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出版者:清华大学出版社

作者:王威

出品人:

页数:208

译者:

出版时间:2006-4

价格:39.8

装帧:平装

isbn号码:9787302121527

丛书系列:

图书标签:

• das
• 视频编辑
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• 视频制作
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• 实用技巧
• 数字视频

《影舞者：光影的叙事与表达》 本书并非教您如何操作某款特定的视频编辑软件，而是深入探讨视频语言的内在逻辑与艺术表达的精髓。我们相信，真正打动人心的影像，源于对叙事、节奏、画面、声音等元素的深刻理解和巧妙运用。 第一部分：叙事的骨骼——如何构建引人入胜的故事 故事的本质： 我们将从最根本的层面剖析何为“故事”，它为何能触动人心，以及不同类型的故事（如纪录片、剧情片、广告片）在结构上的差异。 情节的脉络： 学习如何设计引人入胜的情节线，包括冲突的设置、转折点的把握、高潮的构建以及结局的处理。我们将通过大量经典案例，解析不同叙事结构（如线性叙事、非线性叙事、碎片化叙事）的魅力。 人物的灵魂： 深刻理解角色在叙事中的作用，如何塑造立体、可信的角色，以及人物弧光（character arc）对故事深度的影响。我们将探讨如何通过角色的行动、对话、表情和内心独白来展现人物的性格和成长。 主题的升华： 探讨如何将作品的主题巧妙地融入叙事之中，让观众在观影过程中体会到更深层次的思考和情感共鸣。我们不直接给出“应该是什么主题”，而是引导您思考“您的故事想要传达什么”。 第二部分：节奏的脉搏——驾驭时间的艺术 画面语言的节奏： 画面切换的快慢、景别的变化、镜头的运动，都构成了视觉的节奏。本书将指导您如何根据叙事需求，灵活运用不同的剪辑技巧来控制画面的流动感，营造紧张、舒缓、激昂等不同情绪。 声音设计的韵律： 声音不仅仅是背景音效，更是叙事的重要组成部分。我们将分析音乐、音效、对白在节奏中的作用，以及如何通过声音的层次和变化来增强影像的感染力。 情感的起伏： 节奏是情感的催化剂。学习如何通过剪辑和声音的配合，引导观众的情绪从平静到激昂，从疑惑到恍然大悟，体验情感的跌宕起伏。 叙事时间与银幕时间： 理解两者之间的关系，以及如何通过剪辑的技巧来压缩或扩展时间，从而达到特定的叙事效果。 第三部分：画面的呼吸——捕捉视觉的精髓 构图的语言： 学习经典构图法则（如三分法、黄金分割），以及如何打破常规，创造出具有视觉冲击力的画面。我们将深入分析不同构图方式如何影响观众的视觉引导和情感解读。 光影的魔术： 光线是摄影的灵魂。本书将探讨不同布光方式（如顺光、逆光、侧光）在塑造画面氛围、刻画人物情感上的作用。您将学会如何利用光影来营造戏剧性，突出主体，引导观众视线。 色彩的表达： 色彩不仅仅是视觉的装饰，更是情感和意义的载体。我们将分析不同色彩的心理联想，以及如何通过色彩的搭配和运用，来强化作品的主题和情感表达。 景别的运用： 从远景到特写，不同景别有其独特的叙事功能。学习如何根据场景和情绪需求，选择最恰当的景别组合，来增强画面的表现力。 第四部分：声音的灵魂——赋予影像生命的力量 对白的艺术： 好的对白不仅是信息的传递，更是人物性格和情感的体现。我们将探讨如何撰写自然、生动、有深度的对白，以及对白与画面如何相互呼应。 音效的烘托： 音效是建立真实感和营造氛围的利器。从环境音到动作音，我们将分析如何通过精心设计的音效，让观众身临其境，增强故事的冲击力。 音乐的情感共振： 音乐是情感的放大器。本书将引导您如何选择与画面和情感相契合的配乐，以及如何通过音乐的起承转合，来深化观众的情感体验。 声音的混合与平衡： 学习如何将对白、音效、音乐等多种声音元素进行有效的混合与平衡，从而创造出清晰、有层次、富有感染力的声音效果。 第五部分：风格的形成——打造您的独特印记 风格的探索： 探讨不同导演和作品所展现的独特视觉风格、叙事风格和情感风格。 元素的融合： 学习如何将叙事、节奏、画面、声音等要素有机地结合起来，形成自己独特的创作语言。 实验与创新： 鼓励您在掌握基本原则的基础上，勇于尝试和创新，探索更具个性和前瞻性的影像表达方式。 本书旨在为您提供一套关于影像创作的思考框架和方法论，帮助您从“如何使用工具”的层面，提升到“如何用影像讲好故事”的艺术高度。我们相信，当您掌握了这些核心理念，无论使用何种工具，都能创作出令人难忘的作品。

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这本书的装帧设计倒是挺吸引人的，封面色彩运用大胆，给人一种现代、有活力的感觉，让人忍不住想翻开看看里面到底讲了些什么。拿到手里掂量了一下，感觉分量适中，纸张的质感也相当不错，拿在手里不至于太滑腻，阅读起来应该会很舒适。不过，光有好看的皮囊还不够，内容才是重头戏。我本来对手头的视频剪辑软件接触得不算少，希望能在这本书里找到一些更深入、更系统的心法，不仅仅是基础操作的罗列，而是能真正提升我制作水平的“干货”。比如，关于色彩分级、高级转场设计，或者如何用非线性叙事来构建一个引人入胜的短片，这些都是我目前比较欠缺的领域。如果这本书能在这方面提供一些独到的见解和实战案例，那就太棒了。如果只是停留在“拖拽素材”、“添加文字”这种层面上，那可能就有些对不起它这精美的外表了。我期待它能像一位经验丰富的老前辈，带着我一步步揭开专业制作的神秘面纱，而不是仅仅提供一本操作手册。

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说实话，我对市面上大部分软件教程都有点审美疲劳了，它们往往都是那种流水账式的步骤记录，看完一遍也就能勉强操作，但一离开书本，脑子就一片空白，根本不知道该如何灵活运用。我更青睐那些能够深入剖析“为什么”的书籍。比如，为什么在这个场景下，使用推轨镜头比平移镜头更能烘托情绪？为什么背景音乐的BPM（每分钟节拍数）要和画面的剪辑点保持一致？这种对创作理念和技术背后的逻辑思考，才是真正拉开业余和专业水平的差距所在。如果这本书能用大量的实例分析，把这些抽象的概念具象化，比如通过对比两个不同剪辑方式的片段，直观地展示出情绪表达上的巨大差异，那它就真的有价值了。我希望它能引导我去思考，而不是仅仅教我如何去“做”。毕竟，软件是死的，人是活的，真正的技巧在于人对工具的驾驭和对影像语言的理解。

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我最近尝试着做一些Vlog类型的短视频，发现最难的不是素材的堆砌，而是如何让观众愿意一直看下去，不滑走。这就涉及到节奏感和信息密度的把控。一本好的编辑书籍应该能提供一套行之有效的方法论来解决这个问题。我特别关注书中是否有关于“叙事节奏设计”的章节。理想中的内容会是这样：它会详细拆解一个成功的短片，分析它的开场如何抓住眼球，主体部分信息释放的频率如何控制，以及高潮和结尾是如何铺垫和收束的。书中是否提供了建立自己节奏模板的思路？例如，针对1分钟的快节奏信息流视频，应该设置多少个转场？针对5分钟的情感故事片，音频和画面的交织密度又该如何调整？如果这本书能提供一套可量化的参考指标，并教我如何根据自己的内容进行微调，那对我来说简直是福音。

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作为一个经常需要进行跨平台发布的创作者，我非常看重后期制作的效率和兼容性。所以，这本书如果能涵盖到一些关于工作流优化的内容，那就太棒了。我不是指简单的快捷键罗列，而是那种真正能节约时间的“黑科技”。比如，针对批量处理任务的脚本应用探讨，或者是如何搭建一套高效的素材管理系统，以应对未来可能出现的海量素材。更进一步说，如果它能触及到不同输出格式的最佳实践，例如，针对YouTube的特定码率和分辨率建议，或者针对移动端播放的色彩空间适配策略，那这本书的实用价值就瞬间提升了好几个档次。我希望它不仅仅停留在“剪出来”的阶段，而是能延伸到“高效地、高质量地发布出去”的全过程，毕竟，完美的成品也需要流畅的工作流程来支撑。

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翻阅过几本同类书籍后，我发现很多作者在谈论“特效”时，往往陷入了对插件功能的堆砌，把特效展示成了炫技的工具，而非叙事的辅助。我更希望看到的是，特效是如何为故事服务的。这本书如果能有专门的章节，探讨如何将视觉特效（VFX）有节制、有目的地融入到普通的纪实或剧情片中，那将是非常高明的。比如，如何利用简单的光效或动态图形来强化角色的内心挣扎，而不是仅仅为了增加画面的视觉冲击力。我想知道的是，那种“润物细无声”的特效运用哲学。如果这本书能用严谨的理论结合细腻的案例，教会我何时应该“做减法”，何时“做加法”，让每一个视觉元素都肩负起推动剧情的责任，那么它就超越了一本单纯的技术指南，而更像是一部视觉语言的艺术论著。

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