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出版者:Center for Chinese Studies, The Universi

作者:Catherine Swatek

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2002-11-21

价格:USD 60.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9780892641369

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《牡丹亭》：一场穿越时空的东方情梦 在中国古典文学的璀璨星河中，《牡丹亭》无疑是一颗耀眼夺目的明星。这部由明代剧作家汤显祖倾注心血创作的传奇曲，以其瑰丽的想象、缠绵的爱情、深刻的哲思，以及精妙绝伦的戏剧艺术，在中国乃至世界文学史上留下了浓墨重彩的一笔。它不仅仅是一部戏剧作品，更是一场关于生命、爱情、梦境与现实的深刻探索，一次将古典东方美学与普世情感完美融合的艺术呈现。 梦醒时分，情深缘起 故事的开端，是在一个宁静的江南园林。年轻貌美的大家闺秀杜丽娘，生于官宦之家，过着养尊处优却又备受礼教束缚的生活。在一次郊游中，她偶然梦见一位风流倜傥的书生，两人在芍药花丛中情意绵绵，互生情愫。这梦，如同春日里悄然绽放的花朵，在丽娘的心中播下了情种。梦醒之后，丽娘对梦中之人念念不忘，从此心神恍惚，茶饭不思，每日魂牵梦萦，将自己的青春与生命都寄托在了那个虚幻的梦境之中。 她开始偷偷地描绘梦中情人的画像，将自己对爱情的憧憬与渴望全部倾注笔端。然而，在那个男尊女卑、婚姻由父母之命媒妁之言决定的时代，她对自由爱情的追求，显得如此大胆而叛逆。她的病日益加重，身体如同被无形的愁绪和对爱情的渴望一点点地消磨，最终，她香消玉殒，长眠于她一直魂牵梦绕的梅树之下，化作一缕幽魂，在人世间徘徊。 鬼魅人间，情深不灭 丽娘的死，并没有熄灭她对爱情的执念。她的魂魄在幽冥世界中，依然思念着梦中之人。而冥冥之中，她与那位书生柳梦梅，似乎有着前世的缘分。柳梦梅，一个才华横溢、心性高洁的青年书生，也同样在为寻找一位让他心动的女子而苦苦寻觅。机缘巧合之下，柳梦梅来到了杜府，看到了丽娘生前所画的画像，便被丽娘的美貌与气质深深吸引。他读到了丽娘的诗词，感受到了她细腻的情感，对这位素未谋面的女子产生了深深的爱慕之情。 在一种神秘的牵引下，柳梦梅竟然找到了埋葬丽娘的坟墓。而丽娘的魂魄，也在这时被他对爱情的真挚与执着所唤醒。她欣喜若狂，又带着一丝凄凉，因为她知道，人鬼殊途，他们的爱情似乎注定是一场悲剧。然而，爱情的力量，在《牡丹亭》中被描绘得如此强大，以至于能够超越生死，超越一切界限。 生死相随，戏梦人生 在丽娘魂魄的引导下，柳梦梅施展了“移花接木”的法术，将丽娘的魂魄成功地“接”回了人间。这或许是中国古典文学中最为浪漫主义的桥段之一，将虚幻的梦境与真实的人生融为一体，赋予了爱情一种超越现实的力量。丽娘复活了，她与柳梦梅的爱情故事，也终于可以进入更深的篇章。 然而，现实的阻碍依然存在。杜府的父母在得知丽娘“复活”的消息时，震惊之余，又对这段“人鬼情未了”的姻缘充满了疑虑和反对。在当时的社会背景下，这种事情无疑是惊世骇俗的。柳梦梅为了追求真爱，也必须经历科举考试的考验，以求得一个光明正大的身份，才能迎娶丽娘。 整个故事在跌宕起伏的情节中展开，充满了戏剧性的冲突与艺术性的张力。丽娘与柳梦梅的爱情，经历了生死的考验，经历了世俗的阻挠，但他们的情感却愈发坚定。这种对爱情的执着与追求，在那个压抑的时代，无疑是一种对生命价值的呼唤，一种对个性解放的渴望。 艺术瑰宝，永恒魅力 《牡丹亭》之所以成为千古绝唱，离不开其卓越的艺术成就。 想象力的飞跃： 汤显祖以其非凡的想象力，构建了一个亦真亦幻的世界。梦境与现实的界限模糊，鬼魂与生者之间的交流，都充满了诗意的浪漫。这种超现实主义的表达方式，使得作品具有了超越时空的感染力。 语言的魅力： 汤显祖的语言，华丽而富有音乐性，充满了诗情画意。他善于运用比喻、象征等手法，将人物内心的情感描绘得淋漓尽致。剧中的唱词，更是婉转动听，意境深远，成为中国戏曲音乐的宝库。 人物的塑造： 杜丽娘是一个敢于追求爱情的叛逆女性形象，她挣脱了封建礼教的束缚，展现了女性独立自主的精神。柳梦梅则是一位才情兼备、情深意重的好儿郎，他们的爱情故事，成为了后世对美好爱情的向往。 深刻的哲学思考： 《牡丹亭》不仅仅是一个爱情故事，它还蕴含着对人生、生命、情感的深刻思考。汤显祖通过“情”这个核心概念，探讨了生命存在的意义，以及情感在人生命中的重要地位。他提出的“情不知所起，一往而深”，揭示了情感的强大力量，以及它如何能够超越理性，甚至超越生死。 跨越时代的共鸣 《牡丹亭》的魅力，在于它触及了人类最根本的情感需求——对爱与自由的渴望。无论时代如何变迁，社会如何发展，人们对于真挚情感的追求，对于生命意义的探索，始终是永恒的主题。杜丽娘和柳梦梅的爱情故事，能够跨越时空的界限，引起不同时代、不同文化背景下观众的共鸣，正是因为他们所代表的，是人类共通的情感体验。 时至今日，《牡丹亭》依然在舞台上焕发着勃勃生机，被翻译成多种语言，在世界各地演出，赢得了无数观众的喜爱。它不仅仅是中国古典戏剧的瑰宝，更是世界文学宝库中一颗璀璨的明珠。每一次的演绎，都是一次对东方古典美学的致敬，一次对生命与爱情的礼赞，一次穿越时空的东方情梦的重现。它提醒我们，即使在最平凡的生活中，也隐藏着对美好情感的无限憧憬，而那份对真爱的执着，足以让生命绽放出最绚烂的光彩。

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我个人非常欣赏导演在人物塑造上采取的“留白”手法。很多情节的处理，并没有给出观众一个盖棺定论的答案，而是将人物最终的命运和情感的走向，留给了我们想象的空间。这种处理方式，使得剧目本身获得了更强的生命力，每一次重温，都会因为自己心境的变化而对角色的行为产生新的解读。例如，主角在做出某个重大抉择的瞬间，舞台上突然切入一片寂静，只有一束侧光打在他身上，他并没有歇斯底里的控诉，而是极其平静地接受了命运的安排。这种深沉的、近乎哲学的处理，远比夸张的戏剧冲突来得更有力量。它探讨的已经不仅仅是爱情本身，而是关于个体在既定秩序下的自由意志与宿命之间的永恒拉锯，非常值得深度思考。

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老实说，刚开始我对这部作品的节奏有点担心，毕竟古典戏曲的叙事方式相对含蓄和绵长。但出乎意料的是，音乐的编排起到了极佳的平衡作用。它并非全程都是高亢激昂的板式，而是随着情节的推进，在紧张时用急促的鼓点和紧密的弦乐来推动情绪，而在表达内心的挣扎和对命运的无力感时，则转为悠远哀婉的笛音和琵琶的拨弦。这种“抑扬顿挫”的音乐处理，使得原本可能略显拖沓的文戏部分，也变得层次分明、扣人心弦。特别是那几段情绪爆发点，乐师们对力度和音色的把控简直达到了出神入化的地步，完全做到了“以乐载情”，让那些没有唱词的瞬间，也充满了张力。对于初次接触这类艺术形式的观众而言，这种优秀的音乐引导，无疑是降低了欣赏门槛的绝佳方式。

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这次的观剧体验，让我重新审视了“审美疲劳”这个词。我们总觉得在信息爆炸的时代，很难再被什么东西真正震撼到，但这部作品成功地做到了“返璞归真”。它没有采用任何花哨的现代科技噱头，所有的震撼都来自于对细节的极致打磨和对人物内心世界的深刻挖掘。服装的刺绣工艺，从近景看去，那每一针一线都仿佛带着岁月的痕迹，讲述着家族的兴衰与个人的悲欢。演员们对眼神的运用尤其值得称赞，一个眼神的流转，能承载比十句唱词更多的信息量。这种需要观众主动投入、细心体会的表演方式，与当下流行的即时满足感形成了鲜明对比。它强迫你慢下来，去感受那种古典美学中特有的克制与蕴藉，看完后，你会觉得自己的心境都沉静了不少。

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我得承认，我对古典园林题材的作品抱有一种莫名的情愫，而这部作品在对这种“移步换景”的古典美学空间重构上，做得极为出色。它不仅仅是简单地搭了一个舞台布景，更像是在三维空间里为我们构建了一个可供游走的、充满诗意的私密世界。那些精巧的太湖石、层叠的芭蕉，以及巧妙利用的纱幔，都让观众感觉自己仿佛是误入了某个尘封已久的名门望族府邸的后花园。更妙的是，导演没有拘泥于历史的僵硬复刻，而是融入了一些现代的舞台理念，比如利用镜面反射来拉伸空间感，使得原本局限的舞台瞬间变得深邃广阔。这种处理方式既保留了原作的典雅气质，又注入了新的生命力，让习惯了快节奏的当代观众也能迅速找到共鸣点。看完演出，我脑海里萦绕的不是情节本身，而是那份幽静、那份在繁花深处寻求自由的渴望。

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这部戏曲的舞台呈现简直是一场视觉与听觉的盛宴，每一个布景、每一件服装都透露出制作方的匠心独运。灯光设计尤其令人称道，它不是简单地照亮舞台，而是如同一个无声的叙述者，随着剧情的跌宕起伏而变化万千，时而朦胧迷离，烘托出梦境的虚幻感；时而明亮聚焦，凸显人物内心的挣扎与抉择。演员们的表演更是无可挑剔，他们的身段、水袖的运用，无不精准地传达着角色的情感深度。尤其是主角那段穿越梦境与现实的独白，其气息的控制和情感的爆发力，让人屏息凝神，仿佛自己也一同经历了那份跨越时空的爱恋与哀愁。整个演出过程中，观众席间几乎没有杂音，所有人都沉浸在那份古典美学的氛围之中，不得不佩服传统艺术的强大感染力，它能用最精炼的肢体语言和唱腔，讲述出最复杂的人性故事。散场后，那种久久不能平复的震撼感，仿佛在心中留下了一枚精致的印记，让人回味无穷。

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史恺悌的《场上〈牡丹亭〉：一部中国戏剧4个世纪的生涯》让我想到了罗兰·巴特的《作者之死》。当明末文人戏剧家写完剧本以后，就对于剧本失去控制了。清代昆曲表演家和观众，海外导演和观众，都从自己的美学和情感需求角度出发创立了和戏剧家意图相同或者完全不同的作品。究竟谁是先锋？谁是正统？

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史恺悌的《场上〈牡丹亭〉：一部中国戏剧4个世纪的生涯》让我想到了罗兰·巴特的《作者之死》。当明末文人戏剧家写完剧本以后，就对于剧本失去控制了。清代昆曲表演家和观众，海外导演和观众，都从自己的美学和情感需求角度出发创立了和戏剧家意图相同或者完全不同的作品。究竟谁是先锋？谁是正统？

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史恺悌的《场上〈牡丹亭〉：一部中国戏剧4个世纪的生涯》让我想到了罗兰·巴特的《作者之死》。当明末文人戏剧家写完剧本以后，就对于剧本失去控制了。清代昆曲表演家和观众，海外导演和观众，都从自己的美学和情感需求角度出发创立了和戏剧家意图相同或者完全不同的作品。究竟谁是先锋？谁是正统？

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史恺悌的《场上〈牡丹亭〉：一部中国戏剧4个世纪的生涯》让我想到了罗兰·巴特的《作者之死》。当明末文人戏剧家写完剧本以后，就对于剧本失去控制了。清代昆曲表演家和观众，海外导演和观众，都从自己的美学和情感需求角度出发创立了和戏剧家意图相同或者完全不同的作品。究竟谁是先锋？谁是正统？

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史恺悌的《场上〈牡丹亭〉：一部中国戏剧4个世纪的生涯》让我想到了罗兰·巴特的《作者之死》。当明末文人戏剧家写完剧本以后，就对于剧本失去控制了。清代昆曲表演家和观众，海外导演和观众，都从自己的美学和情感需求角度出发创立了和戏剧家意图相同或者完全不同的作品。究竟谁是先锋？谁是正统？