眼前一亮。作者似乎在引导读者，绘画并非是“征服”工具，而是与水和颜料进行一场“共舞”，去接纳和欣赏那些偶然形成的肌理和色彩的过渡。我留意到其中有一段描述色彩融合时那种“欲拒还迎”的状态，用词极其生动，完全不像教科书里那种冷冰冰的描述，更像是老友间的私语，娓娓道来作画时的心境。这种深层次的交流感，让我觉得这本书不仅仅是教我“怎么画”，更重要的是教我“如何去看”和“如何去感受”自然界中的光影变化，它像一把钥匙，开启了我对绘画素材更深层次的理解，让我对手中的画笔有了新的敬畏。

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这本书在结构布局上有一种行云流水的韵律感，完全没有那种“一章讲完一个技巧”的刻板模式。我注意到它似乎是按照“晨、午、暮、夜”或者“晴、雨、雪、雾”这样的自然情境来组织内容的，使得不同技法和色彩的运用都有了明确的情感背景支撑。比如在描绘“雨后初霁”的章节中，作者似乎运用了一种特殊的湿画法，让画面中的色彩边缘自然晕开，仿佛空气中还残留着湿润的水汽，这种氛围的营造能力实在是高超。更值得称赞的是，它在示范过程中，常常会并列展示“失败”或“修改”的局部，并详细阐述为什么会产生这样的效果，以及如何“顺势而为”地将其转化为新的表现力，这种坦诚和对艺术局限性的尊重，让我感到无比亲切，打破了完美主义的桎梏，鼓励我大胆尝试和接受不完美。

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讲的不少，算可以的！

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527 理论部分还是没有讲到位，艺术难道必须只能意会不能言传？！

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讲的不少，算可以的！

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讲的不少，算可以的！

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补遗。= =2010？