具体描述
作者简介
李勇，1963年生于山东济南。1985年毕业于山东艺术学院，获学士学位。1987年进修于中央美术学院。现为中国美术家协会会员、山东美术家协会理事、山东工艺美术学院造型艺术学院教授、山东画院高级画师。作品入选：庆祝建军60周年全国美展，获二等奖；第七届全国美展；首届中国画大展；第八届全国美展，获优秀作品奖；首届中国画人物画展，获铜奖；首届国画家学术邀请展，获国画家奖；第九届全国美展；全国画院双年展•首届中国画展；今日中国美术大展；第十届全国美展。代表作品：《静静的微山湖》、《小张庄》、《清花碗》、《甜蜜的城》组画、《祥云》、《圣士》、《日全食•俑》组画、《阳光百姓》、《古典影子》组画、《风景远逝》。出版画集有：《当代中国画精品集——李勇》、《出走与归来——李勇画集》、《中国画技法精粹——青山无尘》、《当代中国画名家档案——古典影子》。
目录信息
读后感
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用户评价
当我翻阅《青山无尘/中国画技法精粹》时，我立刻被它那种“返璞归真”的创作理念所吸引。它并非一味地追求繁复的技巧，而是强调笔墨的简练与力量，以及在“少即是多”的原则下，如何通过精准的笔法和墨色变化来传递出深刻的意蕴。书中对于“笔墨”的讲解，让我感受到了中国画的独特魅力。它不仅仅是绘画的工具，更是情感和思想的载体。我特别喜欢它关于“宿墨”和“破墨”的讲解，这两种技法在表现山水的苍茫感和水墨淋漓的效果上，起到了至关重要的作用。 书里用了很多篇幅来讲解如何通过笔墨的枯湿浓淡变化来表现山石的质感和层次。比如，在表现岩石的坚硬时，会用干笔皴擦，而在表现流水或云雾时，则会用湿笔渲染。这种对“墨”的精妙运用，让我明白了中国画为何能如此生动地表现自然的肌理和动态。它并没有追求照片式的写实，而是通过对“墨”的抽象化处理，来传达出物体的精神气质。我尝试着去模仿书中的一些画法，虽然离大师的水平还很远，但至少我能感受到，通过对笔墨的理解和运用，我真的能够让画面“活”起来。
评分不得不说，这本书在讲解“构图”方面，给了我很多启发。很多时候，我们画出来的画，总感觉“空”或者“满”，或者重点不突出。这本书却用非常清晰的思路，教会了我如何运用“黄金分割”、“S形构图”、“三角形构图”等经典构图法则，来安排画面中的景物，引导观者的视线，从而使画面更加和谐、统一，富有张力。它不仅仅是告诉你这些构图法则是什么，更重要的是，它会通过大量的实例，告诉你这些法则在实际绘画中是如何应用的，以及如何根据不同的题材和主题，来灵活运用这些法则。 我记得书中有一个关于画荷花的例子，它展示了如何通过“低角度仰视”的构图，来突出荷花的挺拔和圣洁，同时又如何利用“留白”来营造出水面和天空的空灵感。这种构图上的巧思，让我觉得非常佩服。它不仅仅是把景物摆放好，更重要的是，它通过构图来传达出画家想要表达的情感和意境。读完这一部分，我感觉自己对画面的整体把握能力有了很大的提升，不再是零散地画东西，而是能够从整体上去思考画面的布局和节奏。
评分这本书真的让我对“写意”这个词有了全新的认识。以前总觉得写意就是随便画画，没想到它背后蕴含着如此深厚的功力。书里对“写意”的解读，不是简单地“不像”就可以，而是强调“形神兼备”，在寥寥数笔之间，要捕捉到事物最本质的特征和神韵。我尤其喜欢它关于“留白”的讲解。很多时候，我们画画总是想着填满画面，生怕空着哪里。但这本书却告诉我们，留白同样是一种力量，它能引导观者的视线，激发观者的想象，甚至比画面上画出来的东西更能触动人心。书中用了很多例子来展示，比如画山水时，适当的留白可以表现云雾缭绕，营造出高远、深邃的意境。 它还花了很大篇幅讲解了“意境”的营造。这部分让我受益匪浅，因为我觉得很多时候，画得再像，如果没有“意境”，也只是一个“形似”的作品，缺乏灵魂。书里提出了很多方法，比如通过色彩的搭配来营造氛围，通过构图的安排来引导情绪，甚至通过笔墨的枯湿浓淡来暗示时间、天气和季节。我特别记得有一次，我在画一幅山水，感觉总差点意思。翻到这本书里关于“意境”的章节，看到它关于如何用淡墨和留白来表现清晨的山间薄雾的例子，恍然大悟。按照书中的方法调整了一下，果然画面一下子有了灵气，感觉像置身其中一样。
评分这本书的装帧设计也非常精美，拿在手里就很有分量感。更重要的是，内容上的深度和广度都超出了我的预期。它并没有局限于某一个画种，而是涵盖了山水、花鸟、人物等多个方面，而且在每个画种内部，又细致地讲解了不同的题材和表现手法。我特别喜欢它关于“设色”的章节，它不仅仅是教你如何调色，更重要的是它讲解了中国画中设色的基本原则和方法，比如如何运用“三远法”来安排画面层次，如何运用“冷暖对比”和“虚实结合”来营造意境。 书中对于色彩运用的讲解，让我受益匪浅。我之前总觉得中国画的色彩比较单一，甚至有些“灰扑扑”的，但读了这本书之后，我才发现，中国画的色彩其实非常丰富和讲究。它会告诉你，如何运用不同的色彩来表现季节的变化，比如春天的生机勃勃，夏天的热烈奔放，秋天的丰收喜悦，以及冬天的宁静肃穆。书中还引用了不少古代名家的设色作品作为例子，并对其进行深入的分析，让我能够更好地理解这些色彩是如何烘托主题，营造氛围的。
评分作为一名对中国画充满兴趣的初学者，这本书的出现简直像是一场及时雨。它以一种非常系统且易于理解的方式，把我从一头雾水的状态中解救了出来。与其他一些只强调“画什么”的书不同，《青山无尘/中国画技法精粹》更侧重于“如何画”，并在此基础上，深入浅出地讲解了“为什么这么画”。我最喜欢它对于“用墨”的细致讲解，它不仅仅是告诉你如何调墨，更重要的是，它教会了我如何根据不同的物象和意境，来选择不同的墨色运用方式，比如如何用浓墨来表现山石的坚硬，如何用淡墨来营造云雾的朦胧。 书中关于“水墨晕染”的讲解，让我印象深刻。它用大量的图例，演示了如何通过控制水分的干湿来达到不同的晕染效果，从而表现出物体表面的质感和层次。我曾经尝试过模仿书中的方法去画山水，发现效果比我之前自己摸索要好很多。它教会了我如何观察自然，如何将自然的形态转化为笔墨的语言。更重要的是，它鼓励我在掌握基本技法之后，要大胆地进行创新，形成自己的绘画风格。这种循序渐进的教学方式，让我觉得学习绘画不再是一件枯燥乏味的事情，而是一种充满探索和创造的乐趣。
评分这本书最大的优点在于它的系统性和实用性。它不是一本泛泛而谈的理论书籍，而是真正地从绘画的实际操作出发，为读者提供了非常具体可行的技法指导。我尤其欣赏它对“皴法”的讲解，不仅仅列举了各种皴法的名称，更重要的是，它通过大量的图示，详细地演示了每一种皴法是如何运用的，以及在不同类型的山石上，如何选择和组合运用这些皴法，才能达到最佳的视觉效果。比如，在表现斧劈皴时，它会告诉你如何用中侧锋结合，如何在落笔时加上转折，以及如何通过墨色的浓淡变化来体现山石的立体感和质感。 我曾经尝试过用书中的方法去画山水，发现效果比我之前自己摸索要好很多。它教会了我如何观察自然，如何将自然的形态转化为笔墨的语言。比如，在画瀑布时，它会告诉你如何运用飞白和顿挫的笔触来表现水流的冲击力和速度感，同时又如何用淡墨和渲染来表现水雾弥漫的效果。书中的例子都很贴近实际，很容易模仿和实践。更重要的是，它不仅仅是在教你“画什么”，更是在教你“怎么画”，以及“为什么这么画”，从而让你真正地理解中国画的精髓。
评分这本书的语言风格非常吸引人，不是那种枯燥的教科书式讲解，而是充满了文学性和感染力，仿佛作者在与读者进行一次心与心的交流。它在讲解技法的同时，还穿插了许多关于中国画历史、文化以及哲学思想的内容，让我感觉自己不仅仅是在学习绘画技巧，更是在了解一门博大精深的艺术。我尤其欣赏它关于“写意精神”的阐释。它认为，写意不仅仅是一种绘画技法，更是一种人生态度，一种对自然万物深刻理解和感悟的体现。 书中引用了很多古代诗词和画论，来阐述写意精神的内涵。比如，它会引用“言有尽而意无穷”来解释写意的深远意境，或者引用“以形写神”来强调捕捉事物内在神韵的重要性。这种将艺术与文化、哲学紧密结合的方式，让我感觉更加全面地理解了中国画的魅力。它让我明白，中国画不仅仅是“画”，更是“道”。通过学习这些内容，我的绘画不仅仅是在模仿，更是在试图表达自己的情感和对世界的理解。
评分拿到这本《青山无尘/中国画技法精粹》时，我本来是抱着一种“试试看”的心态，毕竟我并不是什么科班出身的画家，只是业余爱好者。然而，这本书的讲解方式却异常地亲切和易懂，让我这个“小白”也能快速入门。它从最基本的水墨运用开始，一步步深入，从用笔的轻重缓急，到墨色的干湿浓淡，再到色彩的晕染过渡，都讲解得非常细致。我最喜欢的一点是，它并没有使用太多晦涩难懂的专业术语，而是用通俗易懂的语言，结合大量的实例图解，让我能够直观地理解每一个技巧。 书中关于“用笔”的讲解，让我印象深刻。它不仅仅是告诉你如何握笔，更重要的是告诉你如何通过不同的笔触来表现物体的质感和动态。比如，在画树枝的时候，用顿挫有力的笔触可以表现出老树的苍劲，而用流畅轻盈的笔触则可以表现出新生的嫩芽。在画人物时，它会教你如何通过不同的线条来表现人物的衣纹和神态。我曾经尝试过模仿书中的一些画法，发现只要掌握了基本的方法，即使是初学者也能画出有模有样的作品。而且，书中还特别强调了“意在笔先”的理念，鼓励我们在动笔之前先在脑海中构思好画面，然后再落笔，这样画出来的作品才会有灵气。
评分《青山无尘/中国画技法精粹》这本书，对我来说，不仅仅是一本绘画教程，更像是一本艺术的启蒙读物。它没有给我灌输死板的理论，而是以一种非常生动有趣的方式，引导我进入中国画的奇妙世界。我尤其喜欢它关于“意境”的讲解，它告诉了我，一幅好的中国画，不仅仅是技巧的堆砌，更重要的是能够传达出一种独特的情感和意境，能够让观者产生共鸣。书中用了很多古人的诗句和画作作为例子，来阐述如何通过笔墨、色彩和构图来营造意境。 我记得书中有一个关于画竹的章节，它不仅仅是教我如何勾勒竹叶的形态，更重要的是，它教会了我如何通过笔墨的挺拔和疏朗来表现竹子的君子之风，以及如何通过墨色的浓淡来表现竹子在不同光照下的形态。这种将绘画技法与文化内涵相结合的方式，让我感觉非常受益。它让我明白，中国画之所以能够流传千古，不仅仅是因为其精湛的技艺，更重要的是它所蕴含的深厚文化底蕴和哲学思想。读完这本书，我感觉自己对中国画的理解又上了一个新的台阶，不再是孤立地看待笔墨，而是将其视为一种表达情感和哲思的语言。
评分刚收到这本《青山无尘/中国画技法精粹》的时候，还以为它只是市面上众多绘画教程中的一本，毕竟“中国画技法”这个标签太常见了。然而，当我翻开它，才发现这绝对是一本“有料”的书，而且有的是惊喜。它不像有些教材那样，上来就给你一堆理论，把人看得云里雾里。这本书的处理方式很巧妙，它从最基础的笔墨运用讲起，比如如何勾勒出树干的苍劲，如何用皴法表现山石的纹理，以及如何调和墨色来营造层次感。我特别喜欢它对“晕染”技法的讲解，书中不仅示范了如何利用水分的干湿来控制墨的浓淡变化，还深入剖析了不同环境下晕染的效果差异，比如在表现雨后的山峦时，需要怎样的晕染才能体现出湿润与朦胧的美感。 更让我惊喜的是，它并没有仅仅停留在技巧的层面，而是将技法与意境巧妙地结合起来。它会告诉你，为什么一个简单的点，用不同的力度、角度和墨色去点，呈现出来的感觉会天差地别。在描绘花鸟时，它会教你如何用写意的笔触去捕捉鸟儿羽毛的轻盈，花瓣的娇嫩，甚至连一片枯叶的沧桑感也能通过寥寥几笔勾勒出来。书中引用了不少古代名家的画作作为例证，不是简单地展示，而是深入浅出地分析这些大师是如何运用特定的技法来表达他们的情感和思想的。我记得有一节讲到如何画梅花，它不仅仅是教你勾勒花瓣的形状，更重要的是如何通过墨色的浓淡和笔触的力度来表现梅花的傲骨和坚韧。读完这一部分，我感觉自己对中国画的理解又上了一个层次，不再是孤立地看待笔墨，而是将其视为一种表达情感和哲思的语言。
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