刘海粟书画鉴赏(上下)

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出版者:西泠印社出版社
作者:岑其
出品人:
页数:363
译者:
出版时间:2006-1
价格:76.00元
装帧:
isbn号码:9787807350217
丛书系列:
图书标签:
  • 美术社
  • 美术
  • 画集
  • 刘海粟
  • [3.5]
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具体描述

海粟先生坚定地信仰中国画的传统,来融合中西的艺术思想,并把这一思想贯穿于教学,希望能培养出一大批融中西的画家。但事实上,在美术教育方面的建树至今看远不如徐悲鸿的显著。但他在建树“我”的个性强烈的创作新风格、新思潮取得了引人注目的成果。我想,在今后中国画坛的数十年,甚至数百年后,这种思想仍会产生巨大的影响,徐悲鸿、林风眠等人所不及。

海粟先生自少年就以胆量大成名,加之出身于诗礼簪缨之家,天分高、悟性好,又勤奋,而又有一大批良朋好友的支持,使得他少年时就名满天下。海老在晚年的中国画创作中“中西融合”真正达到了顶峰,为中国画革新具有一定成功性的贡献。

《丹青集萃:刘海粟艺术世界漫游》 翻开《丹青集萃》,您将踏上一段穿越二十世纪中国画坛巨匠刘海粟艺术瑰宝的非凡旅程。本书并非对某一特定时期或某一类型作品的详尽论述,而是以一种更加开放、更具导览性的视角,引领读者徜徉于刘海粟波澜壮阔的艺术人生之中。 本书的结构设计,力求呈现刘海粟艺术创作的广度与深度。我们不会拘泥于对某件具体作品的细致考证,而是将重点放在揭示其艺术思想的演变、创作风格的独特之处,以及他对中国乃至世界艺术发展所产生的深远影响。从他早期接受中西绘画融合的教育,到他大胆创新、熔铸古今的艺术实践,再到晚年挥洒自如、炉火纯青的笔墨,本书将勾勒出一条清晰的艺术脉络。 《丹青集萃》将带领您走进刘海粟先生的艺术宝库。您将有机会“亲近”那些在中国美术史上占据重要地位的代表性作品,感受它们在时光中沉淀的独特魅力。但我们更侧重于解析这些作品背后的艺术语言:他如何运用色彩营造出浓郁的情感氛围?他的笔墨如何在写实与写意之间游走,既有力量又不失灵动?他对山水、花鸟、人物的描绘,又各自呈现出怎样的时代烙印与个人风格?本书将引导您去观察、去体会,去发现刘海粟艺术语言的精妙之处。 本书的另一重要维度,在于探索刘海粟先生作为一位艺术教育家和艺术活动家的贡献。他不仅是一位杰出的画家,更是一位身体力行的艺术革新者。他创立的上海美术学校,培养了一代又一代的艺术人才,其教育理念至今仍有借鉴意义。他积极推动中外艺术交流,将中国艺术推向世界舞台,也为中国艺术家汲取西方艺术营养提供了重要的窗口。本书将展现刘海粟在这些方面的非凡魄力与远见卓识。 《丹青集萃》所呈现的,是刘海粟先生一生与艺术不解之缘的缩影。它不是一本枯燥的学术专著,而是一扇通往艺术殿堂的窗户,邀请您一同去感受一位艺术大师的激情、智慧与不懈追求。我们希望通过本书,能够激发读者对刘海粟艺术的兴趣,进一步探索他作品中的无穷韵味,并从中汲取艺术的滋养与启迪。 无论您是艺术爱好者,还是对二十世纪中国美术史抱有浓厚兴趣的读者,《丹青集萃》都将是一次令人难忘的艺术漫游。让我们一同走进刘海粟的艺术世界,感受他那“意在笔先,气韵生动”的丹青传奇。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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我最近迷上了对中国传统绘画中“意境”的探究,但很多书都止步于概念的阐述,显得空泛无力。然而,这套书的叙述方式,像是一把精密的钥匙,为我打开了一扇通往“心物交融”之境的大门。它似乎在用一种近乎诗化的语言,去描摹那些难以言喻的笔触间的气韵流动与精神寄托。我感觉作者在引导我们去感受画作背后那股蓬勃的生命力,而非仅仅停留在技法层面。这种对“神韵”的捕捉和传达,让原本冰冷的墨迹仿佛有了温度和呼吸。它没有直接罗列“神韵”的构成要素,而是通过对创作心境和物象选择的细致描摹,让读者自然而然地在脑海中构建起那种超脱尘世的审美体验。对于追求精神共鸣的读者来说,这种间接却有力的引导,其效果远胜于直白的理论说教,让人读完后,对整个中国艺术精神的理解都上了一个台阶。

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阅读体验上,这本书的排版和文字节奏感非常抓人,读起来一点也不觉冗长乏味,这在厚重的艺术理论读物中实属难得。它的章节过渡自然流畅,知识点像涟漪一样层层递进,你似乎总能被下一个论述的切入点所吸引。更妙的是,它在描述艺术风格的演变时,所采用的词汇非常精准且富有画面感,仿佛作者是直接从画卷中提炼出文字的精髓。比如,它对某些线条力度的描述,会用到一些极具张力的动词和形容词组合,即使用文字来描述视觉效果,也能让人仿佛身临其境地感受到那种笔锋在纸上游走的力量感。这种高超的文字驾驭能力,让原本枯燥的理论学习过程,变成了一场愉悦的思维漫步,让人忍不住想要一口气读完,深恐遗漏了任何一个精妙的论断。

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作为一个对古代文人艺术品味极其看重的收藏者,我一直苦于市面上大部分书籍在探讨“品味”与“格调”时,往往流于主观臆断,缺乏坚实的依据。这套书的独特之处在于,它似乎构建了一套隐性的标准体系,通过对不同时代文人对“雅”与“俗”的辩证理解的梳理,帮助我们理解何为真正的超然物外。它侧重于解析文人士大夫阶层在选择题材、运用色彩、乃至装裱形式上所体现出的文化自觉与身份认同。这种深入文化肌理的分析,使得鉴赏不再是孤立的艺术行为,而成为一种历史与文化的互动。它没有明确指出哪些是“高格调”,哪些是“低格调”,而是通过对具体文化环境的还原,让读者自己去体会那种在历史长河中沉淀下来的审美趣味,极大地提升了我对艺术品背后文化含义的洞察力。

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我发现这本书在处理艺术史脉络时,展现出一种非常宏大且充满辩证思维的视角。它不像某些史学著作那样将艺术家的成就孤立看待,而是将他们置于一个更广阔的文化坐标系中进行审视。它清晰地展示了艺术传统如何在继承与反叛之间不断张力中前行,探讨了创新是如何在对传统的深刻理解之上才能真正发生的。这种对“历史连续性”与“个体突破性”的平衡把握,对我理解中国艺术的生命力至关重要。它没有给出标准答案,而是提供了一套解析艺术史动态演变的分析工具,让我意识到,每一位重要的艺术家的出现,都是对前人经验的吸收、反思与超越的结果。这种辩证的、动态的视角,让艺术鉴赏不再是静止的定格,而是一场永不停歇的文化对话。

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这本关于书画鉴赏的读物,简直是为我这种初窥门径的爱好者量身定做的!它没有那种高高在上的学院派腔调,读起来特别舒服,就像有个经验丰富的老先生在你身边,耐心地为你剖析每一笔、每一墨的奥妙。我尤其欣赏它在介绍艺术家生平与创作背景时所下的功夫,绝不是简单的年代堆砌,而是深入挖掘了那个时代思潮对画家心性的塑造。比如,当我看到对某一时期作品风格骤变的分析时,作者能精准地将时代风云、个人际遇与笔墨语言的演变联系起来,那种豁然开朗的感觉,真是令人拍案叫绝。它没有直接谈论具体的某几件作品,但它教会了我一套观察和思考的框架,让我明白,好的鉴赏,不仅是“看”到了什么,更是“理解”了什么。这种由内而外的引导,远比死记硬背几件名作的“标准答案”要来得宝贵和持久,它让我在面对未曾谋面的作品时,也能建立起初步的判断逻辑和审美取向。

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