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出版者:上海音乐出版社

作者:熊道儿，金莱编注

出品人:

页数:134

译者:

出版时间:2006-5

价格:25.00元

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isbn号码:9787806678756

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《指尖上的音符：精选钢琴作品赏析与演奏技法》 本书并非专注于某个特定练习曲集的讲解，而是以一种更广阔的视野，深入探索古典与近现代钢琴音乐的丰富宝藏，旨在为钢琴爱好者、学生及演奏者提供一份兼具理论深度与实践指导的综合性指南。我们将带领读者穿越几个世纪的音乐时光，品味那些流传至今、被誉为钢琴音乐瑰宝的杰作，同时，也会剖析这些作品背后蕴含的演奏技法与音乐表现的精髓。 第一部分：钢琴艺术的源流与演变——理解音乐的语境 在深入具体的作品之前，理解钢琴音乐发展的宏观脉络至关重要。本部分将追溯钢琴乐器的诞生与早期发展，探讨其如何从羽管键琴和击弦古钢琴演变而来，以及其音响特性和表现力的提升如何深刻影响了音乐创作。 键盘乐器的前世今生： 从中世纪的管风琴、鲁特琴，到文艺复兴时期的维吉纳琴、羽管键琴，再到巴洛克时期击弦古钢琴的出现，我们将梳理键盘乐器发展的时间线，重点介绍每种乐器在音色、力度控制、技巧表现上的特点，以及它们如何为钢琴的出现奠定基础。 钢琴的诞生与早期传播： 详细介绍克里斯托福里发明的击弦古钢琴（Fortepiano）是如何革新了键盘乐器的历史，以及这种新型乐器如何迅速在欧洲传播，吸引了巴赫、海顿、莫扎特等音乐大师的关注。我们将探讨早期钢琴在结构、材料、音域等方面的特点，以及这些特点如何影响了早期键盘音乐的创作。 古典主义时期的辉煌： 聚焦海顿、莫扎特、贝多芬等大师的钢琴作品。我们将分析他们的奏鸣曲、变奏曲、奏鸣曲式等重要体裁，探讨其音乐结构、旋律发展、和声语言以及演奏风格的特点。例如，莫扎特作品中清澈灵动的旋律与精致的对位，贝多芬作品中澎湃的力量感与深刻的情感表达，都将成为我们深入剖析的对象。 浪漫主义的激情与抒情： 探索肖邦、李斯特、舒曼、勃拉姆斯等浪漫主义时期作曲家为钢琴音乐带来的革命。我们将研究他们作品中丰富细腻的情感，对技巧的极致追求，以及和声、节奏、织体上的创新。例如，肖邦练习曲对特定技巧的系统性训练，李斯特炫技性的音乐会练习曲对钢琴表现力的极限挑战，舒曼音乐中诗意的幻想与叙事性，以及勃拉姆斯作品中深沉的内省与宏大的建筑感，都将是本部分探讨的重点。 印象派与新古典主义的探索： 简述20世纪初印象派作曲家如德彪西、拉威尔，以及新古典主义时期作曲家如斯特拉文斯基等人，如何通过革新和声、音色、节奏，以及对传统曲式的重新诠释，为钢琴音乐开辟了新的道路。 第二部分：名家名作的深度剖析——技巧与音乐的完美融合 本部分将精选一系列具有代表性的钢琴作品，从演奏技法、音乐结构、情感表现等多个维度进行详细分析。我们并非一一讲解练习曲，而是选择那些集技巧性与艺术性于一体的经典曲目，帮助读者理解如何在掌握技术的同时，赋予音乐生命。 巴赫的复调艺术与键盘织体： 以《平均律钢琴曲集》中的赋格曲和前奏曲为例，深入分析巴赫作品中严谨的复调结构，讲解如何在演奏中清晰地呈现各声部线条，以及如何通过触键、力度变化来表现不同声部的性格。我们将探讨巴赫作品对演奏者听觉能力、手指独立性、以及对位理解的训练价值。 莫扎特奏鸣曲的优雅与平衡： 选择莫扎特几首著名的奏鸣曲（如K.331的土耳其进行曲，K.545的C大调奏鸣曲）进行分析，重点探讨莫扎特音乐中清晰的旋律线条，精巧的动机发展，以及如何在演奏中把握其歌唱性与古典主义的均衡之美。我们将讨论如何通过精准的触键和灵动的节奏来呈现其纯净明亮的音色。 贝多芬奏鸣曲的力量与戏剧性： 选取贝多芬不同时期的奏鸣曲（如“悲怆”、“月光”、“热情”）作为研究对象。分析其音乐的结构性、情绪的冲突与发展，以及对力度、踏板、音色的复杂运用。我们将深入探讨贝多芬作品中蕴含的英雄主义精神、内心挣扎与哲学思考，以及如何在演奏中展现这些深刻的情感。 肖邦的诗意浪漫与炫技： 重点分析肖邦的夜曲、玛祖卡、波兰舞曲以及著名的练习曲（非系统性讲解，而是选取代表性片段）。我们将探讨肖邦音乐中独特的美声唱法式的旋律，细腻的情感表达，以及其对钢琴音色、踏板运用的革新。分析其练习曲如何将艰深的技巧融入诗意的乐句中。 李斯特的宏大叙事与技术巅峰： 以《爱之梦》、《匈牙利狂想曲》或《彼特拉克十四行诗》等作品为例，揭示李斯特音乐的浪漫主义特征，其对钢琴表现力的极致探索，以及如何通过宏大的结构和戏剧性的冲突来营造音乐的史诗感。我们将分析其作品中对和声、音色、以及跨越琴键的巨大音域的运用。 德彪西的色彩与氛围： 选取《月光》、《亚麻色头发的少女》等作品，探讨德彪西印象派音乐的特点，如模糊的旋律、色彩斑斓的和声、以及对音乐氛围的营造。我们将分析如何通过特殊的触键、踏板控制，以及对音色的精细处理，来捕捉其梦幻般的音乐意境。 第三部分：演奏者的修养与实践——技术背后的音乐智慧 技术是演奏的基石，但音乐的灵魂在于表现。本部分将超越具体的乐曲，从更普遍的层面探讨钢琴演奏者的必备素养与实践方法。 正确的练习方法与技巧训练： 强调“目的性练习”的重要性，分析如何针对性地解决技术难点，例如手指的独立性、力量的平均分配、快速音阶的清晰度、琶音的流畅性、双音的准确性、以及跳音、连音、震音等不同触键方法的掌握。我们将介绍一些普遍适用的练习方法，但不拘泥于特定练习曲的讲解。 乐句分析与音乐表达： 讲解如何识别乐句的走向、呼吸与起伏，如何通过力度、速度、音色、踏板等手段来塑造乐句的性格与情感。强调“歌唱性”在钢琴演奏中的重要性，以及如何将旋律“唱”出来。 节奏与律动的把握： 探讨音乐节奏的精准性与灵活性之间的关系，分析不同时期、不同风格音乐对节奏的要求。讲解如何处理切分音、附点音符、散拍节奏等，以及如何通过内部的律动感来赋予音乐生命。 音色控制与踏板运用： 深入分析钢琴的音色变化，从柔和的弱音到辉煌的强音，以及如何通过触键的深浅、快慢来控制音色。详细讲解踏板的四种基本功能（延音、弱音、半踏、跳音踏板），以及在不同音乐风格中如何恰当运用踏板来丰富音响、连接乐句、创造氛围。 音乐风格的理解与再现： 探讨不同作曲家、不同时代音乐风格的特点，以及这些风格如何体现在演奏的细节上。例如，巴洛克时期的清晰与均衡，古典主义时期的明朗与优雅，浪漫主义时期的奔放与抒情，印象派的朦胧与色彩。 聆听与模仿： 鼓励读者多聆听大师的演奏，分析他们的处理方式，但强调“模仿”并非“照搬”，而是通过聆听来激发自己的音乐灵感和理解。 舞台表现力与心理调适： 简要提及舞台演奏时的注意事项，包括如何克服紧张情绪，如何与观众建立联系，以及如何将音乐的能量完整地传递出去。 结语： 《指尖上的音符：精选钢琴作品赏析与演奏技法》是一本旨在引领读者深入感受钢琴音乐魅力的书籍。它不是一本枯燥的技术手册，也不是对某一类练习曲的浅尝辄止，而是希望通过对经典作品的深刻剖析，以及对演奏技法与音乐智慧的全面阐述，帮助每一位热爱钢琴的人，找到通往更深层次音乐理解与更自由演奏境界的道路。本书将成为您在钢琴学习与演奏道路上的忠实伙伴，激发您探索无尽音乐可能性的热情。

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我发现这本书最大的价值在于其对“音乐性”与“技术性”的平衡处理。很多技巧练习册，练到最后手指是跑得快了，但弹出来的声音却像机器一样僵硬缺乏生命力。但这本精选集巧妙地规避了这一点。它收录的练习曲目，虽然技术含量极高，但无一例外都蕴含着深刻的音乐动机。例如，在某个需要极快断奏的练习中，作者在批注中提醒读者，即使速度要求很快，也必须保持“歌唱性”的律动感，不能仅仅追求速度上的爆发力。这种要求，迫使我在训练手指爆发力的同时，也要时刻关注声音的质感和线条的连贯性。这感觉就像是请了一位极其严格又富有艺术洞察力的导师在旁边指导。它不仅仅是训练你弹得“快”或“准”，而是训练你弹得“好听”。这种对音乐细节的关注，让我对以往那些单纯堆砌难度的练习曲有了全新的认识，也让我明白了为什么有些大师的演奏听起来总是有种不可复制的魅力。

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从教学辅助的角度来看，这本书的结构设计简直是为教师量身定做的“进阶地图”。我之前尝试用过好几本不同的教材来系统性地训练我的学生，但总感觉缺乏一个连贯的、有逻辑的提升路径。这本书的巧妙之处在于，它将技术点进行了分层。初级练习侧重于手指的独立和均匀度，中级部分开始引入跨越和声区的快速转换，而高难度部分则完全聚焦于复杂节奏型下的织体控制。这种由浅入深的递进方式，让我在备课时可以非常精准地为不同水平的学生匹配到最适合他们的挑战。更棒的是，几乎每一组练习的末尾，都有一个“综合应用”的小品，这个小品往往融合了本组所有强调的技术点，能立刻检验学生对本单元内容的掌握程度。这让学习过程不再是孤立的技巧练习，而是与实际音乐表现紧密结合的训练。作为一名教师，我强烈推荐它作为核心教材来使用，因为它能为整个学习周期提供清晰的路线图。

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这本书的编排真是让人眼前一亮。我原本以为这只是一本普通的练习曲集，但翻开后发现，它对不同技术难点的剖析非常深入。比如在音阶和琶音的练习部分，作者不仅仅是简单地给出了指法，更是详细解释了触键的力度变化和手腕的运用技巧，这对于我这种在快速跑动时容易僵硬的演奏者来说，简直是醍醐灌顶。特别是对于跨越式的指法调整，书里配有非常清晰的图解和慢速练习建议，让人可以循序渐进地克服难关。而且，它收录的曲目风格跨度很大，从巴洛克时期的严谨到浪漫主义时期的抒情，每首曲子都有其独特的训练目的。我特别喜欢其中关于“声部独立性”的练习，它迫使我必须用不同的力度和清晰度来处理不同的旋律线，极大地提升了我对钢琴复调作品的理解和表现力。我已经坚持练习其中的一套练习曲近一个月了，感觉手指的灵活性和耐力都有了显著的提升，以前那些觉得难以驾驭的乐段，现在也变得游刃有余了。这绝不是那种拿来应付一下的教材，而是真正能指导你技术成长的工具书。

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说实话，我一开始对“精选”这个词是持保留态度的，因为很多精选集往往是东拼西凑，缺乏内在的体系性。但接触了这本《精选3》后，我的看法彻底改变了。它给我的感觉更像是一套经过精心策划的“技术模块集成系统”。它没有强行要求你必须按照书中的顺序一页一页地弹下去，而是提供了丰富的素材库。比如，如果我近期在演奏肖邦练习曲时发现自己的左手和弦连接不够流畅，我可以直接翻到书中专门针对“非对称节奏与和弦分解”的部分进行针对性训练，效率极高。这本书真正体现了“实用”二字——它理解现代钢琴演奏者在不同阶段会遇到的实际瓶颈，并提供了直接有效的“手术刀式”的解决方案。它不是一套面向未来的理论，而是即时解决当下演奏难题的利器。它的知识密度非常高，每次重读都能发现新的细节和以前忽略掉的练习重点，这让它具备了极高的重复研读价值，绝对是书架上值得常备的一本“技术圣经”。

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这本书的装帧和纸张质量简直是教科书级别的典范。作为一名对乐谱细节有执念的演奏者，我最怕的就是那些油墨模糊、排版拥挤的乐谱，读起来非常费劲，还容易看错音。然而，这本《精选3》完全没有这个问题。它的纸张厚实且带有轻微的哑光处理，即使在舞台灯光下也不会反光刺眼，长时间练习下来眼睛也不会感到疲劳。更值得称赞的是其排版设计，清晰的五线谱、精准的指法标记（而且标记得恰到好处，不多不少，点到为止），以及最重要的——呼吸点的标记，都处理得极为考究。很多练习曲，尤其是那些连奏和分解和弦的段落，如果没有准确的换指和换把标记，很容易在演奏中段“断线”。这本书在这方面做得非常细致，而且它的编辑者似乎很了解演奏者的“痛点”，很多技术难关的解决思路都直接内嵌在了乐谱的提示中。我个人认为，仅仅是这套乐谱的清晰度，就值回票价了，它让枯燥的技巧训练变成了一种视觉上的享受。

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