涂志伟油画人体/海外中国油画家

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出版者:天津人民美术出版社
作者:徐志伟
出品人:
页数:48 页
译者:
出版时间:2005-8-1
价格:36.0
装帧:平装
isbn号码:9787530529621
丛书系列:
图书标签:
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具体描述

每种艺术都有各自的伟大艺术家。每个艺术家都希望在各自的领域里攀上巅峰。只有少数几位能够巍然屹立,只有少数几位在后代被人们记得。这幸运的少数几位有巨大成就的艺术家将被历史记载并受到崇敬。

徐志伟是一位油画大师,是被每一位观赏其艺术作品的人所赞誉的大画家。作为最受敬重的中国写实画家之一,徐志伟在美国和许多其他国爱也同样受到敬重。

作为一个艺术家,徐志伟有能力用他作品中去捕捉生活。生活的幻象通过色的变幻和光的层次表现出来的画面,深深震撼了观众的心,这就是大师的手笔。情感是难以捉摸的,它是内在精神的表达。徐志伟能运用、结合逼真的细节和抽象的手法表现内在精神于画面之上,是他的天才所在。

徐志伟1951年出生在中国广东粤北山区,现居美国伊利诺州,并担任全美油画家协会主席、大师级会员。他已在中国北京、广州、香港、台北和日本、阿尔及利亚、新加坡、加拿大、英国、法国和美国的东部纽约到西部加州,举办过20多次个展和50多次联展。徐志伟是一位在国际上相当杰出、备受赞誉的艺术家。

艺术的边界与探索:当代西方绘画的多元图景 本书汇集了二十世纪下半叶以来,一批活跃在国际艺术舞台上的杰出西方及受西方艺术思潮深刻影响的非西方裔艺术家的重要作品与创作理念。它并非聚焦于某一位艺术家的个人创作历程,而是旨在勾勒出当代西方语境下,绘画艺术在形式、观念与媒介融合方面所展现出的多元化趋势与深刻反思。 我们深入探讨了后现代主义思潮对传统绘画范式的颠覆,尤其关注那些挑战“再现”本质、转向“观念阐释”的绘画实践。全书分为四个核心部分,力图全面展现当代绘画的复杂性与活力。 第一部分:具象的消解与重构——后具象主义的语境 本部分集中考察了在抽象表现主义热潮退却后,重新回归“形象”的艺术家群体。然而,他们的“具象”已不再是古典意义上的忠实描摹,而是带着强烈的个人心理投射、文化符号的挪用与解构。 主题一:图像的碎片化与拼贴叙事。 我们分析了那些深受波普艺术影响,但更具内在焦虑感的艺术家。他们的画布上充满了来自大众媒体、历史文献与个人记忆的破碎图像。这些图像的并置并非为了构建统一的故事线,而是模拟现代社会信息过载下个体认知结构的体验。重点剖析了如何通过非线性的叙事结构,挑战观众对“真实”与“意义”的既有认知。 主题二:新表现主义的回归与异化。 探讨了上世纪八十年代以来,一股强调情感冲击力和粗粝笔触的“新表现主义”浪潮。与五十年代的早期表现主义不同,这一阶段的艺术家往往使用更具批判性的视角,描绘当代都市生活的疏离感、身份政治的冲突,以及技术对人类精神的异化。我们详细考察了他们如何运用极端的色彩对比和夸张的形体语言,来表达一种深刻的“在场”与“缺席”的矛盾状态。 主题三:对传统母题的当代转译。 选取了几位具有代表性的艺术家,分析他们如何处理如肖像、风景、静物等经典绘画母题。例如,有艺术家将历史上的神话人物置于冰冷的现代工业景观中,探讨时间、权力和记忆的流变;另一些则通过对风景的极端抽象化处理,表达人与自然关系的紧张与失衡。这些作品不再满足于美学愉悦,而是承担了深刻的文化批判功能。 第二部分:媒介的边界:绘画的拓扑学实验 当代绘画的核心特征之一,便是对传统媒介定义的主动侵蚀与拓宽。本章聚焦于艺术家如何通过材料的创新和对画布边界的拓展,挑战“绘画”这一概念的固有形态。 主题四:绘画与装置的对话。 深入分析了那些超越传统二维平面的作品。一些艺术家开始在画布上嵌入或叠加非传统的材料,如金属、塑料、织物甚至电子元件。这些作品模糊了绘画与雕塑、装置之间的界限,要求观众从空间性、时间性维度去重新理解“画面的存在”。 主题五:数字技术与模拟笔触的融合。 探讨了数字创作工具对传统绘画的影响。部分艺术家利用数字打印或投影技术作为创作的初始步骤,随后再在之上进行手绘干预,形成一种“数字-模拟”的混合体。这不仅关乎技术的使用,更关乎艺术家如何看待原创性与复制性在数字时代的新关系。 主题六:对“支撑物”的颠覆。 考察了艺术家如何放弃传统的布面或木板,转而使用镜面、透明材料、甚至直接在墙面或地面上作画。这种对支撑物(support)的选择,直接影响了作品对光线、环境和观众视角的反应,使绘画成为一种与环境相互作用的动态场域。 第三部分:观念的优先性:绘画作为一种思维方式 在许多当代艺术实践中,观念的重要性超越了技法和视觉效果。本部分关注那些将绘画视为一种哲学或社会学探讨工具的创作。 主题七:语言与图像的张力。 剖析了那些在画面中大量融入文字、符号或图表的艺术家。这些文字并非对图像的简单注释,而是与图像形成一种辩证关系——文字可能质疑图像的真实性,图像则可能揭示文字背后的意识形态偏见。这部分体现了绘画在参与当代哲学思辨中的作用。 主题八:极简主义的后遗症与图像的“去物质化”。 尽管极简主义在六十年代达到顶峰,但其对形式纯粹性的追求并未消失,而是以一种更隐蔽的方式渗透到后来的作品中。我们分析了那些运用极其微妙的色彩渐变、平坦的色域,试图引导观众进入一种冥想状态的作品。这里的“绘画”更接近于一种对感知阈值的探索,而非对客体的描绘。 主题九:身份政治与视觉抵抗。 聚焦于那些利用绘画这一媒介来挑战主流叙事、表达边缘化群体经验的艺术家。他们的作品往往充满了象征意义的编码,通过对光线、肤色、服饰等细节的精心处理,构筑起视觉上的抵抗姿态,迫使观众直面社会结构中的权力不平等。 第四部分:全球化背景下的地域性回响 随着艺术世界的日益互联,西方艺术的“中心”概念受到挑战,本部分旨在呈现全球化语境下,不同文化背景的艺术家如何吸收西方现代主义语言,并将其转化为具有强烈本土烙印的创作。 主题十:传统工艺与当代审美的交汇。 考察了那些将本土的纺织技术、雕刻传统、或非西方绘画技法融入到油画或丙烯创作中的实践。这种融合不仅是形式上的嫁接,更是对本土文化知识体系在当代艺术场域中价值的重新确立。 主题十一:对殖民历史的绘画式反思。 分析了艺术家如何通过挪用、戏仿或颠覆西方艺术史中的经典构图或形象,来审视本国与西方之间的复杂历史纠葛。绘画成为一种批判性的历史编纂工具,旨在“重写”那些被主流艺术史所忽略或压制的记忆。 本书通过对这些横跨不同流派、地域和观念的艺术家作品的细致梳理,试图描绘出当代西方绘画语境下,一场持续不断、充满张力的创新与对话。它展现的不是一种固定的风格,而是一种探索的姿态,一种对绘画作为人类经验载体无限可能性的热忱。

作者简介

徐志伟,1951年生于广东省翁源县。1975年和1981年毕业于广州美术学院油画系,并获得文学硕士学位。1980年获广东青年美术展览一等奖,并加入广东美术家协会。1985年加入中国美术家协会。1986年广东美协举星河展首届涂志伟近作展。1987年获阿尔及利亚文化荟萃集体金奖,同时赴美国留学。1990年获美国杜瑞克大学艺术硕士,1993年获全美油画家协会大赛银奖,1997年获全美油画家协会荣誉会员,1998年获第七届全美油画家协会年度大赛金牌。1987年定居美国并在著名画廊展出。期间为旅行者保险公司创作大型油画,并从1994年起在本中心发表作品,并参加台湾、新加坡国际艺术博览会,系列作品从“心灵视窗”至“敦煌乐舞”为90年代最具代表性!2000年至现在被美油画家协会选为理事,任常务理事和艺术评委主人行。2002年获全美国油画家协会第11届年展的大师给会员头奖,被选为该协会副主席。2004年被选为主席。

目录信息

读后感

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用户评价

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作为一个长期关注当代艺术教育和人才流动的观察者,我很想了解这些“海外中国油画家”群体是如何在全球化的艺术市场中定位自己的。涂志伟先生无疑是其中的佼佼者,他的成功不仅仅是技艺上的精湛,更在于他成功地构建了一种属于自己的、能够被国际艺术界所理解和接纳的叙事方式。这本书如果能提供一些关于他在国际展览、画廊合作,乃至学术交流中的具体案例,那对于正在摸索国际化道路的年轻一代中国艺术家来说,将是极其宝贵的经验总结。单纯的图像堆砌固然震撼,但如果能搭配上一些幕后资料,比如他如何选择主题、如何应对不同文化语境下的批评声音,甚至是他对当代审美趣味变化的适应与坚持,这本书的实用价值和研究价值就会大大提升。它不应只是对过去的总结,更应成为对未来的启示。

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我对艺术评论的深度要求总是比较高,希望文字部分能够超越简单的介绍和赞美,触及到技术与哲学的交汇点。尤其是在油画人体这一领域,如何处理光影层次带来的体积感与皮肤表层所传递的微妙情绪张力,是衡量一位画家功力的试金石。我期望这本书的导读或评论文章能够深入剖析涂志伟先生在色彩调配上是如何实现那种既厚重又通透的质感的,他是如何平衡传统严谨的解剖结构与他追求的那种略带模糊、梦幻般的氛围感的?这种平衡的艺术是极难把握的。如果评论者能用专业的艺术语言,结合他对材料特性的理解,来解读他画布上那些看似不经意却暗含深意的笔触,那么这本书就不再是简单的视觉欣赏,而是一堂高水平的油画技术与美学研讨课,能够真正启发和提升读者的鉴赏力和创作思维。

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我对涂志伟先生的艺术语言一直抱持着一种既敬畏又好奇的复杂情感。他的作品里有一种难以言喻的“力量感”,那不是简单粗暴的笔触堆砌,而是一种深植于对古典造型学理解之上的现代性表达。我总觉得,他的画作仿佛跨越了东西方的文化藩篱,既有欧洲学院派对人体结构的精准把握,又流淌着东方艺术家特有的那种对光影和氛围的诗意捕捉。阅读任何关于他的评论或深度访谈时,我总会留意他对于“观看”的哲学思考,那种从观看者到被观看者的身份转换,是如何影响他最终落笔的。这本书如果能更深入地挖掘这种内在的哲学思辨,而非仅仅停留在作品展示层面,那它的价值将远超一本普通的画册。我期待在其中看到更多关于他创作心路历程的深度剖析,那些关于形体与空间、真实与虚幻之间界限模糊的处理,究竟是如何在他脑海中构建起来的。

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这本书的装帧设计真是令人眼前一亮,那种厚重的质感,配合封面那种略带磨砂的处理,一上手就能感受到它不同于一般艺术画册的用心。内页的纸张选择也非常考究,印刷色彩的还原度高得惊人,即便是对着电脑屏幕上那些数码图片,也能感受到原作肌理的微妙变化。我尤其欣赏它在版式布局上的克制与大气,没有将画面塞得满满当当,而是给每一幅作品留出了足够的“呼吸空间”,让观者可以沉浸其中,细细品味画家笔触的每一个转折。这种对细节的执着,无疑体现了出版方对涂志伟先生艺术成就的尊重。虽然我手中暂无实体书,但仅从网络上流传的零星样张来看,这本书的工艺水准绝对是收藏级的,对于热衷于当代具象绘画,尤其是关注海外华人艺术生态的爱好者来说,这本书的物理呈现本身就是一种享受。它不仅仅是一本作品集,更像是一件精心雕琢的工艺品,展示了出版界对严肃艺术文献的敬意。

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从一个纯粹的艺术史角度来看,涂志伟先生的实践具有非常重要的坐标意义。在当代艺术思潮不断转向观念和装置的语境下,他坚持对油画媒介,尤其是对经典的人体写实技巧的坚守,本身就是一种宣言。这并非是复古的回归,而是一种在继承中批判性发展的尝试。他并没有简单地复制老大师的技法,而是用一种近乎冷峻的、现代的眼光重新审视人体这一永恒的主题。我非常关注他在处理不同文化背景下的模特时,其视角和情感的微妙变化。是否因为他身处海外,这种“局外人”的身份反而让他对人体的观察更加客观、锐利,少了一些本土文化固有的包袱?如果这本书能收录一些他早期在亚洲的创作与后期在西方成熟期的作品进行对比,形成一种跨越地域的对话,那将是对他艺术生涯轨迹非常精妙的梳理,也能让读者更清晰地把握他艺术语言的演变脉络。

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