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出版者:印刷工业

作者:王武林

出品人:

页数:147

译者:

出版时间:2006-6

价格:28.00元

装帧:

isbn号码:9787800006067

丛书系列:

图书标签:

• 设计
• 书籍设计
• 平面设计
• 视觉传达
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• 书籍装订
• 设计原理
• 创意
• 艺术设计
• 出版物设计

《书籍设计》 一、 纸张的灵魂：感知与触感 一本真正触动人心的书籍，往往从指尖的触碰开始。《书籍设计》一书，将带领读者深入探索纸张的奥秘，它不仅仅是文字的载体，更是承载思想情感的媒介，是读者与书中世界建立初始连接的桥梁。 我们从最基础的“纸张”入手。对于书籍而言，纸张的选择绝非随意。它的质地、厚度、表面处理，乃至颜色，都深刻影响着阅读体验。比如，轻盈蓬松的纸张，会让厚重的史书显得不那么压抑，增添一份历史的沉淀感；而光滑细腻的纸张，则能让色彩鲜艳的画册更加夺目，每一笔的细节都得以清晰呈现。 书中将细致分析不同种类纸张的特性。例如，抚摸时带有细腻纹理的艺术纸，其独特的触感能瞬间提升书籍的艺术品位，常用于精装书的封面或内页，为读者带来一种触手可及的质感享受。而更为常见的道林纸，其温润的质感和适中的厚度，使其成为大多数印刷书籍的首选，能够平衡视觉上的舒适度和阅读的便捷性。再者，一些特殊的纸张，如带有天然纤维纹理的再生纸，不仅环保，其质朴的外观也为书籍注入了独特的生命力，尤其适合追求自然、人文气息的作品。 纸张的“重量”——也就是它的克重，也至关重要。克重越高的纸张，通常越厚实，手感越好，不易透页，能够让书籍显得更加“有分量”，给人一种坚实、可靠的感觉。相反，较轻的纸张则在保证阅读舒适度的前提下，能够减轻书籍的整体重量，方便携带，尤其适合需要经常翻阅或旅行时阅读的书籍。 颜色的选择同样蕴含着深远的意义。纯净的白色纸张固然经典，但微黄的米白、泛着淡淡暖意的象牙白，甚至是略带灰调的冷白，都能在不经意间影响读者的情绪。温暖的米白色纸张，能够舒缓眼部疲劳，营造出温馨、宁静的阅读氛围，特别适合小说、散文等需要沉浸式阅读的内容。而略带灰调的纸张，则可能赋予书籍一种更为内敛、深邃的质感，适合哲学、历史类书籍，让读者在阅读时更能进入思考的状态。 《书籍设计》还将探讨纸张的“表面处理”。是光滑如镜，还是哑光柔和？是带有细微的凹凸纹理，还是经过特殊的涂布处理？这些细节，都将直接影响光线的反射，进而影响阅读的舒适度。高光泽的表面会产生眩光，不利于长时间阅读，但能使色彩更加鲜艳，适合图片密集型的书籍。而哑光表面则能有效减少反光，提供更为柔和的阅读体验，尤其适合文字量大的书籍。 甚至，书中会触及到纸张的“气味”。虽然这在现代书籍设计中可能不是最优先考虑的因素，但一些精心制作的书籍，会选用带有天然香气的纸张，或者在印刷过程中使用环保的油墨，让书籍散发出淡淡的油墨香或纸浆香，这种微弱的气味，反而能勾起读者对阅读的怀旧情结，成为一种独特的感官体验。 总之，《书籍设计》旨在唤醒读者对纸张的感知能力，让大家明白，每一张被选用的纸张，都承载着设计师的匠心独运，都将成为书籍灵魂的一部分，默默地影响着读者的阅读情绪和深度。 二、 笔墨的交响：字体与排版的艺术 文字是书籍的骨架，而字体与排版，则是赋予这骨架生命与灵魂的灵魂乐章。《书籍设计》将深入剖析字体的选择与排版布局的精妙之处，它们共同奏响了一曲和谐而富有表现力的阅读交响。 首先，我们聚焦于“字体”。字体不仅仅是信息传递的工具，更是情感与风格的表达者。从经典的衬线体到现代的无衬线体，每一种字体都有其独特的性格与语境。《书籍设计》将详细介绍不同字体的历史渊源、设计理念及其在书籍中的适用性。 衬线体，如经典的宋体、明体（Times New Roman），其横画末端的衬线（serifs）赋予了文字一种优雅、沉稳的古典美。这种字体易于阅读，尤其适合大段的文字内容，能引导读者的视线在字里行间流畅地滑动，仿佛在阅读一篇娓娓道来的故事。衬线体常被用于小说、历史著作、学术论文等，营造出一种严肃、权威而又不失人文关怀的阅读氛围。 无衬线体，如黑体、思源黑体（Arial, Helvetica），则以其简洁、现代的设计风格，展现出清晰、利落的面貌。它们去除了繁复的衬线，使得文字更加直接、有力。无衬线体在书籍设计中，常用于标题、副标题、引言，或者一些追求现代感、科技感的书籍，如设计类、IT类、科普类读物。它们简洁的线条能够吸引读者的注意力，传达出信息高效、直接的特点。 然而，字体的选择并非二元对立。组合使用不同字体，能够形成更为丰富的视觉层次和情感表达。《书籍设计》将指导读者如何巧妙地搭配字体，比如，用醒目的无衬线体作为标题，用易于阅读的衬线体作为正文。这种对比不仅能突出标题的重要性，还能在整体设计上产生视觉上的和谐与平衡。 除了字体本身，字号的大小、行距的疏密、字间的距离（kerning）和字的间距（tracking），共同构成了“排版”的艺术。这些看似细微的调整，却对阅读的流畅性和舒适度有着决定性的影响。 “字号”的大小，直接影响着阅读的便捷性。过小的字号会让眼睛疲劳，而过大的字号则可能显得冗余，浪费版面。不同的书籍类型、目标读者群体，都需要考量最合适的字号。儿童读物需要较大的字号，以便他们认读；而学术专著则可以采用稍小的字号，以容纳更多信息。 “行距”（leading）是文字段落之间的垂直空间。恰当的行距能够分隔开不同的行，避免文字挤压在一起，提供清晰的视觉导向，让读者能够轻松地找到下一行的起点。太窄的行距会让文字显得拥挤，阅读起来费力；太宽的行距则可能显得空疏，破坏段落的整体感。 “字间距离”（kerning）是指特定字母组合之间微调的距离。例如，在“AV”这样的组合中，字母“A”的右侧和字母“V”的左侧可能会留有缝隙，通过调整 kerning，可以使这两个字母看起来更加紧密，整体视觉效果更佳。 “字的间距”（tracking）则是指整个词语或段落的字母间距的统一调整。增加 tracking 可以使文字显得更为舒展、轻盈，减少 tracking 则会使文字显得更为紧凑、有力。 《书籍设计》还将深入探讨“段落的组织”。如何划分段落？段落的开头是否需要缩进？页面底部是否应该避免出现段落的结尾（“悬浮行”）？这些细节的考量，都体现了设计师对阅读流程的尊重和对信息呈现的专业态度。 此外，书中还会介绍“对齐方式”（alignment）的影响。左对齐、右对齐、居中对齐、两端对齐，每一种对齐方式都赋予了文本不同的视觉气质。左对齐通常是最自然、最易于阅读的，适合大多数书籍。两端对齐则能够形成整齐的页面边缘，显得更为规整、正式，但需要注意避免出现过大的词间距。 总而言之，《书籍设计》旨在揭示字里行间的奥秘，让读者明白，每一次字体选择，每一次行间调整，都是设计师在用无声的语言与读者沟通，共同编织出一段段流畅、舒适、且富有表现力的阅读旋律。 三、 视觉的语言：色彩、图像与封面艺术 一本引人入胜的书籍，离不开视觉元素的巧妙运用。《书籍设计》将带领读者领略色彩、图像与封面艺术的魅力，它们如同书籍的灵魂之翼，吸引读者，传递信息，并最终留下深刻的印象。 我们首先从“色彩”谈起。色彩不仅仅是装饰，更是传递情感、营造氛围的关键。不同的色彩组合能够唤起读者截然不同的情绪和联想。 书中将深入分析色彩理论在书籍设计中的应用。比如，温暖的色调（如红色、橙色、黄色）常常带来热情、活力、积极的感觉，适合励志类、儿童类或节庆主题的书籍。而冷色调（如蓝色、绿色、紫色）则可能营造出宁静、沉稳、神秘或清新的氛围，适用于文学、心理学、自然科学等领域。 黑白灰的经典配色，以其简洁、高级、不失庄重的特质，在书籍设计中占据着重要地位。它能够突出文字和图像本身的内容，避免不必要的干扰，营造出一种永恒的、经典的质感。 《书籍设计》还将探讨色彩的“对比度”和“饱和度”对阅读体验的影响。高对比度的色彩组合能够瞬间抓住读者的眼球，适合标题或强调性的元素。而低饱和度的色彩则显得更为柔和、内敛，能够营造出一种雅致、舒适的阅读环境。 色彩的运用也与书籍的“主题”和“目标读者”息息相关。儿童读物通常会使用明亮、鲜艳、富有童趣的色彩，以吸引孩子的注意力。而学术专著则倾向于使用更为保守、专业的色彩搭配，以体现其严谨性。 接下来，我们聚焦于“图像”。在书籍中，图像的出现绝非仅仅为了“好看”。它们是文字内容的视觉化延伸，是信息的补充，是情感的共鸣，是引导阅读的有力工具。 《书籍设计》将分析不同类型图像在书籍中的作用。照片，能够提供真实、直观的视觉呈现，让读者更贴近内容。插画，则以其独特的艺术风格，能够为书籍注入情感、想象和个性。图表和示意图，更是将复杂的数据和概念以清晰、易懂的方式呈现出来，极大地提升了信息的可读性。 书中将探讨图像的“尺寸”、“位置”和“布局”的重要性。一张恰到好处的图片，能够瞬间吸引读者的目光，并有效地传达信息。如何将图像与文字巧妙地融合，形成一个和谐的整体，避免视觉上的冲突，是设计师需要深入思考的问题。 此外，图像的“风格”与书籍的整体“调性”也需要保持一致。写实风格的照片，适合纪实类、历史类书籍；而抽象或卡通风格的插画，则更适合儿童读物或创意类书籍。 最后，我们来到书籍的“门面”——“封面艺术”。封面是书籍给人的第一印象，它承载着吸引读者、传达书籍核心信息的重任。 《书籍设计》将深度解析一个成功的书籍封面所应具备的要素。一个优秀的封面，首先要“点题”，能够准确地传达书籍的内容和风格。其次，它需要具有“艺术性”和“独特性”，能够在众多书籍中脱颖而出，吸引读者的目光。 书中将探讨封面设计中“构图”、“色彩”、“字体”和“图像”的有机结合。如何通过巧妙的构图，突出书籍的重点？如何运用色彩，营造出引人入胜的氛围？如何选择恰当的字体，与封面图像形成和谐的视觉语言？ 《书籍设计》还将介绍不同类型的封面设计风格，如极简风格、复古风格、拼贴风格、插画风格等，并分析它们各自的特点和适用范围。 例如，一个极简风格的封面，可能只用一种主色调，搭配一个醒目的标题，却能营造出一种高级、深刻的艺术感。而一个充满细节的插画封面，则能瞬间将读者带入书中奇幻的世界。 书中还会强调封面的“可识别性”。即使在远处，读者也应该能够大致辨认出书籍的类型或主题。同时，封面设计也需要考虑到“书籍的体量”和“目标读者群体”的偏好。 总之，《书籍设计》将带领读者一起探索视觉语言的无限可能，从色彩的跳跃，到图像的诉说，再到封面的呼唤，让每一本书都拥有令人难忘的视觉魅力，成为连接作者与读者之间，最直接、最动人的桥梁。

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这本书的装帧设计本身就是一件值得称道的艺术品，这或许是作为一名设计爱好者最先注意到的地方。封面材质的触感、内页的纸张选择，乃至字体排版的细微调整，都透露出一种匠心独运的考量。它不是一本随便印印就上市的草稿集，而是对“媒介”本身进行了一次深度的致敬。内容上，它巧妙地平衡了理论的深度和实践的可操作性。作者对于不同文化背景下的设计语言差异的探讨，开阔了我的国际视野。我以前总习惯于用单一的视角去看待问题，但这本书却展示了全球设计界的多元生态，让我意识到，好的设计永远是具有地域性和时代性的。它鼓励我们去拥抱差异，而不是盲目模仿主流。这种鼓励探索和批判性思考的态度，对于任何想在这个领域走得更远的人来说，都是极其宝贵的财富。

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哇，最近翻阅的这本书，真是让人耳目一新！它没有那些老生常谈的理论堆砌，而是以一种极其鲜活的方式，带你领略了设计的精髓。我尤其欣赏作者那种对细节的极致追求，每一个章节的过渡都像是精心编排的乐章，流畅而富有节奏感。书中的案例分析，选材角度刁钻又充满启发性，不是那种人尽皆知的“成功范例”，而是深入挖掘了那些被忽略的角落，让我们看到原来一个简单的字体选择、一个巧妙的留白，背后蕴含着多么深厚的思考。读着读着，我感觉自己仿佛置身于一个充满灵感的工坊，身边的空气都弥漫着创意的味道。它没有直接告诉你“该怎么做”，而是通过层层递进的引导，激发你自己的潜力，让你在实践中去体会设计的魔力。这本书更像是一位经验老到的导师，在你迷茫时轻轻推一把，让你自己找到通往卓越的路径。那种顿悟的感觉，真不是随便翻几本教程就能获得的。

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我向来对那些只会炫耀“技术难度”的书籍不感兴趣，我更看重的是背后的哲学思想。这本书在这方面做得相当出色。它没有过多纠缠于Photoshop或Sketch的新功能，而是探讨了设计思维的底层逻辑——如何提炼信息、如何构建视觉叙事。书中引用了许多跨界的思想，从建筑学到心理学，甚至涉及一点点人类学，这种跨学科的融合，让设计不再是一个孤立的技能点，而成为了理解世界的一种方式。阅读过程就像在解一个复杂的谜题，每读完一章，都会有一个新的线索浮现，让你对全局的把握更加清晰。这种智力上的挑战和满足感，是其他很多读物无法给予的。它不仅仅是一本工具书，更像是一本关于“如何思考”的指南。

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这本书最让我感到震撼的是它对待“失败”的态度。很多设计书籍只展示光鲜亮丽的成功案例，让人产生一种错觉，仿佛设计就是一帆风顺的创作过程。而这本书敢于直面那些曲折的迭代过程，坦诚地分析项目中遇到的瓶颈、被客户否决的原因，以及如何从这些“错误”中汲取养分，最终实现超越。这种坦诚和真实感，极大地缓解了创作者在面对压力时的焦虑。它传递出的信息是：设计是一个不断试错、不断修正的动态过程，完美主义是实现创意的最大敌人。这种务实而又充满人文关怀的视角，让这本书在众多技巧性强的书籍中脱颖而出，成为了我书架上最常被翻阅的那一本“心灵鸡汤”——只不过，它是用最扎实的设计方法论来熬制的。

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说实话，一开始拿起这本书时，我还有点担心它会不会过于学院派，枯燥乏味，毕竟市面上这类书籍汗牛充栋，大多都是一个套路。然而，这本书完全颠覆了我的预期。它的语言风格极其洒脱，带着一种特有的幽默感，让你在轻松愉快的阅读体验中，不知不觉地吸收了大量的知识。作者在探讨一些复杂的设计原则时，总是能用生活化的比喻来解释，仿佛在和你一起喝咖啡聊天，而不是高高在上地布道。我特别喜欢其中关于“用户体验”的那一部分，它没有用那些冷冰冰的技术术语轰炸你，而是聚焦于“人”的需求和感受，强调设计最终是为人服务的。读完这部分，我对以往自己的一些设计决策产生了深刻的反思，发现很多时候我们太容易陷入工具和技术的迷障，而忘记了设计的初心。这本书的价值就在于，它帮你拨开迷雾，回归本质。

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有志于书籍设计的新手，不妨买这一本。很实用，很实在

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